array(4) {
  ["FOLDER"]=>
  string(22) "/university/instituty/"
  ["URL_TEMPLATES"]=>
  array(4) {
    ["news"]=>
    string(0) ""
    ["search"]=>
    string(7) "search/"
    ["detail"]=>
    string(33) "#SECTION_CODE_PATH#/#ELEMENT_ID#/"
    ["section"]=>
    string(20) "#SECTION_CODE_PATH#/"
  }
  ["VARIABLES"]=>
  array(3) {
    ["SECTION_CODE_PATH"]=>
    string(47) "institutes/mxo/kafedra-muzykalnogo-obrazovaniya"
    ["SECTION_ID"]=>
    string(3) "183"
    ["SECTION_CODE"]=>
    string(32) "kafedra-muzykalnogo-obrazovaniya"
  }
  ["ALIASES"]=>
  array(0) {
  }
}
			

Методика музыкального воспитания в начальной школе

Особенности программы по музыке для 1-4 классов

В начальной школе у учащихся закладываются основы музыкального образования и культуры.

Замечание 1

Под начальным музыкальным образованием понимают процесс знакомства детей с музыкальным искусством, усвоение опорных знаний по музыке.

Основная цель музыкального воспитания в начальной школе – формирование у учащихся музыкальной культуры, как части духовной культуры человека.

Компонентами музыкального воспитания в начальной школе являются:

• эмоциональное и целостно сформированное отношение к искусству;
• формирование правильного музыкального восприятия;
• воспитание адекватного нравственно-эстетического отношения к музыкальному искусству;
• формирование опыта творческой деятельности.

В начальной школе занятия музыкой направлены на развитие фантазии и воображения у детей, понимания ими соотношения искусства и природы, умения ощущать их общность.

Музыкальное воспитание в начальной школе основано на концепции такого преподавания, которое сочетает в себе специфику природы младшего школьника и природы искусства. Для ребенка младшего школьного возраста – это в первую очередь интерес к различным чувственным впечатлениям, который он «принес» с дошкольного возраста, эмоциональная отзывчивость на них, духовный опыт.

В начальных классах выделяют следующие виды деятельности на уроках по музыке:

1. Прослушивание и последующий анализ различных музыкальных произведений. Цель: формирование способности слышать, понимать и переживать музыкальное содержание произведений.
2. Формирование и развитие у учащихся вокально-хоровых навыков. Цель: научить управлять собственным голосом, умения держать правильно корпус, контролировать дыхание, дикцию и артикуляцию.
3. Обучение игре на различных детских музыкальных инструментах (свистульки, ложки, бубен, ксилофон и т.д.).
4. Развитие чувства ритма. Цель: обучение движениям под музыку, хореографии.
5. Выполнение различных музыкальных творческих заданий.
6. Воспитание у детей музыкальной грамоты.

Готовые работы на аналогичную тему

Жанры, изучаемые в начальной школе:

• 1 класс – песня, танец, марш; знакомство с музыкальными инструментами; ознакомление с народным фольклором.
• 2 класс – продолжение знакомства с теми же самыми жанрами, посредством прослушивания таких произведений как сюиты, кантаты, фрагменты из балета.
• 3 класс – углубление знаний путем прослушивания фрагментов опер, балетов, концертов для фортепиано, арий.
• 4 класс – прослушивание симфоний, опер, кантат, сонат и т.д.

Замечание 2

Таким образом, музыкальное воспитание учащихся начальной школы имеет большое значение в формировании духовной и нравственной стороны личности каждого ребенка.

Методы музыкального воспитания младших школьников

Основными методами музыкального воспитания в начальной школе являются:

1. Метод наблюдения за музыкой, а не обучение музыке. Данный метод основан на том, что во время урока музыки учащимся не навязывают музыку, а стараются ее радовать и увлекать.

2. Метод музыкального обобщения – предусматривает забегание вперед, возвращение к пройденному материалу, совместные размышления о музыке, ее эмоциональной драматургии, понимания того, что хотел сказать «автор» произведения. Последовательность воспитательных действий в рамках данного метода:

   • активизация имеющегося музыкального опыта учащихся, с целью его расширения и углубления;
   • освоение новых музыкальных знаний;
   • закрепление музыкальных знаний посредством различных видов учебной деятельности.

   Многие педагоги, занимающиеся музыкальным воспитанием и обучением детей, считают, что данный метод является одним из основных и наиболее эффективных, так как он направлен на развитие художественного мышления учащихся.

3. Методы контрастных сопоставлений – представляет собой систему специально подобранных заданий, которые включают в себя контрастные произведение одного жанра, интонации или настроения. Задача учащихся сравнить и проанализировать звучание и содержание данных произведений, выявить схожее и различное.

4. Метод уподобления характеру звучащего музыкального произведения – предполагает активные творческие действия, направленные на осознание того музыкального образа, который передает музыкальное произведение. В качестве творческих действий могут быть различные движения под музыку, вокальное или мимическое сопровождение, цветовое или художественное и т.д. Важно научить ребенка выражать те эмоции и переживания, которые он испытывает в процессе прослушивания музыкального произведения. Важно помнить, что в процессе музыкального воспитания необходимо достичь такого уровня понимания музыки, при котором ребенок может выразить свои чувства от прослушивания любыми способами и средствами.

5. Метод эмоциональной драматургии – направлен на активизацию эмоционального отношения учащихся к музыке, формированию увлеченности и интересом к музыкальному искусству. Метод драматургии предусматривает такое построение учебного занятия, при котором наиболее интересной и захватывающей частью является кульминация. В рамках данного метода урок музыки построен на эмоциональных контрастах и постепенном эмоциональном насыщении.

Каждый из методов музыкального воспитания детей начальных классов включает в себя комплекс приемов. Это необходимо для того, чтобы урок был не только познавателен, но и интересен учащимся. Достижение поставленной педагогом цели и задач урока следует решать сообща. Только обоюдное решение позволит достичь поставленной цели и получить ожидаемый воспитательный эффект от урока. Важным является каждое учебное занятие заканчивать формулировкой выводов и подведением итогов.

Замечание 3

На уроке музыки, как правило, различные методы применяются в совокупности с учетом источника приобретения знания, видов художественной деятельности детей, типов урока, а также задач развития художественно-творческих способностей человека.

Кафедра музыкального педагогического образования | Донецкий национальный университет

Кафедра теории и методики музыкального и эстетического воспитания

Кафедра теории и методики музыкального и эстетического воспитания как самостоятельное структурное подразделение была создана на факультете начальных классов Омского государственного педагогического университета в декабре 1993 года. С 1999 года кафедра является структурным подразделением факультета искусств ОмГПУ.

С 2000 года кафедра начала обучение специалистов, а позднее – бакалавров по направлению 44.03.01 Педагогическое образование, направленность (профиль) «Музыкальное образование» на дневной форме обучения. В 2004 году на внебюджетной основе был проведен первый набор бакалавров по направлению «Художественное образование», направленность (профиль) «Музыкально-компьютерные технологии», по которому состоялось четыре выпуска.

В 2010 году была открыта магистратура по направлению 44.04.01 Педагогическое образование, направленность (профиль) «Музыкально-компьютерные технологии». Среди выпускников магистратуры – педагоги-музыканты, учителя музыки, музыкальные руководители многих образовательных организаций города Омска, Омской области, других регионов Сибири. В настоящее время осуществляется тесное сотрудничество с образовательными организациями Республики Казахстан (в Астане, Павлодаре, Семее и др.) по набору выпускников, педагогов-практиков и сотрудников кафедр вузов в магистратуру по заочной внебюджетной форме обучения.

В сотрудничестве с факультетом повышения квалификации и профессиональной переподготовки Омского государственного педагогического университета кафедра осуществляет повышение квалификации по ряду программ, в их числе «Инновационные процессы в музыкальном образовании», «Современные технологии обучения игре на музыкальных инструментах» и др.

Коллектив студентов дневной формы обучения по направлению 44.03.01 Педагогическое образование, направленность (профиль) «Музыкальное образование» является основой академического хора ОмГПУ «Лик», который неоднократно становился лауреатом различных конкурсов и фестивалей, в том числе международного уровня, защищал честь вуза и региона за пределами г. Омска (в Барнауле, Люблине (Польша), Минске (Республика Беларусь) и др.), где демонстрировал высокий профессиональный уровень исполнения музыкальных хоровых произведений. Руководитель хора – доцент кафедры Т.В. Капустина, концертмейстер – старший преподаватель кафедры С.В. Попова.

Студенты музыкального отделения факультета искусств активно участвуют и побеждают во многих муниципальных, региональных и международных музыкальных и музыкально-педагогических конкурсах и фестивалях: «Студенческая весна», «ЭтноЭра», «Сибирь зажигает звезды», «Урал собирает друзей», «Янтарный остров», «Учитель музыки XXI века им. Д.Б. Кабалевского» (Москва, Екатеринбург, Калининград, Курган, Новосибирск, Алматы) и др.

Кафедра активно сотрудничает с Министерством образования, Министерством культуры и Министерством по делам молодежи, физической культуры и спорта Омской области, студенты и преподаватели активно участвуют в организуемых данными министерствами мероприятиях.

Кафедра является инициатором создания «Ассоциации учителей музыки г. Омска и Омской области», на основе работы которой организуются научно-практические конференции и обучающие семинары для музыкальных работников дошкольных учреждений, педагогов системы дополнительного образования и учителей музыки. Содержанием работы ассоциации являются актуальные проблемы формирования музыкальной культуры обучающихся, внедрение Федеральных государственных образовательных стандартов, инновационных технологий в учебный музыкальный процесс, модернизация современного музыкального и музыкально-педагогического образования и др.

Среди сотрудников кафедры – ведущие преподаватели факультета искусств, имеющие ученые степени и звания: к.п.н., доцент Бурлак О.А., к.п.н., доцент Зубачевская Н.А., заслуженный артист России доцент Кузин В.М., к.п.н., доцент Тулаева В.В., к.п.н. доцент Феттер П.З. (зав. кафедрой), доценты (ВАК) Капустина Т.В. и Усова О.А., доцент Лев Я.Б., старший преподаватель Попова С.В.

Воспитательную работу со студентами на кафедре курирует специалист по учебно-методической работе, старший преподаватель Акулова М.М.

Обучение музыке детей: Orff, Kodaly, Suzuki, Dalcroze

Педагоги используют различные подходы к обучению музыке. Один из лучших способов обучения детей музыке — это опираться на врожденное любопытство ребенка и учить детей так, как они учатся лучше всего, подобно тому, как ребенок изучает свой родной язык.

У каждого метода обучения есть система, лежащая в основе философия с четко определенными целями и задачами. Эти методы используются давно, поэтому проверены временем и доказали свою эффективность.Все эти методы объединяет то, что они учат детей не просто слушать, но и побуждают их быть творцами и продюсерами музыки. Эти методы вовлекают ребенка в активное участие.

Эти методы и их варианты используются учителями музыки на частных уроках и в школах по всему миру. Вот четыре самых популярных метода музыкального образования: Orff, Kodaly, Suzuki и Dalcroze.

Метод Орфа-Шульверка — это способ обучения детей музыке, которая задействует их разум и тело посредством смеси пения, танцев, актерского мастерства и использования ударных инструментов, таких как ксилофоны, металлофоны и глокеншпили, известные как Орф. Инструментарий.

Уроки представлены с элементом игры, помогающим детям учиться на их собственном уровне понимания, при этом особое внимание уделяется интеграции искусства с рассказами, поэзией, движением и драматургией.

Наименее методичный из четырех подходов, метод Орфа преподает музыку в четыре этапа: имитация, исследование, импровизация и композиция.

Перед тем, как перейти к инструментам, есть естественный прогресс в этом методе. Голос приходит сначала через пение песен и сочинение стихов, затем идет перкуссия тела, такая как хлопки, топание и щелчки.Последним идет инструмент, который рассматривается как деятельность, расширяющая тело.

Философия метода Кодали заключается в том, что музыкальное образование наиболее эффективно, когда оно начинается рано, и что каждый способен достичь музыкальной грамотности, используя народную и сочиненную музыку, имеющую высокую художественную ценность.

Золтан Кодали был венгерским композитором. Его метод основан на последовательности, в которой каждый урок строится на последнем.Пение подчеркивается как основа музыкальности.

Он начинает с чтения с листа, осваивает основные ритмы и разучивает высоту звука методом «жест рукой». Знаки руками помогают детям визуализировать пространственные отношения между нотами. Знаки руками в сочетании с пением сольфеджио (до-ре-ми-фа-со-ла-ти-до) помогают пению на поле. Кодали также известен системой ритмических слогов для обучения устойчивому ритму, темпу и метру.

Благодаря этим комбинированным урокам ученик естественным образом овладевает навыками чтения с листа и тренировки слуха.

Метод Судзуки — это подход к музыкальному образованию, который был введен в Японии и позже распространился в Соединенных Штатах в 1960-х годах. Японский скрипач Шиничи Судзуки разработал свой метод по врожденной способности ребенка изучать родной язык. Он применил основные принципы овладения языком к обучению музыке и назвал свой метод «подход на родном языке» .

Благодаря слушанию, повторению, запоминанию, развитию словарного запаса — подобно языку, музыка становится частью ребенка.В этом методе участие родителей способствует успеху ребенка через мотивацию, поощрение и поддержку. Это отражает тот же тип участия родителей, который помогает ребенку выучить основы своего родного языка.

Родители часто учатся игре на инструменте вместе с ребенком, выступая в качестве музыкального образца для подражания и поддерживая позитивную атмосферу обучения для достижения ребенком успеха.

Хотя этот метод изначально был разработан для скрипки, теперь он применим и к другим инструментам, включая фортепиано, флейту и гитару.

Метод Dalcroze, также известный как Dalcroze Eurhythmics, — это еще один подход, используемый педагогами для обучения музыкальным концепциям. Эмиль Жак-Далькроз, швейцарский педагог, разработал метод обучения ритму, структуре и музыкальному выражению через музыку и движения.

Эритмика начинается с тренировки слуха, или сольфеджио, с целью развития внутреннего музыкального слуха.Это отличается от использования сольфеджио Кодали тем, что оно всегда сочетается с движением.

Другой компонент метода касается импровизации, которая помогает учащимся отточить свои спонтанные реакции и физические реакции на музыку.

В основе философии Dalcroze лежит то, что люди учатся лучше всего, когда учатся через несколько органов чувств. Далькроз считал, что музыку следует обучать через тактильные, кинестетические, слуховые и визуальные чувства.

Учебных методик | K12 Академики

В то время как учебные стратегии связаны с учителем музыки и музыкальной программой в его или ее районе, многие учителя в значительной степени полагаются на одну из многих методик обучения, которые появились в последних поколениях и быстро развивались во второй половине 20-го века:

Основные методы международного музыкального образования

Метод Далькроза
Метод Далькроза был разработан в начале 20 века швейцарским музыкантом и педагогом Эмилем Жак-Далькрозом.Метод разделен на три основных понятия — использование сольфеджио, импровизации и ритмики. Эритмика, которую иногда называют «художественной гимнастикой», обучает концепциям ритма, структуры и музыкального выражения с использованием движения, и это концепция, которой Далкроз наиболее известен. Он направлен на то, чтобы позволить ученику получить физическое осознание и опыт музыки через обучение, которое проходит через все чувства, особенно кинестетические. Согласно методу Далькроза, музыка — это основной язык человеческого мозга, поэтому он глубоко связан с тем, чем являются люди.

Метод Кодай
Золтан Кодай (1882–1967) был выдающимся венгерским музыкальным педагогом и композитором, который подчеркивал преимущества физического обучения и реакции на музыку. Хотя это и не совсем образовательный метод, его учение находится в веселой образовательной структуре, построенной на твердом понимании базовой теории музыки и нотной записи в различных устных и письменных формах. Основная цель Кодая состояла в том, чтобы привить своим ученикам любовь к музыке на всю жизнь, и он чувствовал, что обязанностью детской школы является обеспечение этого жизненно важного элемента образования.Некоторые из фирменных методов обучения Kodály включают использование жестов сольфеджио, нотной записи (запись палкой) и ритмическую сольмизацию (вербализацию). Несмотря на то, что большинство стран правильно использовали свои собственные традиции народной музыки для построения своей собственной последовательности обучения, Америка в первую очередь использует венгерскую последовательность, хотя венгерская народная музыка полностью отличается от американской.

Orff Schulwerk
Карл Орф был выдающимся немецким композитором.Orff Schulwerk считается «подходом» к музыкальному образованию. Он начинается с врожденных способностей ученика заниматься элементарными музыкальными формами, используя базовые ритмы и мелодии. Орф считает все тело ударным инструментом, и ученики должны развивать свои музыкальные способности так, как это происходит в западной музыке. Такой подход поощряет импровизацию и препятствует давлению взрослых и механическим упражнениям, способствуя самопознанию учащихся. Карл Орф разработал специальную группу инструментов, включая модификации глокеншпиля, ксилофона, металлофона, барабана и других ударных инструментов, чтобы приспособиться к требованиям курсов Шульверка.

Метод Suzuki
Метод Suzuki был разработан Шиничи Сузуки в Японии вскоре после Второй мировой войны и использует музыкальное образование, чтобы обогатить жизнь и моральный облик своих учеников. Это движение основывается на двойной предпосылке, что «все дети могут получить хорошее образование» в музыке, и что обучение игре на высоком уровне также предполагает изучение определенных черт характера или добродетелей, которые делают душу человека более красивой. Основной метод достижения этого заключается в создании такой же среды для изучения музыки, как у человека для изучения своего родного языка.Эта «идеальная» среда включает в себя любовь, качественные примеры, похвалу, механическое обучение и повторение, а также расписание, составленное в зависимости от готовности ученика к изучению определенной техники. Хотя метод Судзуки довольно популярен во всем мире, в Японии его влияние менее значимо, чем метод Yamaha, основанный Геничи Каваками в сотрудничестве с Yamaha Music Foundation.

Метод О’Коннора
16 ноября 2009 года Марк О’Коннор выпустил книги 1 и 2 своего 10-книжного метода О’Коннора — Новая американская школа игры на струнах для учителей струнных и учеников скрипки, предназначенных для: постепенно направлять студентов через развитие педагогических и музыкальных приемов, необходимых для того, чтобы стать опытным, разносторонним музыкантом, посредством тщательно спланированной последовательности произведений.«Пьесы охватывают широкий диапазон жанров и включают в себя: народные мелодии, такие как« Amazing Grace »,« Cielito Lindo »и« Buffalo Gals », американские классические мелодии, такие как« Hoedown »Копленда, две темы из симфонии Дворжака« Новый мир »и «Аппалачский вальс» О’Коннора. Серия также содержит короткие эссе на такие темы, как знаменитых американских скрипачей, таких как Томас Джефферсон и Дэви Крокетт, история цыган и мариачи, а также различные танцы. Сессии для учителей, основанные на этом методе, проходят вокруг страна.

Другие известные методы
В дополнение к четырем основным международным методам, описанным выше, другие подходы оказали влияние. Ниже описаны менее известные методы:

Теория обучения музыке Гордона
Этот метод основан на обширных исследованиях и полевых испытаниях, проведенных Эдвином Э. Гордоном и другими. Теория обучения музыке предоставляет учителю музыки исчерпывающий метод обучения музыкальному мастерству через прослушивание, термин Гордона для понимания музыки в уме.Методы обучения помогают учителям музыки устанавливать последовательные учебные цели в соответствии со своими собственными стилями преподавания и убеждениями.

Мировая музыкальная педагогика
Рост культурного разнообразия среди населения школьного возраста побудил музыкальных педагогов с 1960-х годов диверсифицировать содержание музыкальной программы и сотрудничать с этномузыкологами и некоторыми мировыми артистами-музыкантами в создании соответствующих методик обучения. к музыкальным традициям.«Мировая музыкальная педагогика» была изобретена Патрисией Шехан Кэмпбелл для описания мирового музыкального содержания и практики в музыкальных программах начальной и средней школы. Пионеры этого движения, особенно Барбара Ридер Лундквист и Уильям М. Андерсон, оказали влияние на второе поколение музыкальных педагогов (включая Брайана Дж. Бертона, Мэри Гетце, Эллен Маккалоу-Брабсон и Мэри Шемрок) на разработку и предоставление учебных моделей учителям музыка разного уровня и специализации.

Разговорная сольфеджио
Разговорная сольфеджио, основанная на методологии Кодали и теории обучения музыке Гордона, была разработана доктором Дж.Джон М. Фейерабенд, заведующий кафедрой музыкального образования Харттской школы Хартфордского университета. Философия этого метода состоит в том, чтобы рассматривать музыку как слуховое искусство с учебной программой, основанной на литературе. Последовательность этой методики включает 12 этапов обучения музыкальной грамотности. Шаги включают ритмические и тональные паттерны и расшифровку паттернов с помощью слогов и обозначений. В отличие от традиционного метода Kodály, этот метод следует фактическим инструкциям Kodály и использует последовательность, основанную на американских народных песнях, вместо использования последовательности, которая используется в Венгрии на основе венгерских народных песен.

Метод Карабо-Конуса
Этот подход раннего детства, который иногда называют сенсорно-моторным подходом к музыке, был разработан скрипачкой Мадлен Карабо-Конус. Этот подход включает использование реквизита, костюмов и игрушек для детей, чтобы изучить основные музыкальные концепции персонала, длительности нот и фортепианной клавиатуры. Конкретная среда специально спланированного класса позволяет ребенку изучать основы музыки посредством осязания.

MMCP
Манхэттенвильский музыкальный учебный план был разработан в 1965 году и представляет собой альтернативный метод формирования позитивного отношения к музыкальному образованию.Этот творческий подход основан на том, что студент играет роль музыканта и участвует в процессе открытия. Учитель дает ученику свободу создавать, исполнять, импровизировать, проводить, исследовать и исследовать различные аспекты музыки в спиральной учебной программе.

методов обучения музыке — Chordblossom

Вы можете быть удивлены, узнав, что есть много разных способов учиться музыке. Во всем мире обучение музыке осуществляется по-разному.Наш собственный опыт в Великобритании / Ирландии заключается в том, чтобы учиться на слух с раннего возраста или преподавать прямую теорию музыки и применять ее к обучению игре на музыкальном инструменте по письменной музыке.

На протяжении всей истории было много педагогов, которые разработали способы обучения музыке, чтобы помочь нам учиться быстрее и лучше понимать музыку, то есть не только изучать ее, но и действительно понимать ее. Многие из этих методов поощряются с раннего детства, но не беспокойтесь: учиться музыке никогда не поздно, и это пища для размышлений для ваших собственных детей.Их много, но наиболее широко известны четыре.

Подход Орфа — Этот метод задействует разум и тело посредством танцев, актерского мастерства, пения и использования ударных инструментов. Идея состоит в том, что дети учатся через «игру», что делает их более увлекательными и веселыми. Он разработан немецким композитором Карлом Орфом, который стал соучредителем Gunther-Schule, школы музыки, танцев и гимнастики. Дети сочиняют музыку или используют народную музыку в качестве основы для своих выступлений.Учителя могут создавать свои собственные классы. Одним из примеров может быть использование рассказа или стихотворения в качестве основы для создания композиции с использованием ударных инструментов. Другие в классе могут разыграть историю, чтобы побудить к большему участию.

Цитата из Орфа:

«С незапамятных времен дети не любили учиться. Они бы предпочли играть, и если вы в глубине души относитесь к их интересам, вы позволите им учиться, пока они играют; они обнаружат, что то, что они освоили, — детская игра.”

Метод Кодали — возникший в Венгрии, этот метод фокусируется на певческом голосе как на основном инструменте в понимании музыки. Традиционная народная музыка занимает центральное место в этом методе, поскольку она содержит необработанные элементы музыкальной культуры человека. В этом методе также используются знаки руки для обозначения нот на шкале, изображения, подвижное до (как в До-ре-ми), символы ритма и произносимые слоги для представления ритмов. Этот метод предполагает, что каждый обладает музыкальными способностями, и в это верил сам Кодали.Также используются игры и движение, как и другие методы, а также чтение и письмо. Пентатоника используется вначале и постепенно развивается. Основная последовательность обучения — «слушать — петь — понимать — читать и писать — творить». Метод особенно эффективен для развития навыков слушания и тренировки слуха.

Цитата из Kodaly:

«Обучать ребенка игре на музыкальном инструменте без предварительной подготовки и без развития пения, чтения и диктовки на высшем уровне вместе с игрой — значит строить на песке.”

Suzuki Method зародился в Японии и появился в США в 60-х годах. Он был разработан для скрипки, но теперь применяется ко всем инструментам. Этот метод основан на вовлечении родителей ребенка, которые также посещают уроки и следят за тем, чтобы это правильно выполнялось дома. Он известен как «подход на родном языке», в котором говорится, что у детей нет проблем с изучением родного языка у родителей, поэтому тот же принцип можно применить и к музыке. Помня об этом, дети учатся путем наблюдения и подражания, и им следует слушать музыку с рождения.Они знакомятся со своим инструментом, играя по памяти, прежде чем научатся читать ноты. Музыка — важная часть жизни ребенка, который слышит ее повсюду. Его даже играют в качестве фоновой музыки в школах, чтобы помочь развить музыкальный слух. Формальные уроки начинаются в возрасте 2 или 3 лет.

Цитата из Suzuki:

«Музыкальные способности — это не врожденный талант, а способность, которую можно развивать. Любой хорошо обученный ребенок может развить музыкальные способности так же, как все дети развивают способность говорить на своем родном языке.Возможности каждого ребенка безграничны ».

Метод Далькроза — соединяет музыку, движение, тело и разум. Разработанный Эмилем Жаком-Далькрозом, цель — улучшить тренировку слуха и импровизацию. Студентам предлагается выражать ритм, который они слышат, посредством движения. Например. ритм и структура представлены шагами и хлопками. Сольфеджио используется для улучшения зрительного пения и тренировки слуха.

Интересно, что существует так много теорий о том, как лучше всего преподавать музыку.Это просто дегустация того, что там есть. Некоторые из упомянутых методов внедряются в нашу собственную систему образования, но они очень зависят от индивидуального преподавателя и его опыта в использовании методов — помните об этом, даже если вы просто ищете информацию о найме учителя по игре на фортепиано. Найдите учителей в вашем районе, использующих эти методы.

Оставить комментарий ⁞

Подход MLT — GIML — Институт обучения музыке Гордона

Метод — это порядок, в котором последовательные цели вводятся в учебный план для достижения всеобъемлющей цели, цели.Хороший метод говорит нам, чему учить, когда учить этому (наилучшая последовательность обучения) и зачем его учить. Хорошая техника подсказывает нам, как учить. Теория обучения музыке предоставляет учителям комплексный и последовательный метод обучения основным навыкам аудирования.

Последовательность

Методы обучения музыке часто классифицируются как сначала наизусть или сначала ноты. Теория обучения музыке имеет много общих черт с такими механическими методами, как Сузуки, Далькрозе, Кодай и Орф.Учащиеся создают прочную основу слуховых и исполнительских навыков с помощью пения, ритмических движений, а также обучения тональным и ритмическим образцам до того, как они познакомятся с нотной записью и теорией музыки.

Процесс обучения музыке во многом такой же, как и при изучении языка. Когда дети учатся говорить, они сначала слушают. С момента рождения и даже раньше они окружены звуками языка. Они поглощают эти звуки и привыкают к языку своей культуры. Вскоре дети начинают подражать.Их очень хвалят, и их поощряют «лепетать», даже если их звуки не имеют смысла для взрослых слушателей. Затем они начинают думать на языке. Слова и фразы начинают иметь для них значение. Далее дети импровизируют на языке. Они составляют свои собственные фразы и предложения, которые организованы логически. Они могут участвовать в разговоре. Наконец, после нескольких лет развития способности думать и говорить, детей учат читать и писать. Только после того, как все эти навыки будут хорошо освоены, вводится грамматика, теория построения предложений.

Последовательность в теории обучения музыке имеет много общего с теорией изучения языка. Последовательность обучения навыкам систематически учитывает готовность, необходимую для изучения каждого нового музыкального навыка. Студенты, обучающиеся в соответствии с теорией обучения музыке, учатся читать нотации (см. Символические ассоциации), но только после того, как они разовьют способность слышать шаблоны нот, написанные на странице. Чтение становится процессом распознавания, а не декодирования.

Учебная программа «Целое / Часть / Целое»

Подход «Целое / Часть / Целое» (иногда называемый синтезом / анализом / синтезом) — это распространенный способ в образовании организовать опыт учащихся с содержанием.Первый полный этап (Синтез) — это введение, обзор, который устанавливает базовое понимание темы. Второй этап (Анализ) состоит из детального изучения частей темы. Вернувшись к целому (второй Синтез), учащиеся получат более глубокое понимание того, как части сочетаются друг с другом, образуя единое целое.

Учителя музыки часто используют подход «целиком / частично / целиком» к новой литературе. Первый шаг — это «прогнать» пьесу, чтобы дать учащимся общее, хотя и несколько грубое, представление о том, как она идет.Далее следует детальная репетиция небольших разделов (Анализ). Следующий прогон (второй Синтез) обычно с большей технической точностью и общим пониманием музыки. Затем этот заключительный этап синтеза становится первым этапом другого цикла синтеза / анализа / синтеза. От цикла к циклу навыки учащихся проходят все более высокие стадии совершенствования.

Теория обучения музыке предлагает элегантный подход «целое / часть / целое» к развитию аудирования. Песни и музыкальная литература — это «целая» часть музыкальной программы.Им преподают во время занятий в классе. Тональные и ритмические паттерны являются «частью» и изучаются во время обучения последовательности действий. Хотя учебная последовательность действий является сердцем теории обучения музыке, где теория применяется непосредственно к практике преподавания музыки, основная цель состоит в том, чтобы повысить способность учителя помочь учащимся понимать музыку, которую они изучают в классе.

Восемь иерархических уровней обучения навыкам, которые составляют последовательность обучения навыкам в действиях последовательности обучения, также имеют отношение к занятиям в классе.Например, слуховой / устный — это самый базовый уровень последовательности обучения навыкам в учебной деятельности, но он также играет важную роль в классных занятиях. Например, разучивание новой песни сначала происходит на слуховом / устном уровне, безотносительно к тональной или ритмической сольфеджио (вербальная ассоциация) или нотации (символическая ассоциация).

Другие основные принципы

Фокус на паттернах

Тональные и ритмические паттерны, а не отдельные ноты, являются основными смысловыми единицами в музыке.Они примерно аналогичны словам в языке. Упражнения с обучающей последовательностью помогают учащимся придать музыкальное значение отдельным тонам и продолжительности, которые в совокупности образуют тональные и ритмические паттерны.

Контраст

Мы понимаем, что такое нечто, сравнивая это с тем, чем не является. Например, чтобы научиться одитировать мажорную тональность, нужно иметь опыт работы с другими тональностями, такими как минор, дорийский и миксолидийский. Методы теории обучения музыке помогают детям научиться различать различные тональные паттерны, ритмические паттерны, тональности, метры, тональные функции и функции ритма.Такое дискриминационное обучение развивает у учащихся базовый тональный и ритмический словарный запас, необходимый для обобщения, импровизации и создания логических выводов.

Контекст

Точно так же, как значение слова зависит от предложения, в котором оно находится, контекст критичен для прослушивания музыкальных элементов. Как во время занятий в классе, так и во время учебных занятий важно установить тональный и ритмический контекст. Например, во время обучения тональным образцам учитель неоднократно устанавливает тональность, возможно, играя на фортепиано тонику-доминанту-тонику.Студентам предлагается прослушать тональные паттерны в зависимости от тональности, тона покоя и тональной функции (аккорда). При обучении ритму постоянно усиливается размер, и учащимся рекомендуется двигаться ритмично, слушая образцы ритма.

Ритмическое движение

Ритм не обрабатывается интеллектуально; это должно ощущаться в теле через движение. Методы теории обучения музыке разработаны, чтобы помочь учащимся развить внутреннее понимание метра, макробитовых импульсов, микробитовых импульсов и мелодического ритма (см. Содержание ритма), чтобы выполнять упражнения с точным ритмом, постоянным темпом и ритмичным «потоком».”

Четыре эффективных стратегии преподавания музыки для сегодняшних разнообразных классных комнат

Выпускник USC Thornton Ричард Перес репетирует со своими учениками в средней школе Марко Фостера в Сан-Хуан-Капистрано. (Фото Ноэ Монтес)

Сфера музыкального образования кардинально изменилась за последнее десятилетие. Мы лучше понимаем потребности современного класса, и сейчас доступно больше ресурсов, чем когда-либо, но жесткие школьные системы могут медленно воспринимать изменения.Во многих случаях учителя музыки должны проложить путь к современному музыкальному образованию и заменить традиционные стратегии обучения новаторскими, ориентированными на вовлечение и вовлеченность.

Ниже приведены четыре современные стратегии обучения музыке , которые вы можете использовать для создания заинтересованного и инклюзивного класса.

1. Инкорпорация технологий

Одним из наиболее значительных недостатков традиционных методов обучения музыке является недостаточное использование технологий.Сегодняшние студенты являются наиболее технологически грамотным поколением на сегодняшний день — гораздо больше, чем их учителя, — и существует огромное количество доступных технологий обучения музыке, которые могут стать мощным проводником для обучения.

Музыкальные технологии, от уроков по творческой теории музыки на YouTube до обучения с помощью обучающих приложений, оказались более интересными в классе. Digital Audio Workspaces (DAW) — особенно популярный ресурс для использования. Многие студенты не упускают возможности изучить производство и композицию с помощью облачных приложений DAW, таких как Soundation и SoundTrap.

, такие как GarageBand, Logic, Pro Tools или Ableton Live, не говоря уже о множестве бесплатных приложений для создания музыки, доступных для студентов и преподавателей. Некоторые музыкальные технологии могут быть непомерно дорогими, и от них мало пользы, если учащиеся могут использовать их только в школе. Вот почему выпускник Thornton Джим Ван использует доступные технологии для обучения навыкам производства и композиции с помощью GarageBand для iOS.

«У студентов в руках эта мощная DAW-система, — сказал Ван. — Вы показываете им, как она работает, и они сами по себе.”

Джим Ван (слева) ведет урок укулеле с Софи Кристмас в средней школе Линкольна в Санта-Монике. (Фото Дарио Гриффина / USC Thornton)

2. Создайте инклюзивный класс

Инклюзивность в классе современной музыки означает вовлечение студентов с любым стилем обучения, образованием и уровнем способностей. Инклюзивность и универсальность для педагога идут рука об руку. Учитель современной музыки должен быть в состоянии от руководства джазовым ансамблем утром к преподаванию урока мировой музыки днем ​​и к руководству внешкольной рок-группой.

«Великие оркестры, хоры и группы были отличительной чертой музыкального образования, но если вы предложите уроки игры на клавишных, гитаре и написанию песен в дополнение к классическому репертуару, то сможете удовлетворить более широкий спектр музыкальных потребностей студентов», — сказал Роберт. Кутиетта, декан USC Thornton. «Если школы будут предлагать более широкие музыкальные возможности, музыкальное образование будет преобразовано, чтобы лучше соответствовать потребностям современного мира».

Инклюзивность выходит за рамки музыкальных жанров. Подлинно инклюзивный класс — это класс, в котором уважается существующее разнообразие, который адаптируется к потребностям всех учащихся и предоставляет возможности для сотрудничества между учащимися.

учащихся программы Thornton по обучению и обучению музыке прошли занятия по удостоенной наград программе «Магистр педагогических наук» Педагогической школы Россье и овладели навыками преподавания разнообразия . Курсы программы преподавания и обучения музыке решают многие из этих проблем.

3. Сосредоточьтесь на взаимодействии

Многие учителя музыки имеют исключительную возможность оказать существенное влияние на музыкальные путешествия своих учеников и поддерживать свой ум в здоровой форме .Музыка — это подарок, но тот, кто дарится, должен с готовностью его принять. Нельзя навязывать музыку невольному ученику. Вкусы сильно различаются, и выполнение образовательной и последовательной учебной программы, которая бы учитывала индивидуальные интересы и отвечало бы индивидуальным интересам, может оказаться непростой задачей.

Райан Уильямс ’17 окончил обучение по специальности «Игра на фаготе», а затем поступил в школу K-12 Contemporary Teaching Practice (Современная педагогическая практика) в USC Thornton. (Фото Криса О’Брайена / USC Thornton)

Для недавнего выпускника USC Thornton и нынешнего ученика магистратуры K-12 Contemporary Teaching Practice Райана Уильямса вовлечение его учеников означает рыскать в Интернете в поисках музыки к фильмам и угождать интересам своих учеников.

«Никто не живет в течение дня, не занимаясь музыкой, и мы пытаемся изменить то, что считается уместным в музыкальном образовании, — сказал Уильямс. — Почему мы не можем обсуждать хип-хоп или R&B в классе? ”

Четыре простых способа привлечь студентов-музыкантов

Попытайтесь обучить навыкам и концепциям, которые разожгут огонь самопознания дома. Например:

Обучение основам импровизации

Покажите учащимся, как они могут создавать простые петли для воспроизведения в GarageBand

Узнайте, что слушают ваши ученики

Узнайте, что слушают ваши ученики, и создайте уроки, связанные с музыкой.Не сбрасывайте со счетов такой жанр, как Soundcloud Rap, если более половины ваших учеников его поклонники.

Учитывать индивидуальные интересы

Обучайте базовым навыкам или концепциям таким образом, чтобы студенты могли использовать свои индивидуальные предпочтительные музыкальные жанры в качестве предмета обучения.

Включить технологию

Найдите способы интерактивного использования технологий для обучения менее увлекательным концепциям.

4. Обнимите художника-учителя внутри

Одна из основ программы преподавания и обучения музыке в USC Thornton — это художник-преподаватель .Как учителя музыки, одна из самых сильных сторон, которую вы можете использовать в классе, — это ваш личный музыкальный опыт.

«Мы твердо верим в идею художника-учителя », — сказал Дин Кутиетта. «Мы закрыли нашу предыдущую программу музыкального образования для бакалавров, потому что она не отражала нашу веру в то, что учителя в государственных школах должны быть солидными музыкантами и вдохновляющими и актуальными учителями».

Подумайте обо всем, чему вам приходилось учиться на лету как музыканту — организации концерта, совместной работе с другими музыкантами, работе с деловой стороной музыки или созданию домашней записи.Каждый полученный опыт — это возможность передать знания своим ученикам и заинтересовать их.

Педагог и выпускник Thornton Винс Вомак (в центре), ранее упомянутый здесь, работает со своими студентами-джазами в Учебном центре Джеймса Фошэя в Южном Лос-Анджелесе. (Фото Дарио Гриффина / USC Thornton)

Например, некоторые из ваших студентов, вероятно, заинтересованы в том, чтобы стать рэп-продюсером, но знают ли они, что это влечет за собой изо дня в день? Ты? Если нет, проявите изобретательность.Вы, вероятно, знаете музыканта в своей сети, который может поделиться своими мыслями.

Может быть, ваши ученики хотят играть в рок-группе. Покажите им, что это такое, организуя общественное мероприятие с участием музыки, созданной студентами, и позвольте им помочь в подготовке и постановке шоу.

Наконец, как художнику-педагогу ваше образование не должно прекращаться после окончания университета. По мере того, как вы продолжаете расти как музыкант и использовать свой опыт в классе, ваши ученики извлекут выгоду из этого.

В основе всех этих современных стратегий обучения музыке лежит осознание того, что роль музыкального педагога изменилась за последнее десятилетие. Учителям музыки необходимо «сойти с трибуны» и принять знания и интересы своих учеников, чтобы создать увлекательную и актуальную педагогику. Это означает, что больше всего новому музыкальному педагогу нужно начать видеть себя вечным учеником — от новых технологий, нового музыкального содержания и самих студентов. Создание «сообщества любителей музыки» — это конечная цель и путь к пожизненному вовлечению в музыку как для студентов, так и для учителей.

Традиционные методы обучения музыке с точки зрения науки — Soft Mozart

Введение

Большинство жителей Земли музыкально безграмотны: они не умеют читать и писать на языке музыки. Многие люди не могут научиться читать музыку даже после нескольких лет частных уроков с учителем. Общество делится на две отдельные группы: профессиональные музыканты и неграмотные массы.

В то же время большинство тех, кто сегодня живет в цивилизованных странах, не испытывают особых затруднений в освоении букв азбуки и букваря. Иногда дети могут запомнить алфавит еще в детском саду. Некоторые из них выучивают буквы и могут бегло читать сами или с помощью родителей задолго до того, как пойдут в школу.

Лишь меньшинство знает, что так было не всегда. На протяжении веков население Европы, а затем и Америки было таким же неграмотным, как и сейчас музыкально безграмотным.Одной из основных причин этой неспособности читать и писать была неэффективная методика обучения, называемая «традиционной» и основанной на средневековой схоластической платформе.

СХОЛАСТИКА (греч. Scholastike от слова: школа)

1. Общее название средневековой идеалистической философии, строящей философскую систему не на анализе действительности, а на догматах Церкви (Философия, История).

2. Знание, оторванное от жизни и практики, основанное на формальных соображениях, не подтвержденное опытом, бессмысленное философствование, догматизм, пунктуальность (Литературный).

Толковый словарь русского языка под ред. Ушакова

Если бы, например, мы пригласили первоклассника и профессора университета взглянуть на эту книгу, каждый воспринял бы ее по-своему.Ученик испугался бы количества слов, а профессор лишь мельком взглянул на картинку. Если бы новичка заставили прочитать этот текст, он приложил бы много усилий, чтобы сформировать буквы в слоги и слова, а также попытался бы «следовать за строкой», поэтому маловероятно, что он поймет, что там написано. Если бы профессора заставили описать картинку, это было бы невероятно скучным занятием, так как текст предоставил бы ему гораздо больше информации для рассмотрения.В первой и второй ситуациях мы нарушаем важнейший принцип дидактики — принцип сознательности и активности. Нарушая этот принцип, мы разрушаем способность людей мыслить творчески и развиваться.

Достижение баланса между абстрактной и конкретной информацией было постоянной проблемой в обучении чтению на протяжении нескольких столетий. Сегодня каждый человек считает само собой разумеющимся четкое разделение книг для детей, подростков, молодежи и взрослых.Мало того, разделение основано не только на содержании самого текста, но и на том, как он представлен визуально. Чем менее опытен читатель, тем больше картинок и больше букв и слов следует использовать в книге. Верно и обратное.

1 2 3

6 7

Средневековый схоластический «традиционный» подход к обучению чтению и письму не позволял вносить изменения в текст в пользу восприятия, авторы букваров не только воздерживались от использования иллюстраций, но и считали их вредными для учащихся.Было распространено мнение, что чтение и письмо в любом случае предназначены только для избранных.

При таком подходе ученик рассматривался как пассивное существо, послушное и лишенное собственного мнения или инициативы. Новое знание как бы внедрялось в сознание без участия индивидуальной воли. Не случайно тема избиения дубинкой и издевательств над учениками была обычным явлением в старинных иллюстрациях ранних букваров.

Здесь вы можете увидеть страницу из раннего русского букваря начала 18 ^-го века и учебник музыки для 1 класса 21 ^-го века.Эти две книги объединяет один подход. При таком подходе метод подачи текста остается неизменным. Таким образом, человек подвергается агонии и пыткам.

За несколько столетий в мире музыкальной педагогики накопилось множество различных школ, методик и направлений, направленных на совершенствование методов механического заучивания. Ни один из этих методов не решился сделать обратное: изменить существующий запас музыкального материала для удовлетворения потребности человеческого восприятия в визуализации, как это было сделано с обучением людей чтению и письму.

Глава четвертая

ПРИНЦИП ВИЗУАЛИЗАЦИИ

В сознании не может быть ничего, чего раньше не переживали.

Иоанн Амос Коменский

Эти иллюстрации являются яркими примерами прямой аналогии между личным опытом и абстрактным миром.Буква B по-английски звучит как Bee.

Сочетание гласных Au и Ua известно каждому русскому ребенку как звуки, которые вы издаете, когда кого-то ищете.

До появления ABC в картинках, буквы заучивались учениками в абстрактных именах «Алфавит» (A (ey), B (пчела), C ​​(см.), D (dee), E (ee)). Понимание конкретного фонетического звучания каждой буквы заняло некоторое время. Потеряв скорость чтения писем, человек не мог понять, что он читает.

Добавление изображений внесло ясность в процесс: при использовании изображений ученик сразу выделяет из слова — набора фонетических звуков — специфический звук, соответствующий букве. Путь от визуального восприятия букв до их воплощения становится значительно короче. Слово рядом с картинкой на практике является тренажером для образования слогов и слов. Затем разум обрабатывает информацию и сохраняет ее в памяти, накапливая ценный опыт.

Та же самая основная проблема существует в музыке. В частности, расшифровка нот и преобразование их в звук — это камень преткновения в обучении чтению. Основными причинами сложного пути от нот к их воспроизведению являются визуальный дисбаланс между клавишами и нотами и нерациональное использование визуализации.

1.V isua l дисбаланс клавиш и нот.

Изначально нотный стан создавался для участников хора, поэтому расположение нот на нем по принципу «сверху вниз» было оправданным.Но с изобретением клавишных инструментов, у которых есть горизонтальные клавиатуры, изобретение превратилось из визуального в схоластическое.

Необходимость читать ноты «сверху вниз» и исполнять их «справа налево» — это учебное задание, не имеющее аналогов в современной начальной школе.

Автор этого учебного пособия применил цвет, чтобы показать взаимосвязь между клавишами и нотами, но не сделал самого главного, он не смог сделать это понятным для человеческого визуального восприятия.

Оригинал:

Наша копия:

2. Рациональное использование визуализации

Хорошо известно, что все ноты изображены в виде одинаковых кругов, а все клавиши — в виде одинаковых прямоугольников. Отдельное кодирование каждой из нот-клавиш в октавах — октавный подход — является наиболее распространенной техникой в ​​музыкальной педагогике.

Исторически такой подход стал традиционным. Причины этого следующие:

1. Он существовал задолго до появления нотоносца в Древней Греции.
2. Это кажется оправданным, потому что в грамматике мы начинаем с запоминания букв и их последовательности — алфавита.

Но механизмы чтения нот и литературы устроены по-разному. Когда вы учитесь читать и писать «имя» буквы — это «ключ» к пониманию ее фонемы, при чтении нотной записи решающим фактором является положение нот на нотном стане. Подход к обучению Octave направляет внимание студентов в неправильном направлении. Ведь если каждая нота-клавиша названа индивидуально, достаточно выстроить их в одну линию, и необходимость в нотоносце полностью отпадет.

На практике сложность чтения нот начинается с ориентации в тех же 10+ одинаковых строках и более чем 11 пробелах. Следовательно, чтобы научить студентов успешно читать музыку, необходимо использовать подход , графический, , а не октавный (слуховой) подход.

Что означает графический подход?

Спросим у экспертов:

« Всякий раз, когда мы пытаемся осмыслить информацию визуально, мы сначала наблюдаем сходства и различия в том, что мы видим …. Как только мы понимаем отношения между элементами, мы можем кусок

вместе всю историю и понимаем что мы видим. Этот процесс ускоряется нашей способностью визуально группировать информацию .Когда мы наблюдаем одну травинку, соседние объекты, имеющие одинаковый цвет, форму, размер и положение, группируются вместе и получают значение: лужайка. Нам не нужно сравнивать каждое лезвие с другим.

Принципы восприятия дают нам ценную информацию о том, как мы визуально группируем информацию. Например, объекты, расположенные рядом друг с другом, сгруппированы (близость), как и объекты, которые имеют много общих визуальных характеристик (сходство).

Таким образом, усилия учителей, направленные на создание наглядных пособий, чтобы запомнить положение нот в октаве, не достигают цели:

На этой иллюстрации авторы метода применили зрительные образы для запоминания названий заметок.На самом деле, трудность для ученика состоит не в том, чтобы уловить букву D, а в том, чтобы определить расположение музыкальной ноты в «лесу» линий, которые выглядят одинаково.

Чтобы обучение чтению нот было по крайней мере таким же успешным, как обучение чтению, вам нужно перенять из грамматики акцент на результат — эффективность распознавания нот, а также точность и скорость их воспроизведения. Графический подход / это средство следует использовать применительно к восприятию музыкального текста, а не к тексту для чтения.

1 . Поскольку все записи на нотном стане расположены либо на линиях, либо между ними, их следует раскрасить в два контрастных цвета, чтобы учащиеся увидели разницу и не догадывались. Например, необходимо окрасить ноты на линиях в красный цвет, а ноты в промежутках между ними — в синий цвет.

2 . Поскольку линии и промежутки между ними являются одними и теми же «дорожками» для написания заметок, они представлены в «алфавитном» представлении и должны быть одинаковой ширины, чтобы новички могли это четко видеть.

5 .Поскольку, когда ключевые посохи поворачиваются, они становятся визуальным продолжением линий и пробелов, на них также должна быть размещена идентификационная диаграмма, чтобы учащийся мог видеть каждую клавишу и всегда мог представить, где он есть и то, что вокруг него, с помощью его органов восприятия, а не каких-то мысленных расчетов.

6 . Поскольку звуков, клавиш и нот много, но в музыке всего семь названий, необходимо разместить эти имена непосредственно на нотах и ​​клавишах, чтобы учащийся мгновенно и четко видел, где какая нота (клавиша) гадать и не сбивается с пути, разгадывая их в своей голове.

Только такая «алфавитная» рейка позволяет визуализацию в самом прямом ее применении. Названия нот заучиваются естественным образом в процессе практического освоения чтения нот, как это требуется в Принципе дидактики Коменского, . То, что нужно знать о вещах, следует преподавать самими вещами … ‘

Глава пятая

THE P RINCIPLE OF G RADUAL И S YSTEMATIC K NOWLEDGE

‘Школы должны позволить все ученики использовать свои собственные чувства таким образом, , что сами, видеть, слышать, осязать, обонять, пробовать e все , что они могут и должны видеть, слышать и т. Д., так что они выпускают свои естественные чувства из бесконечные неопределенности и заблуждения. ‘.. произведения Иоанна Коменского

Я не считаю, что грешу против истины, если я напишу, что Открытия Коменского в области педагогики опередили свое время на много веков вперед.Таким образом, возможности компьютерной графики и интерактивного компьютерного обучения делают базовые навыки чтения нот еще более эффективными и отвечают требованиям «Великой дидактики», описанной философом XVI века.

Tradition обеспечивает стабильность . Однако мы должны научиться распознавать, где заканчивается традиция, и , где начинается элементарный консерватизм подход. Он не основан на естественных законах психологии человеческого восприятия. Когда традиции устанавливаются, важно, чтобы они приносили учащимся радость обучения и желание расти и совершенствоваться. Это принесет пользу не только музыкальному искусству, но и обществу, в котором мы живем.

«То, что нужно знать о вещах, следует учить на основе самих вещей …»

‘ Обучение… следует s пирог с тем, что известно и прогресс к неизвестному, от что близко к что дальше . ‘

«Все уроки должны быть организованы таким образом, чтобы новый материал всегда основывался на том, что было раньше, и добавлялся к тому, что будет дальше».

На этой фотографии первого урока игры на фортепиано трудно найти уже освоенную, известную информацию:

Это пример урока из современного учебника для 1 класса.Здесь предполагается, что ребенок будет одновременно перемещаться, используя глаза, не только между 45 белыми клавишами и 32 черными клавишами, но также между 20 черными линиями нотоносца и более чем 22 белыми пространствами.

В качестве «ориентира» предлагается, чтобы он запомнил три белых клавиши, которые выглядят совершенно одинаково, и четыре ноты точно такой же формы и цвета. Клавиши и ноты совершенно не связаны друг с другом визуально и маловероятно, что ученик, глядя на одну и пытаясь найти вторую, может « » без труда понять, где он и что такое он до ing.”

СохранитьСохранить

Методологии и подходы | Музыка Австралия

Существует бесчисленное множество подходов к доставке школьной музыки, возможно, столько же, сколько и преподавателей музыки. Существует ряд программ и организаций, каждая из которых предлагает свои собственные способы привлечения большего количества музыки в школы или предоставления учащимся новых возможностей, и многие из них перечислены в нашем Австралийском музыкальном каталоге. Существует также множество подходов, которые учителя в школах могут использовать на своих обычных уроках музыки, и ниже мы изложили несколько популярных и новаторских подходов.

Философия, разработанная венгерским композитором Золтаном Кодаи, представляет собой последовательную, накопительную и развивающую программу, основанную на слухово-вокальном подходе. По словам Дженнифер Самильд из Австралийского института музыкального образования Кодали (филиал в Новом Южном Уэльсе), «Кодали считал, что дети должны сначала выучить свой родной музыкальный язык — народные песни их собственного культурного наследия. Именно на этом родном музыкальном языке можно обучать навыкам и концепциям, необходимым для достижения музыкальной грамотности.По мере развития этих навыков детям предоставляется возможность изучать и исполнять художественную музыку всех периодов и стилей ».

Подробнее о подходе Kodály

Разработанный в 1920-х и 1930-х годах немецким композитором и педагогом Карлом Орфом и его коллегой Гунильд Китман, подход Орфа «Этот подход побуждает студентов разрабатывать свои собственные композиции, исходя из своих мыслей и творческих способностей.