Искусство обращается к эмоциям человека: Сборник идеальных эссе по обществознанию

Теория искусства и эмоции в формалистической работе Бориса Эйхенбаума

ТЕОРИЯ ИСКУССТВА И ЭМОЦИИ В ФОРМАЛИСТИЧЕСКОЙ РАБОТЕ БОРИСА ЭЙХЕНБАУМА

CAROL ANY

Самым важным вкладом опоязовцев в области литературоведения было пожалуй то, что они подняли его уровень и впервые создали из него настоящую науку. В своих работах опоязовцы боролись против субъективных и импрессионистских оценок литературы, стараясь, чтобы читатель перестал связывать литературное произведение с жизнью. Они хотели, чтобы люди не нуждались в ссылках на жизнь для понимания литературы. Опоязовцы показали, что литературное произведение не обязательно отражает человеческие жизни и чувства, но благодаря особым словосочетаниям, оно влияет на людей незаметно но сильно, и они изучали эти словосочетания. Тем самым опоязовцы вознесли литературу и литературоведение на новый уровень.

Отделяя искусство от жизни, опоязовцы естественно совершенно не обращали внимания на эмоции, вызываемые литературным произведением. Они абсолютно не интересовались « эмоциями » в обыкновенном смысле слова. Тем не менее, в некоторых статьях периода Опояза, Борис Эйхенбаум обсуждает проблему нашего эмоционального отклика на литературное произведение. В своей статье я хотела бы очертить его представление о художественной эмоции, и затем вкратце указать, каким образом это представление отражает общую литературную теорию Опояза.

У Эйхенбаума нет специальной статьи, посвященной значению эмоции в искусстве, и только изучив несколько его статей, я могу говорить об его взглядах на эту проблему. Наиболее интересными в этом плане можно назвать его две статьи о Вилгельме Фридрихе Шиллере, О трагедии и трагическом и Трагедии Шиллера в свете его теории трагического, и третья к сожалению забытая статья Размышления об искусстве, с подзаголовком « Искусство и эмоция »] . Прочитав эти три статьи, и дополнив их высказываниями автора из других статей, можно определить взгляды Эйхенбаума на художественную эмоцию.

1. Эйхенбаум, « О трагедии и трагическом », в кн. : Б. Эйхенбаум, Сквозь литера- ТУРУ> s Gravenhage, Mouton, 1962, стр. 73-83 (Slavistic printings and reprintings, 26) ; « Трагедии Шиллера в свете его теории трагического », там же, стр. 84-151 ; « Размышления об искусстве. 1. Искусство и эмоция », Жизнь искусства, 11 (11 марта 1924), стр. 8-9.

Rev. Étud. slaves, Paris, LVII/1, 1985, p. 137-144.

феноменология Э. Гуссерля – тема научной статьи по искусствоведению читайте бесплатно текст научно-исследовательской работы в электронной библиотеке КиберЛенинка

Вестник Челябинского государственного университета. 2009. № 33 (171).

Философия. Социология. Культурология. Вып. 14. С. 161-165.

ХУДОжЕСТВЕННЫЙ ОБРАЗ В СРЕЗЕ МЫСЛЬ И ЭМОЦИЯ: ФЕНОМЕНОЛОГИЯ Э. ГУССЕРЛЯ

В статье рассматривается обращение Гуссерля к проблемам искусства. Гуссерль различает переживание и изначальное переживание. Рефлексия всегда изменяет первоначальное переживание. Каждому переживанию сопутствуют серии возможных воспоминаний и соответственно фантазии. В статье указывается, что в образном сознании одна и та же вещь воспринимается, то как носитель образа в актуальном пространстве восприятия, то входит в воображаемое поле.

Ключевые слова: Э. Гуссерль, художественный образ, пространство восприятия, воображаемое поле, рефлексия.

Модель искусства, возникшая в Античности, воплощала единство природы и мира. Классическая традиция представляла искусство как способ отражения природы, человека, общества в формах самой жизни. Сама природа понималась как тождественная произведениям искусства. Искусство утверждало идеальное и материальное в произведениях. Эти два начала обыгрывались и по-разному воплощались в разные эпохи развития искусства. От абсолютизации идеального, искусство обращается к воплощению различных форм субъективного, все более интересными для художников становятся эмоции, чувства, воля, даже инстинкты. В соответствии с движением искусства двигалась и теория искусства, появляется методология исследования искусства, которая подчеркивает значение эмоциональной стороны жизни человека.

Мир ценностей это особая область эмоций. Ценностное отношение человека к миру восстанавливает роль субъекта. Социальный субъект производит оценку объекта. Ценностное отношение преодолевает объективистский подход познания к действительности. В ценностях присутствуют не только эмоции, но и интеллект. Эмоции связаны с личностным смыслом. Искусство поддерживает определенные ценности, а также оценивает новые явления. Своеобразие эстетических и художественных ценностей состоит в том, что эмоциональное здесь представлено чрезвычайно ярко. Эмоции важная сторона художественно-творческого процесса. Искусство эмоционально оценивает мир. Эмоциями в искусстве пронизано все.

Современные исследователи художественных эмоций ставят ряд вопросов: в чем состо-

ит своеобразие художественных эмоций, какую роль играют наслаждение, самонаслаж-дение, катарсис в творческом процессе, какова роль психологических напряжений в художественном творчестве? Как считает В. П. Крутоус, «разгадка природы художественных эмоций лежит в природе художественного Я. В естественном раздвоении субъекта творчества на реальное и воображаемое Я. Воображенное Я творит художественную форму»1. Эмоции играют по отношению к художнику пусковую роль. Художественная эмоция — это жизненная эмоция ее творца, трансформированная под воздействием художественной формы, при создании художественного вымысла. Существует разграничение между художественной эмоцией и разнообразными переживаниями творца. Художественные эмоции реальны и фиктивны, то есть противоречивы. Интересно изучение эмоций на материале актерского творчества, которое было проведено Л. С. Выготским, К. С. Станиславским. Выделено несколько концепций эмоций в искустве: переферическая концепция, телесно-моторная (У. Джемс — К. Ланге) и, понимающая психология, идейно-ценностная трактовка (М. Шелер). В. П. Крутоус подчеркивает, что «в творческом акте порождения художественного образа движение «по форме» образа неразрывно связано с возникновением эмоций»2. В акте творчества художник создает с помощью воображения новые образы, снимая напряжение и доставляя наслаждение, происходит сублимация. Согласно Л. С. Выготскому, при разрешении аффективного противоречия между материалом и формой разрядка чувств происходит в фантазии. В связи с особенностями существования

в художественном образе формы и материала наступает катарсис. Воображаемый характер придает художественному катарсису своеобразие. Оформляя эмоциональное, смысловое, ценностное содержание художественного образа художник на базе художественного Я получает сопереживание самому себе. В акте художественного творчества художник переживает наслаждение, испытывает счастье. Художник утверждает свою индивидуальность и приобщается к родовой сущности.

По мнению В. Л. Райкова, искусство связано с воспитанием эмоционального сознания приданного людям как форма наследственного генетического механизма. Эмоциональное сознание выполняет множество функций: оценку полученной информации, эмоциональную окраску усвоения, планирование того или иного действия, окраску самого действия. Эмоциональное сознание несет в себе общую ориентацию миронастроения. Эстетическая эмоциональная образованность определяет мироощущение современного человека. Баланс эстетической и духовной культуры и технологических достижений определяет жизнеспособность общества. Задача искусства определяется, как умение чувствовать высшие проявления духовной человеческой эстетики3. Автор приводит примеры творческого исполнительства выдающихся музыкантов XX в. С. В. Рахманинова, В. Б. Васильева и др. и делает вывод: «Диапазон их эмоционального сознания был и несопоставим и несоизмерим с укороченными возможностями эстетического усвоения современного им человеческого общества»4. Слушатели ощущали оставшийся непонятым потенциал.

Эмоции в искусстве опосредованы личностью. Художественные эмоции связаны с воображением. Чувства, эмоции играют в искусстве огромную роль — как в творчестве, так и в восприятии. Раскрыть в чем состоит их специфическая нагрузка, каково их место, функции — это сложная задача. В истории эстетической мысли идет спор между теми, кто считает, что главное в искусстве рациональное, мысль, и теми, кто главным видит эмоции. В основе формотворческого процесса в искусстве лежит их единство. Описывая эмоции, обращают внимание на личность художника. Как отметил современный британский философ Ален де Боттон: «Искусство просто вносит свой вклад в нашу любовь, помогая нам яснее осознать те чувства, на

анализ которых без него нам не хватило бы внимания или времени»5. Существует личностный подход к трактовке эмоций в искусстве. Эмоционально-чувственный компонент художественного образа раскрывается в концепциях многих философов, в том числе у Э. Гуссерля.

Феноменологическая эстетика многим обязана Э. Гуссерлю, хотя у него нет систематического изложения эстетики. Но Гуссерль часто обращается к проблемам искусства и намечает пути дальнейшего исследования. Художественное произведение, как и другие предметы, видится как интенциональная конструкция. Оно не может существовать вне восприятия. Художественное произведение конституирует деятельность сознания. Гуссерль задает траекторию мысли многим теоретикам.

Феноменология сделала попытку описать эмоциональную жизнь человека, выявить те тревоги и страхи, которые преследуют человека. Именно эту чрезвычайно богатую эмоциональную жизнь человека показывает искусство. Ж.-Ф. Лиотар так представил движение мысли феноменологии Гуссерля: «Логика феноменологии является фундаментальной логикой — логикой, которая пытается обнаружить, каким образом истина дана нам в действительности, причем опыт в гуссерлев-ском смысле, играет здесь решающую роль и феноменология хочет, исходя из истинного суждения, дойти до того, что действительно переживаемо тем, кто судит»6. Как отметил А.

В. Михайлов: «Адорно и Гуссерль находятся в оппозиции: У Адорно произведение искусства, так сказать, »склонно течь, литься», у феноменологов «быть»7. С точки зрения А. В. Михайлова, феноменология основывается на «Логических исследованиях» 1900-1901 гг. Гуссерля. Произошло два открытия: интен-циональность и категориальное созерцание. Душа направляется на что-то, одновременно дается «что-то». Нужно научиться видеть сущее в его бытии. Важно охватить все регионы бытия. бытие в отличии от сущего недоступно чувственному созерцанию. Смысл бытия должен каким-то образом подтверждаться. Категориальное созерцание открывает доступ к смыслу бытия. Феноменология призывает двигаться к самим вещам. Открытие интенциональности заставило отойти Гуссерля от традиционной психологии и прийти к философии. Философия должна делать до-

ступным подразумеваемое понятием.

Одна из проблем феноменологии — это проблема чувственности. Гуссерль, как показал Д. Н. Разеев, настаивал на том, что феноменология и психология должны базироваться на одном основании (ego cogito)8. Гуссерль различает переживание и изначальное переживание. Рефлексия всегда изменяет первоначальное переживание. Всякое переживание относится к сознанию. Одна из задач феноменологии показать ограниченные возможности показа переживания. Феноменология может показать только то, что сознательно в переживании. Жизнь, естетственное — это сфера дофеноменального. Естественная первичная чувственность скрыта сознанием, но является основой всякого переживания. Согласно трактовке Д. Н. Разеева, основной тезис феноменологии — обремененность всякого переживания сознанием, а не интенциональность9. Феноменология Гуссерля не может знать, что такое «окружающий мир», поскольку это явление дано уже в качестве феноменов сознания. Серьезная проблема феноменологии это придать статус интенциональности ощущениям. Гуссерль различает в чувственном этапы: ощущение и первичное ощущение. Есть так же этап ощущение ощущения.

Гуссерль различает вчувствования и ана-логизирующее образное сознание10. Вчув-ствование направлено на понимание другого субъекта. Образное сознание конструирует чужое сознание по аналогии. «В эмпирическом образном сознании явление предмета <…> образный объект функционирует как носитель аналогизирующего отношения к «сюжету» <…> образа. В имманентном образном сознании самоактуальное сознание должно было бы служить образным объектом для другого сознания…»11. Но это не так, потому что когда я чувствую гнев в другом, сам я не разгневан. Вчувствование не есть сознание настоящей образности. Вчувствование это акт из широкой группы репрезентаций.

Гуссерль выделяет «образ фантазии». Мы по описанию рисуем в фантазии образ описываемой вещи. Всякое вчувствование не всегда использует образ фантазии. Мы составляет образ переживаний другого человека, и ощущаем это как нечто особенное. Поэтому образ фантазии и вчувствования не совпадают полностью. А иногда имеют точки соприкосновения.

Исследования Э. Гуссерля способствовали преодолению классической теории познания.

Гуссерль использует для описания достоверности познания понятие «жизненный мир». Гуссерль подчеркивал: «Жизненный мир <.. .> уже всегда присутствует для нас, ведущих в нем бодрствующую жизнь, он заранее существует для нас и составляет «почву» всякой, теоретической или внетеоретической, практики»12. Это круг уверенностей, к которым относятся со сложившимся доверием, и которые приняты в человеческой жизни до научного обоснования. Очевидности «жизненного мира» выступают у Гуссерля критерием достоверности. Гуссерль призывал: «не претендовать ни на что кроме того, что способны довести до ясного усмотрения, по мере сущности, в чистой имманентности самого сознания»13. Поле феноменологии — это анализ раскрываемого в непосредственной интуиции априори, фиксаций непосредственно усмотримых сущностей и их взаимосвязей дескриптивное познание в системном союзе всех слоев в трансцендентально чистом сознании14. Главной задачей феноменологии Гуссерль видел выделение таких структур опыта и суждения, которые не могут быть подвергнуты сомнению. При этом сознание ничего не должно принимать на веру. Необходимо постоянно пытаться отделить основные структуры восприятия от неопределенных переживаний. «Очевидность» играет важную роль при сопряжении разума с жизненным миром. Особо необходима очевидность в сфере душевного, волевого. Разум приходи к истине, это сложный процесс. В сплетенности всех видов разума существуют истины — теоретическая, аксиологическая, практическая15. Гуссерль обращает внимание, на то, что никакое переживание не воспринимается полностью. По своей сущности оно есть поток. Мы воспринимаем точку «сейчас», тогда как пройденные этапы навсегда потеряны для восприятия. Поток переживаний невозможно полностью охватить восприятием. Эта неполнота является сущностью восприятия переживания16. Единству вещи противостоит бесконечное идеальное многообразие переживаний. Все эти переживания сходятся в том, что это переживания «того же самого». Эти переживания со-принадлежат группе. Сфера переживаний закономерна в своем трансцендентальном сущностном строении17. Действительность выявляет себя в сознании, разуме и в сознании, их в себе выявляющем18.

А. Хаардт провел исследование взглядов Гуссерля на структуру образа, на примере

особенностей восприятия в изобразительном искусстве. Эстетика близка феноменологии Гуссерля, потому что и в эстетической сфере и в феноменологии есть общий момент: для привлечения интереса к миру, существование мира не принимается во внимание. Хотя феноменолога интересует, прежде всего, вопрос, что понимать под понятием «мир». Образное сознание присуще не только эстетической сфере, человек пользуется особенностями образного мышления постоянно. Одна из трудностей анализа позиции Гуссерля состоит в том, что ряд текстов были опубликованы в собрании сочинений на немецком языке в 1980 г., и на русском языке полностью не представлены.ек). При посредстве объекта образа объект изображения достигает уровень художественного изображения. Гуссерль уже в текстах 1905 г. «Фантазии и образное сознание» описывал особенности внутриобразного пространства (ВШгаит). В образном сознании происходит столкновение пространства образа с реальным пространством, одно вытесняет другое из со-зерцания20. Образное сознание Гуссерль изучал и в дальнейшем в “Иееп I” — параграф 111 «модификация нейтральности и фантазия». А. Хаардт вслед за Р. Ингарденом, критикует Гуссерля за то, что в его концепции отсутствует иконографическое толкование образа. Нет ответа на вопрос: откуда появляется символика картины. Хаардт увидел следующую тенденцию в эстетических построениях Гуссерля: «На место эстетики миметического изображения заступила <.> эстетика столкновения»21. Столкновение художественного образа с действительностью. Эта теоретическая позиция опирается на практику развития искусства, примером может служить сюрреализм.

Гуссерль показал, что образному сознанию свойственно не только движение во вну-тиробразном пространстве и локализация физического носителя образа. Но и выходящая за эти рамки попытка включить намеченное в образе воображаемое пространство в пространство восприятия.

Философ выделял градации образного мышления. Гуссерль различал две формы фикциональных образов — объект образа и изображенный сюжет образа. А, например. фотография относится к не-фикциональным образам. Фикциональным может быть изображенный в образе объект, то есть сюжет образа, если сюжет мы не ставим в контекст небытия и бытия, а рассматриваем как образ.

Объект образа разворачивается между сущим и не-сущим, здесь интенсивно происходят столкновения. Изображенный на картине трехмерный объект воспринимается как фик-циональный постольку, поскольку нарушает целостность мира опыта созерцающего. Столкновение с опытом действительности происходит по-разному в разных видах искусства. Какртина двухмерна, это одна из причин не соответсвия действительности, столкновения с действительностью. Хотя скульптура трехмерна, но есть другая причина столкновения с действительностью, происходит столкновение с повседневным опытом.

А. А. Курбановский согласен с Хаардтом, что Гуссерлю принадлежит концепция художественного образа, которую он описывает, через двойственную природу. Гуссерль, анализируя гравюру Дюрера «Рыцарь, Смерть и Дьявол», обратил внимание на двойственность художественного образа как реального и ирреального. Философ выделил три уровня художественного образа: вещь, гравюрный лист — материальный уровень образа; перцептивное сознание, в котором являются проведенные черными линиями и неокрашенные фигурки; отображающий образ-объект, с помощью которого предметы, возникшие в замысле художника, обретают репрезентацию. Как виделось Гуссерлю: «Отображающий образ-объект — он не пребывает перед нами ни как сущий, ни как не-сущий, ни в какой либо иной модальности полагания, или же, лучше сказать, он сознается как сущий, но только как как бы-сущий в модификации нейтральности бытия»22. Исследование искусства Э. Гуссерля отличает тонкий психологизм. Мир искусства он связывает с миром фантазий. Переживание вообще — это «сущее в настоящем» переживание. От его сущности неотделимо рефлексирование. Каждому переживанию сопутствуют серии возможных воспоминаний и соответственно фантазии. Каждый человек выстраивает фантастический мир «реак-туализируя» предметы. Восприятие в целом

пропитано фантазиями. «Мы обращены к этому миру — к »восприятию же фантазии» (т. е. к модификации нейтральности, относящейся к воспоминанию), лишь в том случае, когда мы <…> рефлектируем в фантазии»23. Модификация нейтральности, относящаяся к нормальному восприятию, есть нейтральное сознание объекта-образа, оно обретается нами в нормальном созерцании перцептивно репрезентируемого отраженного мира. Особенность мира фантазий состоит в том, что фантазии повторимы. Гуссерль рисует сложные уровни фантазий: любая фантазия высшей ступени может быть переведена в прямое фантазирование того, что опосредовано сфантазировано в первой, между тем такая же свободная возможность перехода от фантазии к соответствующей перцепции вовсе не имеет места. Об образно изображенном известно, что оно есть вещь в воображаемом пространстве образа. О вспоминаемом известно, что оно прошло. Существует сложное поле воспоминаний. В фантазии также происходят столкновения, как отмечал А. Хаардт, фантазия сталкивается с целостной действительностью. В образном сознании одна и та же вещь воспринимается то, как носитель образа в актуальном пространстве восприятия, то входит в воображаемое поле. Где-то вещь наталкивается на реальность восприятия. Образ сталкивается с полем опыта. Образ приобретает моменты спорности, даже недействительности.

В театре мы имеем дело с образным сознанием: «Актеры создают образ, образ трагического события, каждый из них — образ некоторого действующего лица и т. д. Но »образ кого-то» не означает здесь отображение кого-то <…> ни актер, ни образ, который он для нас создает <…> не являются для нас объектом образа, в котором отражается другой объект, действительный или даже фиктивный сюжет образа»24.

Построения философа адекватно воспринимается художниками и рождается феноменологический взгляд на искусство в художественном творчестве25. Философские интеллектуальные построения и произведения искусства имеют общие сущностные характеристики. Искусство К. Малевича имеет точки соприкосновения с философскими идеями Э. Гуссерля, это отмечали Б. Гройс, А. А. Кур-бановский.

Примечания

1 Басин, Е. Я. Философская эстетика и психология искусства. М., 2007. С. 193.

2 Там же. С. 198.

3 Райков, В. Л. Эволюционный рационализм : искусство, сознание, психотерапия. М., 2003.С. 164-192.

4 Там же. С. 184

5 Боттон, А. де. Искусство путешествий. М., 2006. С. 209.

6 Лиотар, Ж.-П. Феноменология // Метафизические исследования. Вып. XIII : Искусство. СПб., 2000. С. 349.

7 Михайлов, А. В. Проблемы философии. Бытие и становление // Адорно, Т. Избранное : Социология музыки. М., 2008. С. 330.

8 Разеев, Д. Н. В сетях феноменологии. Гуссерль. Основные проблемы феноменологии. СПб., 2004. С. 84.

9 Там же. С. 86.

10 Там же. С. 298-300.

11 Там же. С. 299.

12 Гуссерль, Э. Кризис европейских наук и трансцендентальная феноменология. Введение в феноменологическую философию. СПб., 2004. С. 193.

13 Гуссерль, Э. Идеи к чистой феноменологии и феноменологической философии. Т. 1. Общее введение в чистую феноменологию. М., 1999.С. 130.

14 Там же. С. 289.

15 Там же. С. 300-301.

16 Там же. С. 97.

17 Там же. С. 291.

18 Там же. С. 293.

19 Хаардт, А. Образное сознание и эстетический опыт у Гуссерля // Логос. 1996. № 8. С. 69.

20 Там же. С. 71.

21 Там же. С. 76.

22 Гуссерль, Э. Идеи к чистой феноменологии… С. 240.

23 Там же. С. 239.

24 Цит. по: Хаардт, А. Образное сознание и эстетический опыт. С. 74.

25 Курбановский, А. А. Малевич и Гуссерль: пунктир супрематической феноменологии // Историко-философский ежегодник. М., 2006.

С. 333-334.

Фильм Д.Шумахера «Призрак оперы». | МемоКлуб.ру

Он стал призраком, тенью. Он ушел в подземелье, оставаясь рядом с театром. Он знает обо всем, что там происходит, иногда врывается в земные сферы, вмешивается в ход событий. Он выбрал девушку, Кристину. Он ввел ее в мир искусства, поставил голос, обеспечил признание — сделал для нее все. Он добился того, чтобы его избранница стала примой этого оперного театра. Он был влюблен в свое создание и страстно желал ответной любви. Желал и стремился к тому, чтобы эта девушка соединила свою жизнь с искусством, оперой – с тем, что был он сам. Это стало смыслом, целью его призрачного существования. Она отвечает ему признательностью, и уже готова была посвятить всю себя, всю свою жизнь искусству. Она спускается со своим духовным покровителем в его обитель, в подземелье…

Но он был призрак, фантом, а она — обычная, живая девушка. Жизнь звала ее с собой, в привычные понятные сферы, где богатство, признание, успех имеют смысл, где красивое, прекрасное, ужасное, духовное, осязаемое определенны, не перемешаны, где искусство непорочно и возвышено (его адептами – до поклонения).

Жизнь предстает перед ней в образе молодого человека — богатого, умного, смелого, решительного, любящего. Она разрывается между жизнью и искусством, она не хотела бы их непримиримого противостояния, но и та и другая сторона требуют сделать выбор, выбор бескомпромиссный — или — или. Или посвятить всю себя, без остатка искусству, к чему готова душа ее, либо прожить нормальную человеческую жизнь рядом с искусством, принимая и понимая его, соприкасаясь с искусством, (если говорить жестко – потребляя его, удовлетворяя свои духовные потребности), — но не внутри него. Остаться обычным человеком или (по человеческим меркам) стать тоже призраком.

Сражения в душе ее принимают острые формы. Жизнь берет верх, еще один удар, и жизнь восторжествует. Но она отводит занесенный меч, она не хочет гибели демона искусства. В другой раз она не могла предотвратить коварное нападение, несущее неминуемый конец демону жизни. И снова жизнь оказалась сильнее смерти…

Чем глубже они погружаются в «зазеркалье», тем все более теряет образ Призрака черты человеческие, тем все менее приемлемым становится этот образ…

Кристина выбрала жизнь. Она прожила свою жизнь и скончалась, когда пришло время. Искусство вне времени, жизнь мимолетна.

Искусство
Искусство есть форма интерпретации окружающей действительности. Но, вообще говоря, это форма выражения всего – мыслей, фантазий, ощущений, эмоций, ситуаций. Это разговор на другом языке – на языке движений, звуков, красок, ассоциаций и т.д. Это заведомо ирреальная, иррациональная форма, которая может иметь рациональное содержание, но может и не иметь, оно свободно от обязательств быть логически безупречным, разумным. В этом оно если не противоположно (враждебно) интеллекту, то по крайней мере от него не зависимо. Искусство обращается к эмоциям, даже когда оно порождается разумом. Более того, рациональное аналитическое (неэмоциональное) восприятие действие искусства принижает.

Искусство – явление более древнее, чем человеческий разум, и вообще человек. Танцы лебединого озера, соловьиное пение, полет шмеля, панорама солнечной долины, картина звездного неба, наконец, – все это имеет отношение к искусству (Творца?).

Человек творческий должен спускаться в самые глубины бытия — туда, где царствует мрак, беспорядок и холод. Чтобы что-то сказать и быть услышанным надо познать и прочувствовать эти основы. Возвышение начинается не с того, что нас окружает. Не с середины, но от самого начала — и далее, насколько позволит объект и насколько достанет таланта показать увиденное. И насколько позволит зрение, опыт, эрудиция увидеть показанное. Это совсем не обязательно будет взгляд, устремленный вверх. Здесь вообще неправомерны человеческие определения «верх» или «низ», это другое измерение, здесь другие меры. Искусство вне морали, оно безразлично к человеку, к его гуманистическим иллюзиям, оно «по ту сторону добра и зла». Оно ближе к религии и метафизике, чем к реальности и философии.

Искусство вне человека, но человек тянется к искусству, пытаясь преодолеть ограниченность ареала своего земного существования, пытаясь выйти в иные миры, безграничные, но узнаваемые и  уже потому не чужие. И значит, эти устремления (положительно эмоциональные)  не лишены смысла.

Красота
Жизнь в искусстве — жизнь внеземная. Земные представления, земные пристрастия отступают. Не имеет значения, что есть вокруг – прекрасные интерьеры театра или темные своды подземелья.Вообще, у прекрасного свои, очень непростые отношения со своей противоположностью.
Красота – это понятие земное, слишком человеческое, чтобы быть обязательным атрибутом искусства. «Все красивое эротично, все эротичное красиво». Что здесь от Бога, а что от Дьявола, разделить невозможно. Впрочем, этим же часто грешит и искусство.

Гармония – понятие более общее, объективное, и значит – божественное. Красота и гармониясвязаны между собою, но это разное. Гармоничное красиво всегда, но красивое не всегда гармонично. Не частица ли черта в красивом нарушает его гармонию?

Красота подвижна, изменчива. Ей чужды каноны, традиции, нормы. Это  норма, непременно несущая в себе отклонение. Это гармония нормы и отклонения. Или, другими словами, красивого и уродливого, прекрасного и безобразного, чертовского и божественного. Две цитаты по теме: «…дьявольски красив»,  »Красота … наполнила мою душу очарованием и ужасом».  Это не оговорки, не стилистические выпады, но (не всегда осознанное) признание сущности.

Красота не «спасет мир», но каждый отдельный человек на это рассчитывать может.

05.03.05.

В начало

Автор: Ханов Олег Алексеевич | слов 767

Сфера духовной культуры и ее особенности

1. Сфера духовной культуры и ее особенности

СФЕРА ДУХОВНОЙ
КУЛЬТУРЫ И ЕЕ
ОСОБЕННОСТИ
•Духовная культура – совокупность
духовных ценностей и творческой
деятельности по их производству,
освоению и применению: наука,
образование, религия, мораль и др.

4. 1. Как называют область (форму) духовной культуры, в которой находят отражение нравственные нормы и оценки поведения человека,

группы или общества в целом?
•1) мировоззрение
•2) искусство
•3) наука
•4) мораль

5. 2. Он вышел к инструменту, и в зал полилась чарующая музыка. Слушатели пережили шквал разнообразных эмоций. Это пример

деятельности в сфере
•1) науки
•2) искусства
•3) религии
•4) образования

6. 3. Мастер добивался идеального сочетания оттенков красного, золотистого, коричневого и других цветов, стараясь передать красоту

осеннего леса. Это пример деятельности в
сфере
•1) науки
•2) искусства
•3) религии
•4) познания

7. 4. К объектам материальной культуры относится (-ятся)

4. К объектам
относится (-ятся)
материальной
•1) паровая машина
•2) правила поведения в кино
•3) ритуал смены воинского караула
•4) миф о подвигах Геракла
культуры

8. 5. К духовной сфере общества относятся отношения между

•1) режиссером кинофильма и актерами
•2) зрителем кинотеатра и кассиром в кассе
кинотеатра
•3) зрителем кинотеатра и охранником
кинозала
•4) директором кинозала и ремонтной
бригадой, проводившей в нем ремонт

9. 6. Среди населения государства А. популярны те произведения культуры, которые понятны и доступны всем возрастам, всем слоям

населения вне зависимости от уровня
образования. Хотя эти произведения не отличаются большой
художественной ценностью, у них самая широкая аудитория.
Назовите эту форму культуры.
• 1) элитарная
• 2) народная
• 3) доминирующая
• 4) массовая

10. 7. Живописные полотна Пабло Пикассо трудны для восприятия неподготовленным человеком. Круг его почитателей — критики,

искусствоведы —
высокообразованные люди. К какой форме культуры
можно отнести произведения Пабло Пикассо?
•1) элитарной
•2) народной
•3) поп-культуре
•4) массовой культуре

11. 8. Верны ли следующие суждения о духовной культуре?   А. Произведения духовной культуры являются результатом творчества

8. Верны ли следующие суждения о духовной культуре?
А. Произведения духовной культуры являются результатом
творчества отдельных людей, общества в целом.
Б. Произведения духовной культуры сохраняются и
передаются
следующим
поколениям.
• 1) верно только А
• 2) верно только Б
• 3) верны оба суждения
• 4) оба суждения неверны

12. 9. Верны ли следующие суждения об искусстве?   А. Искусство использует художественные образы. Б. Существует много видов и

9. Верны ли следующие суждения об искусстве?
А. Искусство использует художественные образы.
Б. Существует много видов и жанров искусства.
•1) верно только А
•2) верно только Б
•3) верны оба суждения
•4) оба суждения неверны

13. 10. Верны ли следующие суждения об искусстве?   А. Искусство воспитывает эстетический вкус человека. Б. Искусство обращается к

10. Верны ли следующие суждения об искусстве?
А.
Искусство
воспитывает эстетический вкус
человека.
Б. Искусство обращается к эмоциям человека.
•1) верно только А
•2) верно только Б
•3) верны оба суждения
•4) оба суждения неверны

14. 11. Верны ли следующие суждения об искусстве?   А. Произведения искусства воспринимаются каждым человеком по-своему. Б. В

11. Верны ли следующие суждения об искусстве?
А. Произведения искусства воспринимаются каждым
человеком
по-своему.
Б. В произведениях искусства используются
художественные
образы.
• 1) верно только А
• 2) верно только Б
• 3) верны оба суждения
• 4) оба суждения неверны

15. 12. Верны ли следующие суждения о культуре?   А. Культурным мы называем начитанного и воспитанного человека. Б. У первобытных

12. Верны ли следующие суждения о культуре?
А. Культурным мы называем начитанного и
воспитанного
человека.
Б. У первобытных народов не было культурных
людей.
• 1) верно только А
• 2) верно только Б
• 3) верны оба суждения
• 4) оба суждения неверны

16. 13. Верны ли следующие суждения о формах культуры?   А. Салонная музыка — это разновидность элитарной культуры. Б. Народная

13. Верны ли следующие суждения о формах
культуры?
А. Салонная музыка — это разновидность элитарной
культуры.
Б. Народная культура создается анонимными
творцами,
не
имеющими
профессиональной
подготовки.
• 1) верно только А
• 2) верно только Б
• 3) верны оба суждения
• 4) оба суждения неверны

17. 14. Верны ли следующие суждения о культурном наследии?   А. Далеко не всё, что создано руками человека, может быть названо

14. Верны ли следующие суждения о культурном
наследии?
А. Далеко не всё, что создано руками человека,
может быть названо культурным наследием.
Б. Культурным наследием можно считать романы Л.
H.
Толстого.
•1) верно только А
•2) верно только Б
•3) верны оба суждения
•4) оба суждения неверны

18. Ответы


1. 4
2. 2
3. 2
4. 1
5. 1
6. 4
7. 1
8. 3
9. 3
10. 3
11. 3
12. 1
13. 3
14. 3

Как создавать заразительный контент (который обращается как к разуму, так и к эмоциям)

Опубликовано: 2020-12-03

Проснуться.

Перестаньте сканировать, сутулиться, переключаться между вкладками и устройствами. Мы понимаем … вам скучно, когда вы стоите в очереди, вы делаете вид, что работаете в знак протеста против своего неразумного начальника.

Иногда жизнь может высосать из вас самую изюминку. Часто люди могут превращаться в настоящих зомби — безжизненных, безвольных, замкнутых, жалующихся на погоду, ненавидящих ездить на работу, зомби-что-то вроде этой-жизни.

Контент-маркетологи, у которых есть работа:

Вам нужно заставить своих читателей снова почувствовать, вам нужно снова заставить их заботиться. Потому что ваши слова не просто соревнуются с вашими конкурентами — они борются против каждого элемента занятой, изнуряющей жизни, требующей вдохновения.

Ваша новая миссия: заставить читателей поверить — дважды. Один раз для веса ваших слов и один раз для дрожи ваших заявлений.

Ниже я объясню, как использовать искусство убеждения и найти этот, казалось бы, недостижимый, но абсолютно необходимый баланс между логикой, эмоциями и убедительностью. Обещаю — эти знания могут спасти ваш контент-маркетинг.

1. Подсознательные правила — как проникнуться эмоциями:

Люди думают, что они разумные существа, руководимые рациональными мыслями и находящиеся под влиянием глубоко логических аргументов. Ну люди ошибаются. Эмоции формируют наш процесс принятия решений гораздо больше, чем хотелось бы верить среднему «логическому» человеку.

Прежде чем начать писать, подумайте, какие эмоции вы бы хотели, чтобы ваши читатели испытывали при чтении вашего контента. Например, вы хотите, чтобы они чувствовали вдохновение или мотивацию? Выбранная вами эмоция должна действовать как движущая сила вашего контента. Например, если вы хотите, чтобы ваши читатели почувствовали вдохновение, убедитесь, что каждый абзац содержит энергию — ваши слова должны наполняться энергией, волнением и срочностью.

На заметку: поймите своих клиентов, прежде чем заставлять их чувствовать.

Вам незачем заставлять своих читателей что-либо чувствовать, пока вы их не поймете. И я имею в виду, действительно, действительно понимаю, что их мотивирует, что их злит, что заставляет волноваться. Какие проблемы они хотят решить? Что сделает их поездки на работу немного лучше? Прежде чем вы попробуете выполнить любой из следующих шагов, вам необходимо убедиться, что вы создали полноценные образы. Затем вы можете проконсультироваться со своими персонажами, чтобы лучше понять свою целевую аудиторию, прежде чем писать.

Советы по использованию эмоций:

  • Создавайте истории — истории помогают людям визуализировать вашу историю и сопереживать ей.
  • Создавайте звезды — позвольте вашим читателям представить себя звездами вашего рассказа — удовлетворить их потребности, создать знакомую картину и решить свои проблемы.
  • Решайте проблемы — решайте реальные проблемы, основываясь на проблемах вашей целевой персоны.
  • Предлагайте решения — цель вашего контента — помочь вашим читателям решить их проблемы — заставить их выглядеть умнее, заботливее или профессиональнее, когда они делятся вашим контентом с друзьями.
  • Поделитесь — поделитесь своей личной историей или опытом, чтобы вдохновить ваших читателей и дать им понять, что вы понимаете их тяжелое положение или затруднительное положение.
  • Получите доступ к эмоциям — задействуйте свои собственные эмоции во время письма — если вы, как писатель, испытываете волнение, это отразится на вашем письме, и вам будет легче вызвать волнение у ваших читателей.
  • Зеркальный язык — примите тон своей целевой персоны во время письма — выберите слова, которые выберут ваши целевые персонажи.

Прочтите эти статьи по психологии цифрового маркетинга, которые помогут вам проникнуть в подсознание:

  • Как маркетологи могут использовать психологию социальных сетей
  • 3 психологических предубеждения, которые могут сделать или сломать ваш интернет-маркетинг
  • 6 эмоционально интеллектуальных компонентов цифрового маркетинга

2. Разум имеет значение — как овладеть логикой:

Проще говоря, читатели должны верить, что вы знаете, о чем говорите. Ваши читатели от природы настроены скептически, и чем больше статей публикуется в Интернете, тем больше людей начинают сомневаться в их достоверности и качестве. Вам необходимо доказать, что вы знаете, о чем говорите, подкрепив свой контент логическими утверждениями, исследованиями, доказательствами и достоверными источниками.

Как стать до смешного логичным:

  • Статистика и источники опроса — подкрепите свои утверждения и аргументы цифрами опроса.
  • Цитаты экспертов — добавьте веса своим аргументам с помощью цитаты или утверждения из надежного интернет-источника.
  • Цитаты влиятельных лиц — источник и включите цитаты влиятельных лиц отрасли, чтобы придать вашей статье дополнительную достоверность и глубину.
  • Будьте ясны — избегайте жаргона, гиперболической двусмысленности и говорите простым и точным языком.

Стать реальным — завоевать доверие:

Согласно Аристотелю, «характер можно назвать самым эффективным средством убеждения». Создателям контента никогда не было так важно завоевать доверие — люди хотят читать контент от людей, которым они доверяют и которым могут верить. Если вы, например, влиятельный человек или эксперт в своей области, ваши сообщения в блоге будут иметь больший вес в вашей отрасли.

Как добиться доверия:

  • Мнения влиятельных лиц — связывайтесь с влиятельными лицами отрасли и включайте их мнения в свои статьи.
  • Акции влиятельных лиц — после того, как вы установили отношения с влиятельными лицами в отрасли, вы можете попросить их поделиться вашим контентом, чтобы повысить доверие — это похоже на получение одобрения от тех, кто имеет значение.
  • Персональный бренд — создайте свой собственный личный бренд, гостевой блог на авторитетных сайтах в своей отрасли и увеличьте количество подписчиков в социальных сетях.
  • Установление авторитета — выберите один предмет, в котором вы хотите стать экспертом, и сделайте его центром вашего контент-маркетинга.
  • Честность — оставайтесь последовательными и правдивыми во всем.
  • Симпатия — будьте щедры и добавляйте ценность своему контенту.

КНИЖНАЯ ГАЛЕРЕЯ: искусство эмоций

В этом выпуске программы «Книжная галерея» познакомимся с книгой Константино д’Орацио «История искусства в шести эмоциях» и посмотрим подборку произведений искусства на эту тему из коллекции галереи.

Желание, страдание, изумление, сомнение, веселье, безумие… Мы миллион раз слышали эти простые слова, однако, знаем ли мы их значение для мирового искусства? История искусства может быть рассказана с разных точек зрения: с помощью техник, движений, языков или стилей. Историк искусства Костантино д’Орацио выбирает иной, неизведанный путь. Автор приглашает нас совершить путешествие во времени от древности до наших дней, чтобы узнать, как художники представляли эмоции, которые скрываются в наших самых невыразимых и захватывающих снах. Вслед за книгой рассмотрим произведения искусства из коллекции галереи и попробуем разобраться в искусстве эмоций.

ВИДЕООБЗОР книги Константино д’Орацио «История искусства в шести эмоциях» 

ИСКУССТВО И ЭМОЦИИ

Мы, хоть и живем в относительно мирное время, часто сталкиваемся с опустошенностью чувств. Для этого состояния придуман термин – «эмоциональное выгорание». И тем не менее, как творцы разных видов искусства не устают искать новые и новые формы для выражения самых тонких материй, так и зрители продолжают стремиться к этому источнику. Кто с исследовательскими целями, кто –  для обретения катарсиса.

Эмоции исследуются с разных сторон, препарируются и обрабатываются разными науками. Множество понятий стали привычными для слуха современного человека:  сценарии эмоционального поведения, эмоциональная ткань художественного предмета, эмоциональные переживания и т.д.

Вся история искусства – это история чувств, история их отражения в произведении, история форм отражения этих чувств. Искусство обращено к сфере эмоций: оно их фиксирует, генерирует, провоцирует. Все искусство – про эмоции. И в дидактике, и в абстракции, и в плакате, и в пейзаже, и во всех остальных жанрах. Но обращается оно к разным слоям эмоциональной сферы. С течением времени, когда происходит переоценка каких-то ценностей, художественное произведение воспринимается по-иному,  как раз с неочевидной эмоциональной стороны. То есть эмоция, переживаемая смотрящим, продлевает воображаемый мир картины за рамки ее первоначального сюжета и смыслового высказывания.

Искусство совершенно беззащитно перед зрительским судом, особенно когда речь заходит об изображении эмоций.

Произведения, в теме и названии которых есть прямой отсыл к той или  иной эмоции, уже все сказали. И зритель, влекомый авторским названием, может приступить к исследовательской «сверке» собственных эмоциональных проявлений.  А может оказаться, что «эмоциональное»название картины обернется выхолощенностью чувств.

Более сложное и глубокое переживание, скорее всего,  вызовет произведение, которое обращается к чувствам опосредованно. Самый близкий тому пример – искусство пейзажа, и особенно – психологический пейзаж, пейзаж настроения.

Наверное, самым захватывающим  – по неоднозначности результата – может стать изучение эмоциональной ткани портретов (если говорить о жанре) и абстрактных композиций (если о направлении в искусстве). Искусство портрета стремится уловить и передать сущность личности модели, и эмоциональная составляющая здесь  далеко не всегда и не во всякую эпоху  на первом месте. Выражение лица, как правило, нейтрально-задумчивое, привычное для модели – художника больше интересует неопределенность эмоций, переходные состояния, неочевидность. В портрете эмоцию можно спутать с характером модели.

Беспредметное, или нефигуративное, искусство –  искусство без линии горизонта – обращено к самым тонким пластам человеческой психики, к переживаниям, трудно поддающимся словесным описаниям. Лирическая и экспрессивная абстракция стремятся запечатлеть эмоцию как таковую, вне связи с сюжетом и внешним миром. Это переживание, переведенное на язык цвета и линий.

Эмоции выполняют функции, не связанные напрямую с каким-либо содержанием, они могут быть привязаны к внешней причине, находящейся вне человека.

Изображение переживания может составлять смысловой центр картины, оставляя при этом менее артикулированными приметы обыденности.  Или, напротив, изображение фрагментов окружающего мира является ведущим, но при этом «включает» эмоциональную и ассоциативную память. Еще одной своеобразной категорией произведений являются те, в которых изображение фрагментов окружающего мира и переживания не разделены.

Разные признаки художественного предмета обладают неодинаковыми возможностями для изображения одних и тех же эмоций. Мажорный лад, светлый, теплый колорит приспособлены для отображения радости, а темные краски и оттенки – для печали. Хотя, конечно, канонов здесь нет. Эмоции – наиболее изменчивая сфера человеческого существования, и одни и те же объекты способны вызывать не просто разные, а часто и противоположные эмоции, в зависимости от множества причин.

Слова «чувство» и «эмоция»  часто употребляют в ряд, через запятую, не боясь тавтологии – ведь в практике общения они разделены, и далеко не всегда между  ними можно поставить знак равенства. Пять основных чувств –зрение, слух, обоняние, осязание, вкус – еще не означают  переживания, которое не описать словом. Так называемое  шестое чувство  относится к сфере неуловимой: предугадывание, предвидение. И оно – одно из самых желанных там, где начинается творчество и рождается искусство.

Природа и виды эмоций. Понятие эмоциональной зрелости — Учебник по Основам здоровья. 9 клас. Таглина

Учебник по Основам здоровья. 9 клас. Таглина — Новая программа

Обдумайте и обсудите ситуацию. Мама попросила девятиклассницу Оксану купить хлеб как раз тогда, когда она была увлечена другим делом. Оксана обиделась на маму. Она сходила в магазин, но потом до конца дня была в плохом настроении, ничего не делала, поздно легла спать и долго не могла уснуть. В чем ее проблема? Что бы вы посоветовали Оксане?

Природа и виды эмоций

Возможно, вам когда-нибудь делали замечание, что вы слишком эмоциональны, т. к. видели, как на стадионе вы радостно кричали «Го-о-о-о-о-л!» или были на уроках молчаливыми и отчужденными. Но что означает слово «эмоциональный»? И когда эмоции бывают лишними?

Слово «эмоция» происходит от латинского emoveo — «волновать, возбуждать». Да, эмоция возникает именно тогда, когда нас что-то взволновало. Эмоция — это особое состояние, которое проявляется в переживании тех или иных событий, но в том случае, если эти события важны и значимы для нас. Эмоции могут быть вызваны не только реальными событиями, но и воображаемыми.

Механизм возникновения эмоций тесно связан с потребностями и мотивами. Все, что способствует удовлетворению потребностей и достижению целей, создает положительные эмоции: удовольствие, радость, интерес. Ситуации, препятствующие реализации потребностей и целей, служат причиной отрицательных эмоций: неудовольствия, грусти, тревоги.

Эмоциональные переживания сопровождают нас в повседневной жизни в процессе общения с другими людьми. Существует даже особая сфера человеческой деятельности, непосредственно направленная к эмоциям и чувствам, — это искусство.

Докажите, что театральное искусство обращается непосредственно к нашим эмоциям и чувствам.

Роль эмоций в жизни человека сложно переоценить, поскольку они выполняют важные функции. Регулирующая функция заключается в том, что эмоцииучаствуют в мотивации поведения человека, могут направлять и корректировать его. Впрочем, случаются ситуации, когда эмоции преобладают над разумом. Эмоции свидетельствуют о психическом и физическом состоянии человека. Благодаря эмоциям мы лучше понимаем друг друга — это коммуникативная функция эмоций. Защитная функция заключается в том, что эмоция является быстрой реакцией, которая может защитить человека в опасной ситуации.

Выделяют такие виды эмоций: положительные, нейтральные, отрицательные и амбивалентные. Эмоциональная амбивалентность (двойственность) проявляются водновременных положительных и отрицательных эмоциях человека.

Эмоции — это личностное состояние человека, они связаны с физиологическими особенностями, определенным жизненным опытом, культурным уровнем и другими характеристиками каждого человека. Поэтому люди иногда могут не понимать и не разделять наших эмоций.

Эмоции субъективны. Одна и та же ситуация может вызвать у разных людей различные, иногда даже противоположные эмоции.

Почему у одних людей осень с ее яркими красками, возможностью прогуляться по осеннему парку вызывает удовольствие и вдохновение, а другие воспринимают осень как пору угасания природы и испытывают грусть и одиночество?

В зависимости от ситуации и индивидуальных особенностей эмоции могут по-разному влиять на поведение человека. Например, горе у слабого человека может стать причиной апатии и бездействия, а сильный человек будет искать утешения в работе и творчестве.

Следует учитывать, что отрицательные эмоции, например гнев, тревога, ненависть, зависть, негативно сказываются на здоровье, могут привести к депрессиям и неврозам. Поэтому не позволяйте таким эмоциям овладеть вами, старайтесь как можно скорее перейти в позитивное эмоциональное состояние.

Составьте перечень эмоций, которые символизирует каждый смайлик. Сравните его с теми, которые составили ваши одноклассники и одноклассницы. Сделайте вывод.

Найдите необходимую информацию и ответьте на вопрос. Аристотель считал, что эмоции — это особая форма познания мира. Согласны ли вы с ним? Поясните свою мысль.

Понятие эмоциональной зрелости

Эмоциональная зрелость — это умение управлять своими эмоциями и проявлять их в той форме, которая допустима в обществе. Это очень важно для сохранения здоровья и достижения профессионального успеха. Приобретая жизненный опыт, мы постепенно становимся более сдержанными, эмоционально уравновешенными, учимся владеть собой.

Эмоционально зрелый человек спокойно воспринимает критику, беспристрастно оценивает свои положительные и отрицательные качества. Он не обвиняет в собственных неудачах всех вокруг, кроме себя. Эмоциональная зрелость позволяет приспособиться к изменениям, не впадать в отчаяние, если ваши планы рушатся, спокойно идти навстречу новому. Это особенно важно, если человеку приходится менять место жительства, работу, профессию.

Возможно, вам знакома ситуация, когда все в классе смеялись, а потом не могли вспомнить, почему именно. Просто всем было очень весело. Какое свойство человеческих эмоций отражает этот случай? Почему подростки смеются без видимой причины чаще, чем взрослые?

Эмоционально зрелый человек открыт для общения, способен принимать и любить людей такими, какие они есть, со всеми их достоинствами и недостатками. Он осознает свои эмоции, различает их (что именно я чувствую и почему), может регулировать собственное эмоциональное состояние. Эмоциональная зрелость также позволяет разделять свои и чужие эмоции, осознавать влияние чувств на себя и других людей, правильно реагировать на чужие эмоции и проявлять свои.

Найдите необходимую информацию и выполните задание. Как вы воспринимаете критику? Задевает ли ваше самолюбие, когда говорят о том, что вы что-то делаете неправильно? Какие эмоции у вас возникают в этом случае? Как вы их проявляете? Проанализируйте свои ответы и сделайте вывод.

Больше об эмоциях вы можете прочитать в дополнительном материале к параграфу на сайте.

Опорные точки. Эмоции — это особое состояние, которое проявляется в переживании тех или иных значимых событий. Эмоции выполняют важные функции: регулирующую, коммуникативную, защитную. Психологи выделяют разные виды эмоций: положительные, нейтральные, отрицательные и амбивалентные. С возрастом человек становится эмоционально зрелым, что имеет большое значение для сохранения здоровья и достижения профессионального успеха.

Вопросы для повторения и обсуждения

I уровень

1. Какие существуют виды эмоций?

2. Что такое эмоциональная зрелость?

II уровень

3. Какие функции выполняют эмоции в нашей жизни?

4. Чем отличаются эмоции от чувств?

III уровень

5. В чем проявляется эмоциональная амбивалентность?

6. Почему эмоции могут влиять на поведение людей по-разному?

7. Дайте характеристику эмоционально зрелого человека.

IV уровень

8. Докажите, что эмоции являются одним из регуляторов психической жизни человека.

9. Почему эмоциональные переживания связаны со всеми сферами жизни человека?

10. Докажите, что музыка непосредственно направлена на наши эмоции.



Как искусство влияет на эмоции и принятие решений

Произведения искусства и впечатляющий дизайн часто очаровывают людей. Их невероятные визуальные эффекты переносят людей в другой мир. Иногда это также влияет на то, как люди думают, что обычно в конечном итоге влияет на то, как человек принимает решения. Вы можете этого не осознавать, но вы, вероятно, сделали суждение, основываясь на том, как все выглядит или нравится вам. Помните, что люди — визуальные существа. 90% информации, передаваемой и обрабатываемой нашим мозгом, является визуальной.Это означает, что люди ценят не только эстетику. Его внешний вид часто запечатлевается в нашей голове, поэтому нам часто напоминают о том, что мы видим.

Искусство и эмоциональная связь

Искусство и дизайн также продолжают влиять на нашу жизнь из-за их эмоциональной связи. Если визуальные эффекты объекта нам не нравятся, это часто означает, что они не связаны с нашими эмоциями. Например, если вы хотите коллекционировать косметические товары, вы не будете выбирать товар случайным образом. В большинстве случаев такие вещи, как персонализированные косметические этикетки, будут иметь более значительное влияние на вас.Это потому, что людям обычно нравится видеть что-то новое или что-то необычное. Обычные дизайны часто теряют свою привлекательность, особенно если они похожи на другие. Мы склонны выбирать объект, который выделяется, особенно если кажется, что он специально разработан с учетом наших предпочтений. Вот несколько дополнительных объяснений того, как искусство влияет на эмоции людей:

  • Искусство призвано вызывать эмоции. Произведения искусства и другие шедевры дизайна естественным образом создаются так, чтобы вызывать эмоции людей.Эти креативные предметы должны вызывать реакцию у всех, кто видит дизайн или произведение искусства. Это может быть чувство сильного счастья, невероятного покоя или удовлетворенности. Кроме того, это может вызвать другие эмоции, такие как отчаяние, гнев или разочарование. Это зависит от намерения художника или дизайнера.
  • Визуальная эстетика предназначена для запоминания — помимо того, что она вызывает эмоции и реакцию людей, визуальная привлекательность также становится незабываемым опытом. Посмотрев на картину, фотографию или даже рекламный пост, люди запомнят это.Это останется в их воспоминаниях, особенно если произведение искусства затронет самую суть людей, которые его видели.

  • Искусство предназначено для совместного использования — люди, которые видели впечатляющий дизайн или привлекательное произведение искусства, часто делятся им со своими друзьями и семьей. Они хотят, чтобы их близкие знали, что заставило их почувствовать или понять произведение. Это один из самых простых способов поделиться опытом и справиться с эмоциями.
  • произведений искусства создаются для записи истории — произведения искусства также предназначены для того, чтобы рассказывать об истории и культуре.Это становится способом записывать события или замечательные события в обществе. Будь то картины, скульптуры, фотографии или видео, эти произведения служат напоминанием о прошлом. Таким образом, мы можем легко вспомнить исторические события, которые мы иногда забываем.

Нет никаких сомнений в том, насколько искусство сильно влияет на наши эмоции. Это также легко заставляет нас чувствовать вещи, просто глядя на эти произведения искусства. Если вы художник, вы, вероятно, сталкивались со многими случаями, когда люди комментировали вашу работу.Вам согреет сердце, когда люди скажут вам, что ваши шедевры изменили их жизнь к лучшему. Если вы потребитель или человек, который любит искусство, вы также выиграете от доступа к различным видам искусства. Убедитесь, что вы делитесь этим с другими людьми, чтобы они также испытали такое же замечательное влияние, какое искусство и дизайн оказали на вас.

Чтение: Ценностное суждение | Оценка искусства

Как мы оцениваем искусство

Слово искусство часто используется для вынесения оценочных суждений, например, в таких выражениях, как «эта еда была произведением искусства» (подразумевая, что повар — художник) или «искусство обмана» (продвинутый, достойный похвалы навык обмана ).Именно такое использование слова в качестве меры высокой ценности придает этому термину оттенок субъективности.

Должен ли он быть визуально приятным или нет?

Ценностные суждения требуют основания для критики. На простейшем уровне решение о том, считать ли объект или переживание искусством, заключается в том, чтобы найти его привлекательным или отталкивающим. Хотя восприятие всегда окрашено опытом и обязательно субъективно, обычно понимают, что то, что не нравится визуально, не может быть искусством.Однако «хорошее» искусство не всегда или даже регулярно визуально нравится большинству зрителей. Другими словами, главной мотивацией художника не обязательно должно быть стремление к приятному расположению форм. Кроме того, искусство часто изображает ужасные образы, созданные по социальным, моральным или заставляющим задуматься причинам.

Франсиско де Гойя, Эль-Трес-де-Майо. Изображение находится в открытом доступе.

Например, картина Франсиско Гойи, изображенная выше, изображает испанские расстрелы третьего мая 1808 года.Это графическое изображение расстрельной команды, казнившей нескольких умоляющих гражданских лиц. Но в то же время ужасающие образы демонстрируют острые художественные способности Гойи в композиции и исполнении, и вызывают соответствующее социальное и политическое возмущение. Таким образом, споры о том, какой вид эстетического удовлетворения требуется для определения «искусства», продолжаются. Пересмотр того, что обычно считается визуально приятным, позволяет возродить и по-новому взглянуть на стандарты самого искусства.

Искусство часто предназначено для обращения к человеческим эмоциям и связи с ними. Он может вызывать эстетические или моральные чувства и может пониматься как способ передачи этих чувств. Искусство можно рассматривать как исследование человеческого состояния или того, что значит быть человеком.

Факторы, участвующие в судебном решении по ст.

Вид радуги часто вызывает эмоциональную реакцию, например восторг или радость. Внутренние реакции, такие как отвращение, показывают, что сенсорное обнаружение рефлексивно связано с выражением лица и поведением, например, рвотным рефлексом.Тем не менее, отвращение также часто может быть реакцией на знания или культурные особенности; как заметил Дарвин, видеть пятно супа на мужской бороде отвратительно, хотя ни суп, ни борода сами по себе не отвратительны.

Художественные суждения могут быть связаны с эмоциями или, как эмоции, частично воплощаться в наших физических реакциях. Возвышенный вид на пейзаж может вызвать у нас реакцию трепета, которая физически может проявляться в виде учащенного сердцебиения или расширенных глаз. Эти бессознательные реакции могут частично контролировать или, по крайней мере, укреплять наше мнение о том, что ландшафт возвышен.

Точно так же художественные суждения могут быть в некоторой степени обусловлены культурой. Викторианцы в Великобритании часто считали африканские скульптуры уродливыми, но всего несколько десятилетий спустя те же зрители сочли эти скульптуры красивыми. Оценки красоты вполне могут быть связаны с желанностью, возможно, даже с сексуальной желательностью. Таким образом, суждения об искусстве могут быть связаны с суждениями, имеющими экономическую, политическую или моральную ценность. В современном контексте можно было бы судить Lamborghini как красивый отчасти потому, что он желателен как символ статуса, или мы могли бы счесть его отталкивающим отчасти потому, что он означает для нас чрезмерное потребление и оскорбляет наши политические или моральные ценности.

Оценка стоимости произведения искусства часто бывает частично интеллектуальной и интерпретационной. Мы часто судим именно то, что для нас означает или символизирует вещь. Присвоение ценности произведениям искусства часто является сложным согласованием наших чувств, эмоций, интеллектуальных мнений, воли, желаний, культуры, предпочтений, ценностей, подсознательного поведения, сознательного решения, обучения, инстинктов, социологических институтов и других факторов. Посмотрите видео ниже, чтобы услышать обсуждение этих факторов в оценочных суждениях.

Посмотрите это видео о картине Дэмиена Херста «« Физическая невозможность смерти в сознании живущего ». Подумайте о сложности интерпретирующего опыта искусства и о том, как ценность приписывается произведению искусства.

Эстетика и ценность | Введение в концепции искусства

Искусство и эстетический опыт

Красота — это то, что мы воспринимаем и на что реагируем.Это может быть реакция трепета и изумления, удивления и радости или чего-то еще. Это может напоминать «пиковый опыт» или прозрение. Это может быть закат или вид с вершины горы — список можно продолжить. Здесь мы имеем в виду своего рода переживание, эстетический отклик , который является ответом на репрезентативные качества предмета , будь то искусственный или естественный (Сильверман). Подполе философии, называемой эстетикой, посвящено изучению и теории этого переживания прекрасного; в области психологии эстетика изучается в связи с физиологией и психологией восприятия.

Эстетический анализ — это тщательное исследование качеств объектов и событий, вызывающих эстетический отклик. Эстетический ответ — это мысли и чувства, возникающие из-за характера этих качеств и конкретных способов их организации и восприятия (Сильверман).

Эстетический опыт, который мы получаем от мира в целом, отличается от эстетического опыта, основанного на искусстве. Важно понимать, что мы не говорим, что природное чудо — это плохо или хуже, чем опыт в мире искусства; мы говорим, что это другое.Отличается сконструированная природа художественного опыта. Опыт искусства — это тип эстетического опыта, который также включает аспекты, содержание и контекст нашей человечности. Когда что-то создается человеком — мы знаем, что существует некоторый уровень общности и / или коллективного опыта.

Почему эстетика — это только начало в анализе произведения искусства

Мы также осознаем, что помимо сенсорных и формальных свойств, все произведения искусства зависят от их конкретного времени и места или конкретной исторической и культурной среды, в которой они были созданы (Сильверман).По этой причине мы анализируем произведения искусства не только с точки зрения эстетики, но также с точки зрения истории и культуры контекстов .

Как мы занимаемся эстетическим анализом

Часто чувства или мысли, возникающие в результате созерцания произведения искусства, изначально основаны в первую очередь на том, что на самом деле видно в произведении. Первые аспекты произведения искусства, на которое мы отвечаем, — это его сенсорные свойства, его формальные свойства и его технические свойства (Сильверман). Цвет — это пример сенсорного свойства.Цвет считается разновидностью формы, а то, как она устроена (например, цвет), является формальным свойством. Какая среда (например, живопись, анимация и т. Д.) Является иллюстрацией технического свойства. Это будет обсуждаться далее в другом модуле. Как объясняет доктор Сильверман из Калифорнийского государственного университета, последовательность вопросов при эстетическом анализе может быть следующей: что мы на самом деле видим? Как организовано то, что видно? И какие эмоции и идеи возникают в результате наблюдаемого?

Как мы оцениваем искусство

Слово искусство часто используется для вынесения оценочных суждений, например, в таких выражениях, как «эта еда была произведением искусства» (подразумевая, что повар — художник) или «искусство обмана» (продвинутый, достойный похвалы навык обмана ).Именно такое использование слова в качестве меры высокой ценности придает этому термину оттенок субъективности.

Должен ли он быть визуально приятным или нет?

Ценностные суждения требуют основания для критики. На самом простом уровне решение о том, считать ли объект или переживание искусством, заключается в том, чтобы найти его привлекательным или отталкивающим. Хотя восприятие всегда окрашено опытом и обязательно субъективно, обычно понимают, что то, что не нравится визуально, не может быть искусством.Однако «хорошее» искусство не всегда или даже регулярно визуально нравится большинству зрителей. Другими словами, главной мотивацией художника не обязательно должно быть стремление к приятному расположению форм. Кроме того, искусство часто изображает ужасные образы, созданные по социальным, моральным или заставляющим задуматься причинам.

Франсиско де Гойя, Эль-Трес-де-Майо, 1808 ( Третье мая 1808 года ). Изображение находится в открытом доступе.

Например, картина Франсиско Гойи, изображенная выше, изображает испанские расстрелы третьего мая 1808 года.Это графическое изображение расстрельной команды, казнившей нескольких умоляющих гражданских лиц. Но в то же время ужасающие образы демонстрируют острые художественные способности Гойи в композиции и исполнении, и вызывают соответствующее социальное и политическое возмущение. Таким образом, споры о том, какой вид эстетического удовлетворения требуется для определения «искусства», продолжаются. Пересмотр того, что обычно считается визуально приятным, позволяет возродить и по-новому взглянуть на стандарты самого искусства.

Искусство часто предназначено для обращения к человеческим эмоциям и связи с ними. Он может вызывать эстетические или моральные чувства и может пониматься как способ передачи этих чувств. Искусство можно рассматривать как исследование человеческого состояния или того, что значит быть человеком.

Факторы, участвующие в судебном решении по ст.

Вид радуги часто вызывает эмоциональную реакцию, например восторг или радость. Внутренние реакции, такие как отвращение, показывают, что сенсорное обнаружение рефлексивно связано с выражением лица и поведением, например, рвотным рефлексом.Тем не менее, отвращение также часто может быть реакцией на знания или культурные особенности; как заметил Дарвин, видеть пятно супа на мужской бороде отвратительно, хотя ни суп, ни борода сами по себе не отвратительны.

Художественные суждения могут быть связаны с эмоциями или, как эмоции, частично воплощаться в наших физических реакциях. Возвышенный вид на пейзаж может вызвать у нас реакцию трепета, которая физически может проявляться в виде учащенного сердцебиения или расширенных глаз. Эти бессознательные реакции могут частично контролировать или, по крайней мере, укреплять наше мнение о том, что ландшафт возвышен.

Точно так же художественные суждения могут быть в некоторой степени обусловлены культурой. Викторианцы в Великобритании часто считали африканские скульптуры уродливыми, но всего несколько десятилетий спустя те же зрители сочли эти скульптуры красивыми. Оценки красоты вполне могут быть связаны с желанностью, возможно, даже с сексуальной желательностью. Таким образом, суждения об искусстве могут быть связаны с суждениями, имеющими экономическую, политическую или моральную ценность. В современном контексте можно было бы судить Lamborghini как красивый отчасти потому, что он желателен как символ статуса, или мы могли бы счесть его отталкивающим отчасти потому, что он означает для нас чрезмерное потребление и оскорбляет наши политические или моральные ценности.

Оценка стоимости произведения искусства часто бывает частично интеллектуальной и интерпретационной. Мы часто судим именно то, что для нас означает или символизирует вещь. Присвоение ценности произведениям искусства часто является сложным согласованием наших чувств, эмоций, интеллектуальных мнений, воли, желаний, культуры, предпочтений, ценностей, подсознательного поведения, сознательного решения, обучения, инстинктов, социологических институтов и других факторов. Посмотрите видео ниже, чтобы услышать обсуждение этих факторов в оценочных суждениях.

Посмотрите это видео о картине Дэмиена Херста «« Физическая невозможность смерти в сознании живущего ». Подумайте о сложности интерпретирующего опыта искусства и о том, как ценность приписывается произведению искусства.

цитированных работ

Сильверман, Рональд. Изучение искусства: мультикультурный подход . Калифорнийский государственный университет, 2001. Интернет. 24 июня 2008 г.

10 способов передать эмоции в ваших работах

Итак, вы узнали обо всех возможных художественных техниках — композиции, теории цвета, анатомии, свете, перспективе и т. Д.Но как собрать их вместе и манипулировать ими, чтобы создать запоминающийся движущийся образ?

Хотите узнать, как нарисовать сцену с настоящими эмоциями? Вот 10 полезных советов, которые помогут вам начать работу.

01. Используйте освещение

Высококонтрастное освещение помогает создать напряжение в этом изображении. Автор Камил Мурзин.

Художник Platige Image Камил Мурзин говорит: «Освещение — очень важный фактор в создании любого настроения и создании сюжета. Я обычно выбираю условия естественного освещения, которые имеют некоторые общие правила, такие как дневной свет, пасмурный свет или закат; затем я меняю их, чтобы они лучше соответствовали истории и ощущениям, которые я хочу создать.

«Для иллюстрации на тему саспенса естественно выбрать условия освещения, обеспечивающие высокую контрастность, поэтому я выбираю простое ночное небо с ярким лунным светом. Ночь и мрак всегда создают ощущение опасности и ужаса».

02. Используйте реальную жизнь

Маммолити вспомнил времена отчаяния, чтобы помочь ему создать настроение для этого произведения

«Используйте свой собственный опыт при изображении эмоций», — говорит художник Дэмиен Маммолити. «Когда вы в последний раз испытывали отчаяние? Что вы почувствовали? Если бы вы могли олицетворять и создать персонажа на основе этой эмоции, как бы он выглядел? Эти вопросы помогут вам создать повествование для вашей иллюстрации.»

03. Ввести символизм

Желтая змея связывает образ и тему вместе на этой картине Марии Поляковой

» Размышляя на тему «зависти», мне пришла в голову идея «горячего» желто-оранжевого змея в руках девушки », — говорит внештатный 2D-художник Мария Полякова.« Зависть — это сильное, шипящее, токсичное чувство, а змея теплого цвета создает сильный контраст на фоне холодной зеленой кожи персонажа. Желтая змея также дополняет желтые глаза и чешуйчатое тело девушки.«

04. Подготовьте, используя слова, а также изображения

Нанесение на карту подобных идей может помочь убедиться в том, что концепция понятна зрителю.

« Ментальная карта — это графическая диаграмма связанных мыслей и слов о предмете », — поясняет концепт-художник Эми Чен ». Он включает в себя ответвление идей от центральной отправной точки. В данном случае я хотел, чтобы иллюстрация вращалась вокруг концепции «тайна», поэтому я создал карту разума, сфокусированную на этом слове и на том, что приходит мне в голову.

«С этого момента я продолжал исследовать различные темы и предметы, связанные со словом.Я пытался исчерпать все возможности, исследуя все, что мог, пока не был уверен, что больше не осталось никаких связанных идей ».

05. Не забывайте историю

Заброшенный склад? Пустой грузовик с мороженым? Пятна крови? Есть много поводов для предположения, что сюжет разворачивается на этом изображении.

«История — это общая идея или концепция произведения, — говорит художник по цифровым технологиям Энди Уолш. внимание.Но добавьте небольшую предысторию или некоторые элементы, которые заставят нас глубже погрузиться в сцену или персонажа, и ваша аудитория не только оценит произведение, но и получит от него удовольствие.

«Действительно подумайте об элементах, которые вызывают у вашей аудитории любопытство относительно того, что происходит, и приглашайте их исследовать. Что в коробке? Кто за углом? Какая история привела нас к этой сцене?»

06. Передайте сенсорное нарушение

Используйте мелкие детали, чтобы передать сильные эмоции

«Страх — очень интересная эмоция для изображения.«Используя некоторые базовые идеи, мы можем легко вызвать эти эмоции у зрителя», — говорит Маммолити. «Неудобные ощущения, такие как наложение волос на открытый глаз или попадание воды в рот, демонстрируют, с какими типами ощущений можно обыгрывать такое изображение, как это.

«Здесь я могу вызвать сочувствие, нарушая полезные ощущения (например, вкус или дыхание) или размещая предметы там, где они наиболее нежелательны. Это помогает зрителю проникнуться сочувствием к предмету, усиливая их переживание эмоции.

07. Используйте повествование, которое другие могут связать с

Это повествование помогает внушить тоску, используя темы, которые многие люди могут связать с

. Иллюстратор Кевин Хонг говорит: «Ностальгия — очень сентиментальное и тоскливое чувство, связанное с личным опытом, и хотя это общеизвестная эмоция, и то, что ее вызывает, может быть очень разным для каждого человека. Тем не менее, есть определенные рассказы, которые, я думаю, понятны каждому. Моменты холостого хода, ожидания или особенно детства.Имея это в виду, я создаю несколько цифровых набросков, чтобы проиллюстрировать эти моменты ».

08. Тщательно продумайте свою композицию

Размещение богини высоко в композиции помогает передать чувство благоговения

« Мне нравится думать о композиции и с разных точек зрения, с которых я могу показать свою сцену, почти как если у меня в голове кинокамера и я путешествую по сцене, пытаясь найти наиболее интересный кадр для воссоздания », — рассказывает иллюстратор Скотт Мерфи.«Для этой иллюстрации я считаю, какой ракурс и композиция помогут продемонстрировать богиню и окружающую толпу и точно задать настроение. Поиск правильной точки обзора может помочь с эмоцией или историей, которую вы пытаетесь изобразить».

09. Играйте с цветами, чтобы найти нужное настроение

Ищите сочетания цветов, которые лучше всего отражают чувство, которое вы пытаетесь передать

«При разработке идей для цветов мне часто нравится проверять различные идеи, используя некоторые типичные цветовые комбинации. ; дополнительные, аналогичные и ахроматические комбинации — одни из моих любимых, — говорит Маммолити.

«Дополняющий означает то, на что он похож: противоположности на цветовом круге хорошо сочетаются друг с другом и часто создают отличный контраст для картин. Аналогичные цвета — это цвета, которые расположены рядом друг с другом на цветовом круге; эти типы комбинаций обеспечивают баланс. . Ахроматичность — это отсутствие насыщенности выбранных вами цветов, что может быть использовано для создания более эмоциональной сцены. Это изображение будет иметь слегка ненасыщенную дополнительную палитру, которая поможет отразить чувство отчаяния.«

10. Удостоверьтесь, что вам это нравится

Уникальное изображение, которое передает что-то значимое, всегда привлекает аудиторию

« Ключ к созданию интересной работы — создавать искусство, которое вы находите интересным », — говорит Хонг. в том, что вам нравится создавать, и постарайтесь не саботировать это, выполняя работу, соответствующую отрасли или области. Если вы делаете работу, которая вам действительно нравится, и усердно работаете над совершенствованием своего ремесла, вы найдете клиентов, которые будут доверять вам за то, что вы являетесь вами.»

Подробнее:

Почему люди занимаются искусством?

Источник: noonexy / Pixabay

Одна из областей человеческого опыта, которая, кажется, не имеет аналогов в природе, — это искусство. Сложно представить голубя Пикассо или павиана Боттичелли. Действительно, лишь несколько видов животных имеют даже самые слабые намеки на начало культуры. Без культуры действительно не может быть искусства в том виде, в каком мы его знаем, потому что искусство не может существовать отдельно от культуры.Искусство отражает культуру, передает культуру, формирует культуру и дает комментарии к культуре. Животные никак не могут испытывать искусство так, как мы.

А вот и загвоздка. Конечно, они не воспринимают искусство так, как мы, потому что они не переживают ничего, , как мы. И мы не испытываем ничего, как другое животное. Но если мы действительно задумаемся о том, что такое искусство и как оно зародилось у людей, мы действительно можем увидеть подающих надежды художников среди наших друзей-животных.

Искусство о красоте

Если мы отделим искусство от его культурных значений, мы можем согласиться с тем, что искусство очень часто связано с выражением красоты. На протяжении всей истории многие произведения искусства создавались исключительно для одной цели, кроме создания красоты. Произведения искусства нужно созерцать и восхищаться ими. Это захватывает дух и даже может вызвать у нас эмоции. Именно в этой красоте я рисую первую связь между природой и искусством. Природа и искусство прекрасны, как бы вы ни определяли красоту.Они оба могут ослепить нас и задержать дыхание. Они могут вдохновить нас и заставить нас почувствовать связь с чем-то. Они оба могут поразить эмоциональный нерв, оказывающий на нас влияние, о котором не скоро забудут. Возможно, эта связь между искусством и эмоциями раскрывает кое-что о происхождении искусства.

Во-первых, давайте рассмотрим особую разновидность красоты, которую мы находим в мире природы: красивых животных. От непревзойденной расцветки тропического ара до развевающейся гривы африканского льва и ярких черт мандаринки — животные прекрасны.Но никогда еще поговорка «красота в глазах обладателя» не была более верной, чем в животном мире. Яркие и яркие цвета, которые мы видим у многих животных, эволюционировали, чтобы быть заметными, чтобы помочь животному «выделяться». Самые эффектно красивые животные украшены таким образом, чтобы вызвать у других животных влечение, уважение или страх. Во всех случаях польза красоты заключается в реакции наблюдателя. Разве нельзя сказать то же самое о человеческом искусстве?

Источник: ToastyKen / WikiCommons

Хотя дело не только в сексе, большая часть животной красоты действительно заключается в том, чтобы произвести впечатление на потенциальных партнеров.На сегодняшний день ученые не нашли другой причины, по которой у павлинов такие красивые и замысловатые хвосты, за исключением того, что павлины, кажется, роют их. Эти хвосты — тоже не маленькое декоративное украшение. Павлиний хвост составляет более 60% длины тела. Когда они пытаются ходить, не говоря уже о том, чтобы летать, с этими отвратительными чудовищами, это действительно жалкое зрелище.

Тем не менее, павлинам очень нравится этот хвост, и павлин — не единственный вид, у которого есть такая стратегия. Начиная с самых простых беспозвоночных, для привлечения самок использовались красочные и поразительные орнаменты.Я мог бы привести длинный список красиво окрашенных животных, чьи замысловатые визуальные узоры созданы только для привлечения партнера, но я не думаю, что это необходимо.

Искусство и красота вызывают эмоциональный отклик

Этот феномен «красота как сексуальность» имеет глубокую биологическую параллель с человеческим искусством, потому что это связь визуального стимула с внутренним эмоциональным состоянием. В случае привлекательного животного внешняя физическая красота трансформируется в желание, в поведенческий импульс в мозгу наблюдателя.Когда павлины видят красивого павлина, он «трогает» их в том смысле, что это влияет на их текущее психическое состояние. Мы знаем это, потому что это влияет на их поведение, и мы предполагаем, что поведение возникает из психических состояний. Именно в этом заключается суть изобразительного искусства у людей: они используют визуальные стимулы, чтобы влиять на умственное или эмоциональное состояние зрителей.

Источник: Маурицио Пеше / WikiCommons

Искусство вызывает воспоминания о прошлых событиях или эмоциях

По общему признанию, искусство и красота в людях — это больше, чем просто сексуальная привлекательность.Эффективность искусства зависит от некоторых основных предположений о знаниях и опыте, которые являются общими между художником и аудиторией. Банки с супом Кэмпбелла Энди Уорхола, вероятно, мало повлияют на бушменов Восточной Африки. Искусство извлекает выгоду из определенных воспоминаний и ассоциаций, хранящихся в мозгу наблюдателя. Здесь у нас есть второй ключ к разгадке происхождения искусства у людей: визуальное воспоминание о прошлых событиях и эмоциях.

По мере того, как человеческий мозг за последний миллион лет стал более сложным, мы стали способны хранить обширные детали в виде воспоминаний — навык, который пригодился, когда наше поведение стало более детализированным.Охотничий и собирательный образ жизни, общий для всех различных видов гоминидов, требовал обширной зрительной памяти. Как еще они могли заниматься организованной групповой охотой, изготовлением простых орудий и расшифровкой миграционных паттернов крупной дичи в африканской саванне? Эти сложные навыки требуют сравнения текущих визуальных сигналов с прошлым опытом вычислительным и прогностическим способом. Мы говорим о распознавании образов.

Источник: Энрик / WikiCommons

Более того, способность создавать и использовать инструменты — навык, который зародился у обезьян и быстро развился у гоминидов, — требует большой зрительной и тактильной памяти.По мере того, как полностью современный Homo sapiens начал создавать инструменты, которые становились все более и более изощренными, мы внезапно обнаружили, что можем изображать наши воспоминания с помощью примитивных инструментов рисования. С нашими новообретенными когнитивными способностями, впечатляющими воспоминаниями и, в конечном итоге, инструментами, совсем не удивительно, что первое искусство, созданное нашими предками, изображало тот самый предмет, который, вероятно, в первую очередь породил все наши когнитивные способности: охоту.

Наскальные рисунки — самые ранние артефакты, которые антропологи и историки искусства согласны с тем, что они действительно являются искусством, но мне трудно поверить, что они также не способствовали функционированию в сообществах, в которых они были созданы.Мы могли бы целый день размышлять о том, какими могли быть эти функции, но я думаю, что суть в том, что преимущества возможности создания визуального представления были сразу же признаны. Я также серьезно сомневаюсь, что наскальные рисунки были первыми попытками визуального изображения. Они были первыми, кто выжил в течение эонов.

Художественные средства в общении и образовании

Источник: Дэйв Паркер / Flickr

По мере развития языка у Homo sapiens во время огромного скачка вперед люди начали обучать друг друга созданным ими инструментам, найденной пище и навыкам, которые они усовершенствовали.Это было началом концепции образования. Я не могу себе представить, чтобы в образовании эпохи палеолотики не использовались наглядные пособия, как в сегодняшнем образовании. Будь то грубые рисунки, сделанные путем волочения палок по земле, или более сложные изображения на каменных «холстах», я уверен, что рисунки сопровождали устную речь (или жесты) с самого начала. И снова ключевой особенностью была способность использовать визуальные представления, чтобы вызвать воспоминания или визуальное понимание.Рисуя что-то, ранний человек мог заставить другого человека что-то запомнить.

Различные формы рисунков, живописи и других визуальных изображений почти наверняка способствовали общению и обучению среди первых людей. Это кажется довольно очевидным. Вдобавок кажется вероятным, что древние люди также использовали новое нововведение в художественном изображении для различных попыток решения проблем и вычислений. По мере того, как познание продолжало развиваться, оно начало перерастать в сознание и самоанализ, как мы думаем о них сегодня.

Изобразительное искусство, вероятно, было рядом с нами на протяжении всего пути, помогая предоставить средства для выражения сложных мыслей, которые начинали материализоваться в нашем массивном мозгу. Действительно, оценка и понимание искусства, по-видимому, относятся к числу функций высшего порядка человеческого мозга.

По этим причинам я склонен полагать, что художественное выражение и реакция на искусство развивались рука об руку с высшими когнитивными функциями у ранних людей. Естественно, что новое богатство нашего внутреннего опыта также проявится в творческом внешнем выражении.В свою очередь, передача этого внутреннего опыта через искусство найдет восприимчивых наблюдателей, и феномен искусства затем укоренится в культуре.

Я также полностью ожидаю, что художественный талант в конечном итоге будет передан из нашей культуры в наши гены. В конце концов, в течение миллиона или двух лет естественного отбора художественные способности давали некоторое преимущество тем, у кого они были. Это преимущество могло проявиться в форме повышения общественного положения в качестве лидера на охоте, плодовитого учителя навыков и т. Д.Любое особое место в социальной структуре означает больше шансов на репродуктивный успех. Таким образом, я подозреваю, человечество превратилось в разновидность художников и энтузиастов искусства.

Другие животные занимаются искусством?

Когда человечество развило тенденцию создавать художественные изображения, появилось достаточно биологического пространства для его процветания и причин, по которым это было бы одобрено, но как оно вообще могло появиться? Конечно, поведение художественного производства нельзя объяснить какой-то одной мутацией.Какие могли существовать предшественники, которые позволили появиться искусству? Есть ли какие-нибудь примеры того, как животные делают что-то, что мы сочли бы искусным?

Есть индийский художник по имени Сири, рисунки которого сейчас стоят сотни или тысячи долларов. О ней много писали и писали в публикациях от Harper’s Weekly до Los Angeles Times. Ее работы варьируются от абстрактного до высокопрофессионального, включая пейзажи и автопортреты. Конечно, она много лет тренировалась, чтобы развить этот навык, но теперь она может завершить картину за считанные минуты.Сири — пятидесятилетний азиатский слон.

Источник: liquidkingdom / Flickr

Siri не одинока. Десятки слонов научили рисовать. Искусство, которое эти слоны создают, держа кисть в хоботе, поистине впечатляет. Это определенно лучше, чем все, что я мог бы произвести. То, что на самом деле делают эти слоны, с точки зрения создания произведений искусства или просто повторения натренированного задания, является предметом жарких споров. Я не собираюсь входить в эти мутные воды.Скорее, я упоминаю здесь рисование слонов только для того, чтобы указать, что набор технических навыков, необходимых для создания произведений искусства, определенно не уникален для людей. Эти обученные слоны-рисовальщики могут взять визуальный стимул, даже новый для них, и воссоздать его с помощью художественных приемов, которым они научились. Они ценят цвет, перспективу и пропорции, по крайней мере, в основном смысле. Я не говорю, что эти слоны — Сезанн, но они лучше, чем Натан Х. Лентс, это точно.

Среди более близких к нам видов орангутанов, шимпанзе и горилл научили рисовать и раскрашивать.Как и слоны, некоторые из них неплохо справляются с этим. В отличие от слонов, мало кто спорит о том, что этим приматам, кажется, действительно нравится создавать искусство, и они будут делать это спонтанно, без вознаграждения и ради самого искусства. Иногда они создают искусство, к которому очень привязываются и никогда никому не показывают активно.

Еще раз, я не хочу вдаваться в обсуждение того, что это произведение искусства действительно говорит о сознании шимпанзе, хотя мне это интересно. Я хочу сказать, что все эти великие обезьяны обладают физической способностью создавать визуальные образы, им это нравится, и искусство, которое они создают, кажется, что-то для них значит.Все эти способности и особенности явно присутствовали и у первых людей, и у их предков.

Значит, прыжок был не таким уж большим, когда древние люди взглянули на стену пещеры, тускло освещенную умирающим огнем … и увидели холст.

BBS1700030 1..63

% PDF-1.3 % 1 0 объект > эндобдж 7 0 объект > эндобдж 2 0 obj > эндобдж 3 0 obj > эндобдж 4 0 obj > транслировать Издатель Arbortext Advanced Print 10.0.1465 / W Unicode2017-11-21T20: 10: 10 + 05: 012017-12-16T17: 39: 22 + 00: 00application / pdf

  • BBS1700030 1..63
  • Не для дальнейшего распространения, если это не разрешено Лицензией или письменным разрешением Cambridge University Press.
  • https://doi.org/10.1017/S0140525X17001728
  • Загружено с https://www.cambridge.org/core. IP-адрес: 174.141.207.217, 16 декабря 2017 г., 17:39:22, в соответствии с условиями использования Cambridge Core, доступными по адресу https://www.cambridge.org/core/terms.
  • Acrobat Distiller 8.1.0 (Windows) uuid: ee57f6ea-a718-494a-9f81-73bf95fe86dduuid: 64ddff9c-0fe4-48fa-868b-6bfa3102bfa9 конечный поток эндобдж 5 0 obj > эндобдж 6 0 obj > эндобдж 8 0 объект > эндобдж 9 0 объект / Счетчик -6 / Последний 32 0 руб. /Заголовок >> эндобдж 10 0 obj / Счетчик -36 / Последний 34 0 руб. / Назад 9 0 R /Заголовок >> эндобдж 11 0 объект > эндобдж 12 0 объект > эндобдж 13 0 объект > эндобдж 14 0 объект > эндобдж 15 0 объект > эндобдж 16 0 объект > эндобдж 17 0 объект > эндобдж 18 0 объект > эндобдж 19 0 объект ] / Имена [98 0 R 99 0 R 100 0 R 101 0 R 102 0 R 103 0 R 104 0 R 105 0 R 106 0 R 107 0 R 108 0 R 109 0 R 110 0 R 111 0 R 112 0 R 113 0 правый 114 0 правый 115 0 правый 116 0 правый 117 0 правый 118 0 R 119 0 R 120 0 R 121 0 R 122 0 R 123 0 справа 124 0 справа 125 0 справа 126 0 справа 127 0 справа 128 0 R 129 0 R 130 0 R 131 0 R 132 0 R 133 0 R 134 0 R 135 0 R 136 0 R 137 0 R 138 0 R 139 0 R 140 0 R 141 0 R 142 0 R 143 0 R 144 0 R 145 0 R 146 0 R 147 0 R 148 0 R 149 0 R 150 0 R 151 0 R 152 0 R 153 0 R 154 0 R 155 0 R 156 0 R 157 0 R 158 0 R 159 0 R 160 0 R 161 0 R] >> эндобдж 20 0 объект ] / Имена [162 0 R 163 0 R 164 0 R 165 0 R 166 0 R 167 0 R 168 0 R 169 0 R 170 0 R 171 0 R 172 0 R 173 0 R 174 0 R 175 0 R 176 0 R 177 0 R 178 0 R 179 0 R 180 0 R 181 0 R 182 0 R 183 0 R 184 0 R 185 0 R 186 0 R 187 0 R 188 0 R 189 0 R 190 0 R 191 0 R 192 0 R 193 0 R 194 0 R 195 0 R 196 0 R 197 0 R 198 0 R 199 0 R 200 0 R 201 0 R 202 0 R 203 0 R 204 0 R 205 0 R 206 0 R 207 0 R 208 0 R 209 0 R 210 0 R 211 0 R 212 0 R 213 0 R 214 0 R 215 0 R 216 0 R 217 0 R 218 0 R 219 0 R 220 0 R 221 0 R 222 0 R 223 0 R 224 0 R 225 0 R] >> эндобдж 21 0 объект ] / Имена [226 0 R 227 0 R 228 0 R 229 0 R 230 0 R 231 0 R 232 0 R 233 0 R 234 0 R 235 0 R 236 0 R 237 0 R 238 0 R 239 0 R 240 0 R 241 0 R 242 0 R 243 0 R 244 0 R 245 0 R 246 0 R 247 0 R 248 0 R 249 0 R 250 0 R 251 0 справа 252 0 справа 253 0 справа 254 0 справа 255 0 справа 256 0 R 257 0 R 258 ​​0 R 259 0 R 260 0 R 261 0 R 262 0 R 263 0 R 264 0 R 265 0 R 266 0 R 267 0 R 268 0 R 269 0 R 270 0 R 271 0 R 272 0 R 273 0 R 274 0 R 275 0 R 276 0 R 277 0 R 278 0 R 279 0 R 280 0 R 281 0 R 282 0 R 283 0 R 284 0 R 285 0 R 286 0 R 287 0 R 288 0 R 289 0 R] >> эндобдж 22 0 объект ] / Имена [290 0 R 291 0 R 292 0 R 293 0 R 294 0 R 295 0 R 296 0 R 297 0 R 298 0 R 299 0 R 300 0 R 301 0 R 302 0 R 303 0 R 304 0 R 305 0 R 306 0 R 307 0 R 308 0 R 309 0 R 310 0 Прав 311 0 Прав 312 0 Прав 313 0 Прав 314 0 Прав 315 0 R 316 0 R 317 0 R 318 0 R 319 0 R 320 0 Прав 321 0 Прав 322 0 Прав 323 0 Прав 324 0 Прав 325 0 326 0 руб. 327 0 руб. 328 0 руб. 329 0 руб. 330 0 R 331 0 R 332 0 R 333 0 R 334 0 R 335 0 R 336 0 R 337 0 R 338 0 R 339 0 R 340 0 R 341 0 R 342 0 R 343 0 R 344 0 R

    Об искусстве — Что мы на самом деле имеем в виду — Smashing Magazine

    Краткое резюме ↬ Марк Ротко, американский художник, назвавший себя художником-абстракционистом , однажды сказал, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета или чего-то подобного.Он определил себя не как абстракционист, а как человек, заинтересованный только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее. Это видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно дать определение концепции?

    Марк Ротко, американский художник, назвавший себя «художником-абстракционистом», однажды сказал об искусстве, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета и т. Д.Он определил себя не как абстракционист, а как человек, заинтересованный только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее. Это видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно дать определение концепции?

    Эта статья представляет собой исследование значения искусства и попытку понять отношения между искусством и художниками, с некоторыми полезными идеями через интервью как с традиционными, так и с цифровыми художниками.

    Дополнительная литература по SmashingMag:

    1. Об искусстве — что это?

    Этот вопрос возникает часто и имеет множество ответов. Многие утверждают, что искусство не может быть определено. Мы можем сделать это несколькими способами. Искусство часто считается процессом или продуктом преднамеренного расположения элементов таким образом, чтобы они обращались к чувствам или эмоциям. Он охватывает широкий спектр человеческой деятельности, творчества и способов выражения, включая музыку, литературу, кино, скульптуру и живопись.Смысл искусства исследуется в области философии, известной как эстетика. По крайней мере, так утверждает Википедия.

    Больше после прыжка! Продолжить чтение ниже ↓

    Встречайте Image Optimization , новое практическое руководство Адди Османи по оптимизации и размещению высококачественных изображений в Интернете. От форматов и сжатия до доставки и обслуживания: все в одной книге 528 страниц и .

    Перейти к содержанию ↬

    Искусство обычно понимается как любая деятельность или продукт, осуществляемый людьми с коммуникативной или эстетической целью — что-то, что выражает идею, эмоцию или, в более общем смысле, мировоззрение .

    Это компонент культуры, отражающий в своем дизайне экономические и социальные основы. Он передает идеи и ценности, присущие каждой культуре, в пространстве и времени. Его роль со временем меняется, приобретая здесь эстетический компонент, а там — социально-образовательную функцию.

    Скотт Марр

    Все, что мы сказали до сих пор, содержит элементы правды, но в основном это мнение. Согласно Википедии, «историки искусства и философы искусства давно ведут классификационные споры об искусстве относительно того, следует ли классифицировать определенную культурную форму или произведение как искусство.”

    Определение искусства открыто, субъективно, спорно. Между историками и художниками нет единого мнения, поэтому у нас остается так много определений искусства. Само понятие изменилось на протяжении веков.

    Само понятие искусства и сегодня продолжает вызывать споры, поскольку оно открыто для множества интерпретаций. Это может быть просто означать любую человеческую деятельность или любой набор правил, необходимых для развития деятельности. Это расширило бы понятие за пределы того, что обычно понимается как изобразительное искусство, теперь оно расширено, чтобы охватить академические области.У этого слова есть много других разговорных значений.

    В этой статье мы имеем в виду искусство как форму человеческого выражения творческой природы .

    2. Эволюция концепции искусства

    Хотя определение искусства с годами изменилось, область истории искусства развивалась, чтобы позволить нам классифицировать изменения в искусстве с течением времени и лучше понять, как искусство формируется и формируется творческими импульсами художников.

    В таком случае важно иметь твердое представление об истории искусства.Я поговорил с Александром Даниловым и Джонатаном Боллом о концепции искусства через историю и о том, возможно ли проследить линию через традиционное и современное искусство.

    Александр Данилов — русский художник, живущий и работающий в Италии. Он специализируется на живописи, хотя работал в нескольких медиа. В последнее время работает над детскими иллюстрациями. Он участвовал в различных мероприятиях и конкурсах иллюстраций и иллюстрировал три книги. Он провел множество индивидуальных и групповых выставок в Италии, России, Голландии, Испании, Финляндии и США.

    Джонатан Болл является творцом Poked Studio, инновационной компании, стремящейся разрабатывать креативные визуальные решения. И это еще не все: среди своих услуг Poked Studio предлагает иллюстрации; Веб-дизайн, графический и блог-дизайн; 3-D рендеринг и визуализация; графики движения; детская книжная иллюстрация; Flash-сайты; и игры.

    Вопрос: Можем ли мы проследить линию от традиционного искусства к современному?

    Александр Данилов: Я не думаю, что мы можем что-то сказать, не впадая в полемику, даже я.Я придерживаюсь традиционного взгляда и предпочитаю произведения искусства, которые говорят о художнике или периоде. Я не могу объяснить, что такое современное искусство или, по крайней мере, чем оно должно быть. Да, вы можете провести линию от традиционного искусства к современному, но не прямую. Возможно, это парабола, которая идет вверх, а затем вниз, или спираль. Мы не знаем. Все, что мы можем сказать, это то, что рынок искусства развился, что влияет на само искусство. В том, что мы называем современным искусством, слова и объяснения всегда имеют большее значение.

    Изобразительное искусство преобразовано статьями и критическими эссе; Между тем сами произведения немели.В театре кураторы и критики заняли первые ряды. Это мой взгляд на разницу между современным искусством и традиционным.

    Лично я предпочитаю искусство, измеряемое в человеческих измерениях: искусство, которое шепчет и не кричит, искусство, которое покрывает меня и заставляет летать, но не сокрушает. Но должен признаться, некоторые из этих современных вещей меня привлекают; например, настенная живопись (граффити) и абстрактные вещи.

    Путешествие в реальные и мифологические эпохи, смена театральных костюмов и декора — часть стиля Александра Данилова.Стиль придает его картинам особую грацию, показывая как праздничную, так и драматическую стороны жизни на сцене. Стиль также пронизан сладкой иронией, которая встряхивает картину. Точность, гибкость в дизайне и тонкая цветовая гармония позволяют художнику перемещаться между различными художественными условностями, играя со светом и тенью, линией и цветом.

    Джонатан Болл: Да, определенно [мы можем провести черту от традиционного искусства к современному]. Используются многие из тех же техник, только немного по-разному и с разными инструментами.Те же принципы применимы, как бы вы ни создавали искусство.

    Я вижу линию, проходящую через стилизованные формы японского искусства, такие как Хокусай, и современные стилизованные графические иллюстрации.

    Вопрос: По сравнению с эволюцией традиционного искусства, как бы вы описали развитие цифрового (или новых медиа) искусства?

    Джонатан Болл: Очевидно, цифровое искусство развивалось гораздо быстрее, чем тысячи лет ручной работы.Целое поколение воспитывалось на «Фотошопе» и других инструментах, тогда как предыдущие поколения использовали ручку и карандаш.

    Тем не менее, я считаю, что цифровое искусство все еще находится в зачаточном состоянии. Несмотря на то, что кажется огромным прогрессом в компьютерном оборудовании, общие вычисления и даже вычисления, доступные большинству дизайн-студий, просто недостаточно быстры, чтобы легко воспроизводить искусство в масштабе и уровне детализации, возможном с помощью традиционных носителей. Сходите в любую национальную галерею, и вы увидите работы огромного масштаба.Попробуйте воспроизвести 10-футовый холст с разрешением нарисованного вручную произведения искусства в трехмерной программе, и вы обнаружите, что это не справляется. Фактически, большинству программ будет сложно отобразить детальное изображение, скажем, с разрешением 300 точек на дюйм и размером всего A4.

    Хотя картина может показаться просто пятнами и пятнами, когда вы подойдете к ней поближе, узоры сами по себе красивы, полны цвета, интенсивности, насыщенности и текстуры. Подойдите ближе к цифровому искусству или к экрану телевизора, и вы увидите беспорядок искажений и артефактов.

    Когда разрешение экрана сравняется с разрешением печатных носителей, и когда компьютерные технологии позволят нам легко создавать большие, детализированные работы на высокой скорости, тогда цифровые технологии догонят традиционные носители.

    Большая часть цифрового искусства начала 21 века предназначена для просмотра на устройствах с низким разрешением. Большая часть этого искусства устареет, когда в следующем столетии будут разработаны экраны и устройства с более высоким разрешением. И многое из того, что хранилось только на жестких дисках, будет потеряно навсегда, поскольку диски выходят из строя, а веб-сайты закрываются или разрабатываются заново.

    Мне жаль, что так много великих произведений воспроизводится с таким ограниченным разрешением и масштабом и не хранится таким образом, чтобы сохранить их в безопасности для будущих поколений.

    Джонатан Болл

    Вопрос: Расскажите об искусстве и своем любимом художественном движении.

    Джонатан Болл: Сложно, потому что мне нравится очень много стилей. Но я считаю, что если я нахожусь в художественной галерее, я люблю современную живопись, потому что она таит в себе так много сюрпризов и менее предсказуема, чем предыдущие эпохи.

    Мне нравятся причудливые современные иллюстрации, особенно неброские художественные формы и смеси готики и мифологии.

    3. Эстетика в цифровом искусстве

    В середине ХХ века концептуальные трансформации, возникшие в результате новых подходов к искусству, привели к кризису эстетики, что проявилось в новых художественных медиа.

    Альберто Черритеньо

    Заимствуя многие условности традиционных медиа, цифровое искусство может опираться на эстетику из многих других областей.Но против него были высказаны различные критические замечания: например, учитывая разнообразие имеющихся в их распоряжении инструментов, сколько усилий на самом деле нужно прикладывать цифровым художникам к своей работе?

    Я спросил у Яна Виллема Веннекеса, также известного как Цептонн, его мнение по этому поводу. Он фрилансер, специализирующийся на иллюстративном дизайне и художественном руководстве, с акцентом на экологически чистые и экологические проекты.

    Ян Виллем Веннекес: Вопрос кажется несколько двусмысленным. С одной стороны, возникает вопрос об усилиях, необходимых для создания цифрового искусства.То есть некоторые люди могут подумать, что использовать цифровые медиа для создания произведений искусства проще, чем традиционные медиа. С другой стороны, кажется, возникает вопрос, является ли цифровое искусство формой искусства само по себе (или, может быть, вообще?).

    Что касается первого вопроса, я думаю, что работа с цифровыми носителями (в основном компьютер, мышь, Wacom, сканер, программное обеспечение и т. Д.) Не должна отличаться от создания произведений искусства на других носителях. Компьютер и все инструменты, созданные программным обеспечением, остаются тем, чем они являются: инструментами! Вы должны овладеть этими инструментами так же, как и любыми другими инструментами.Например, если вы не понимаете, как работает свет, вы не сможете создавать изображения с правильным освещением и т. Д. Если вы не знаете, как работает инструмент «Перо» в Illustrator, вы не сможете создавать хорошие иллюстрации, как традиционный художник, не умеющий пользоваться карандашом. Вам все еще нужно овладеть теорией цвета и всем остальным, что необходимо для создания хорошего или потрясающего произведения искусства. В этом смысле не имеет значения, картина это или гравюра. Проще говоря, вы должны овладеть всеми инструментами и теорией так же, как вам приходилось осваивать их раньше.И чем лучше вы их освоите, тем лучше будут ваши работы.

    Ян Виллем Веннекес

    Ян Виллем Веннекес: Теперь можно задаться вопросом, является ли цифровое искусство отдельным видом искусства. Это сложный вопрос, и на него нелегко ответить. Я думаю, что разница здесь в том, что «цифровое искусство» — это скорее групповой термин, чем просто одна форма искусства. Существует много видов цифрового искусства: некоторые очень похожи на картины, некоторые — на фотографии, некоторые — на рисунки, а другие выглядят совершенно новыми и уникальными (например,грамм. компьютерная графика). Таким образом, в некотором смысле цифровое искусство состоит как из пересекающихся, так и из новых видов искусства.

    Фотография когда-то рассматривалась как конкурент портретной живописи, но в конце концов она стала самостоятельной формой искусства с множеством направлений и сфер интересов. Фактически, живопись выиграла от развития фотографии, и каждая из них добавляла друг друга и возобновляла интерес к искусству в целом. В настоящее время мы не рассматриваем фотографию как конкурента живописи; мы рассматриваем их как разные средства массовой информации с разными преимуществами и недостатками.Я думаю, что то же самое можно сказать и о новых формах цифрового искусства.

    Работы Цептонна можно охарактеризовать как позитивные, экологичные, простые, причудливые, красочные, фантастические и иллюстративные. Он отличается нарисованными вручную элементами, милыми узорами и пышными линиями. И вы можете обнаружить, что тут и там появляются какие-то существа. Чтобы узнать больше, посетите его веб-сайт или подпишитесь на него в Twitter.

    4. Искусство в том виде, в каком мы его знаем сегодня

    ХХ век стал поворотным моментом в нашем понимании искусства, и именно поэтому современные художники часто тянутся к новым концепциям, ломают традиции и отвергают классические представления о прекрасном.Все эти факторы породили абстрактное искусство. Художник больше не пытается отражать реальность, а пытается выразить свой внутренний мир и чувства.

    Старые определения искусства устарели. Сегодня искусство — это развивающаяся и глобальная концепция , открытая для новой интерпретации, слишком изменчивая, чтобы ее можно было определить.

    Дэн Май

    Я взял интервью у Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы исследовать новые элементы современного искусства и ответить на вопрос, какие новые элементы и принципы очевидны в современном искусстве.

    Нейт Уильямс, также известный как Александр Блю, художник, иллюстратор и дизайнер из США. У него обширный опыт работы в различных сферах индустрии иллюстрации, и у него есть множество клиентов. Его иллюстрации ориентированы как на взрослых, так и на детей. Он также работал в сфере рекламы и издательского дела, музыки, моды, текстиля, домашнего декора, мерчендайзинга, плакатов, прессы и социального самовыражения.

    Трэвис Лампе — иллюстратор, который в настоящее время живет и работает в Чикаго.Работал арт-директором в рекламе. После двухлетнего пребывания в Варшаве он вернулся в Чикаго и попробовал свои силы в области искусства и иллюстрации. Ему нравится создавать произведения искусства и игрушки, и он выставлялся в прекрасных галереях США и Европы.

    Вопрос: Какое влияние на вашу работу оказывают новые медиа? Как вы относитесь к цифровому искусству? Вы считаете себя традиционным художником?

    Джонатан Болл: Он имеет большое влияние.Я думаю, что благодаря моим познаниям в программировании это влияет на мою работу. Я думаю в терминах модульных частей и переменных.

    Нейт Уильямс: «Мое определение искусства — играть, проявлять любопытство, открывать, выражать».

    Трэвис Лампе: Я традиционный художник, работаю акрилом, но я бы не смог работать без компьютеров. Например, когда я разрабатываю игрушки, я использую компьютеры для сканирования и создания векторной графики из моих оригинальных картин. Однако я не создаю цифровое искусство само по себе. Чисто цифровая работа может быть красивой, но для меня есть ценность в наличии осязаемого и уникального продукта, а не набора данных.

    Однако, несомненно, в моем традиционном искусстве на меня повлияло знакомство с идеями, которые я обнаружил в Интернете. Это отличное место, например, для поиска старинных мультфильмов.

    Вопрос: Трэвис, если когда-то целью искусства было создание красоты и подражание природе, то сегодня концепция динамично развивается и постоянно меняется. На ваш взгляд, как Интернет и новые способы общения повлияли на развитие изобразительного искусства, его концептуальные предпосылки и его физическое исполнение?

    Трэвис Лампе: Интернет больше всего влияет на развитие искусства, просто открывая большему количеству людей больше искусства.К сожалению, многие из них действительно ужасны, как и следовало ожидать. Любой, у кого есть шариковая ручка и цифровой фотоаппарат, может выложить свои работы на всеобщее обозрение. И это нормально. Думаю, крем просто естественно поднимается наверх. Идеи по-прежнему важны, гораздо важнее, чем технические навыки, и Интернет нисколько этого не изменил. Я видел много рисунков с шариковой ручкой, которые мне действительно нравятся.

    Что касается физического исполнения, то оно эволюционировало так же, как и всегда: как только появляется новый носитель, возникает борьба за его использование по-новому и творчески.Я не знаю, повлиял ли Интернет на физическое исполнение произведений искусства так сильно, как сами компьютеры. Это просто упростило распространение.

    Трэвис Лампе

    Больше общения — отличный способ PR и в этом смысле большой подспорье для художников. И больше общения должно означать больше идей, возникающих вокруг, что в идеале должно привести к лучшему концептуальному мышлению. Но большая часть «общения» — пустяк. И я думаю, что есть порог, за которым постоянная связь перестает быть полезной.Художникам нужно какое-то разрозненное время, чтобы творческие идеи слились воедино. Думаю, успешные художники — это те, кто дисциплинирован и способен уравновесить все это.

    Вопрос: Можно ли сказать, что искусство и новая социальная сеть связаны? Являются ли социальные сети эффективным способом улучшения творческих сообществ?

    Джонатан Болл: Конечно. Искусство связано со всем в нашей среде, что влияет на его создателей. Что касается социальных сетей, я думаю, что возможность лучше общаться — это всегда улучшение.

    Трэвис Лампе: Социальные сети отлично подходят для обмена результатами; Это позволило мне постоянно общаться и видеть работы других художников, которыми я восхищаюсь. И это делает долгую работу в подвале немного менее уединенным занятием, когда вы можете показать миру, что вы сделали, сразу после того, как закончили. С другой стороны, социальные сети постоянно отвлекают. Когда я хочу закончить работу, я отключаюсь. Так что я люблю это и ненавижу одинаково.

    Изобразительное искусство включает в себя множество форм искусства, наиболее широко признанными являются живопись, рисунок, скульптура, музыка, литература и исполнительское искусство.Однако с технологической революцией появились и другие формы.

    Леандро Лима

    Итак, каковы именно отношения между этими новыми формами выражения и современными художниками? Макс Костенко и Пино Ламанна любезно ответили на мои вопросы, что позволило нам разобраться в теме.

    Макс Костенко — российский иллюстратор. Он специализируется на трехмерной цифровой иллюстрации и дизайне персонажей. Он работает фрилансером во многих российских студиях и агентствах по всему миру, таких как «Котеткат» и «Лимонад».

    Пино Ламанна, также известная как SchakalWal, — иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.

    Вопрос: Представьтесь, пожалуйста, и о своей работе. Как вы начали работать в этой области?

    Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко. Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы. Я занимаюсь иллюстрациями около года. Раньше я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.

    Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немец, цифровой художник, живущий и работающий в городе Вупперталь, Германия.

    В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализируясь на уникальном брендинге, ручной типографике и дизайне персонажей. На большую часть моей работы сильно повлияли граффити и стрит-арт, олдскульные мультфильмы и музыка, которую я слушаю. Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в урбанистическом стиле.

    Я сделал первые шаги в качестве дизайнера, когда был маленьким ребенком, рисовал комиксы с собственными супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я заинтересовался движением граффити и уличного искусства.

    Первое, что меня привлекло в цифровом искусстве, — это фотоманипуляции. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства. Позже я переключил свое внимание на иллюстрацию, брендинг и типографику, что, на мой взгляд, мне больше всего подходит.

    Вопрос: Расскажите немного о своих работах.Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?

    Макс Костенко: В своей работе я использую только фотошоп. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем я действительно хочу работать, потому что работа дизайнера казалась мне скучной, и поэтому я начал рисовать несколько глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, нарисовав их. В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю обычную круглую кисть и начинаю рисовать.

    Макс Костенко

    Пино Ламанна: Несмотря на то, что работа в Illustrator или других векторных инструментах является обычным делом для моей работы, я создаю большую часть своих работ в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу с собой поделать. Вообще нет большой разницы, потому что Photoshop также имеет возможности векторного редактирования.

    Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.

    Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело.Однако первые шаги были довольно трудными. Я помню, как меня поразило множество вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоить различные техники и методы.

    Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и много знал о редактировании векторных изображений в Photoshop. И, конечно же, повсюду есть учебники по Illustrator.

    Вопрос: Что является основным источником вдохновения для ваших работ? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?

    Макс Костенко: Мое вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте.Я всегда ищу работы известных художников: они стимулируют меня расти и совершенствоваться. Я познакомился с цифровым искусством через Общество цифровых художников, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать». Но потом я постепенно рисовал такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому нужно научиться.

    Pino Lamanna: Вдохновение может прийти от чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши.На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. Д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и в конце концов эти сообщества помогли мне определить меня как художника.

    Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?

    Макс Костенко: Самое главное — это базовая идея, я думаю, план.Если он у вас есть, можете приступать к рисованию. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, поэтому я начинаю с больших фигур, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это для меня самое сложное. В конце завершаю окончательные детали.

    Pino Lamanna: У меня всегда под рукой ручка и бумага, даже в спальне. Никогда не знаешь, когда идеи придут тебе в голову, и тебе лучше сэкономить, прежде чем забыть.

    Мозговой штурм и наброски очень важны для меня.Если идеи возникают во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все, чем занимаюсь, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.

    Пино Ламанна

    При работе с клиентами очень важны исследования. Без подробного брифинга найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть непросто. Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.

    Еще один важный аспект моего творческого процесса — терпение. Часто я нахожу хороший ход и не могу перестать работать над конкретным дизайном, пока не стану счастливым (и не измотанным).Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до следующего дня. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда смотрю на свою работу с небольшого расстояния.

    Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.

    Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом.После школы я пытался поступить в колледж автомобильного дизайна, но получил отказ… даже сдав экзамены по рисованию на удивление хорошо.

    Pino Lamanna: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и упорно тренировался, чтобы создавать самых могущественных супергероев и злодеев в мире. Я могу вспомнить только одного персонажа из тех дней: Супер-лягушка. (Я знаю, что это отстой, так что не будь злым!)

    Позже у меня появился опыт работы с граффити и стрит-артом. Однако так и не попал в All City Kings.

    Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что в последние пару лет я уделял основное внимание цифровым технологиям.

    Вопрос: Как бы вы охарактеризовали свое отношение к традиционному искусству? Кто твой любимый художник?

    Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковской галерее и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте столетия назад. Каждый раз удивляюсь таланту классических художников.

    Мне нравятся русские художники-пейзажисты.Василий Поленов и Иван Шишкин для меня лучшие в мастерстве.

    Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому важно саморекламы.

    Я спросил Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейме Макгоуэна, Криса Пьяшика и Ирму Грюнхольц, чтобы узнать их мнение об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.

    Боб Флинн — карикатурист, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией.В настоящее время он живет в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы появлялись в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.

    Алекс Дукал — иллюстратор, родился и вырос в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.

    Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстрации и комиксов.Проработав некоторое время в основном в области веб-дизайна, Алекс решил вернуться к иллюстрации. Сейчас он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.

    Джейми Макгоуэн — художник-фрилансер и трехмерный иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.

    Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?

    Боб Флинн: У меня есть веб-сайт, но мне очень лень его обновлять.И я обнаружил, что у меня там меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, в который гораздо проще добавить. Веб-сайт-портфолио — это больше структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, которые хотят профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и практически не предлагает возможности для двустороннего общения. Вы практически не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением одного-двух дружеских писем в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.

    Помимо ведения блога (моя основная точка общения), в настоящее время я использую Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, Google Buzz. Стоит ли участвовать во всех из них? Наверное. Я обнаружил, что на самом деле нельзя находиться в слишком многих местах, хотя порог рассудка определенно существует. Разная аудитория посещает каждое социальное пространство (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить наибольшее количество людей — быть повсюду.

    Twitter в настоящее время является лучшим местом для отслеживания людей в отрасли и общения с коллегами, но не все там.Facebook — это то место, где находятся все остальные, хотя совмещение друзей, семьи и бизнеса, по общему признанию, обременительно. Вы должны избавиться от беспорядка (я меньше фанат его все более и более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr самый простой: загружайте иллюстрации, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и он до сих пор не разработал собственной индивидуальности. Но вам, вероятно, следует быть в другом месте.

    Я могу отслеживать большинство потенциальных клиентов и связей с помощью твита здесь или комментария там.Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивном ключе, вы действительно не ошибетесь.

    Движимый одержимостью оригинальными мультфильмами, основанными на оптимизме и окрашенными в гротеск, Боб Флинн продолжает превращать бессмысленных существ в комиксы, иллюстрации и анимацию.

    Alex Dukal: Да, у меня есть портфолио в Интернете с 1998 года, и в настоящее время я много пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Flickr.Когда он только вышел, я использовал Orkut. Я попробовал Живую ленту Google, и она мне не понравилась. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы узнать, превратится ли он когда-нибудь во что-нибудь интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.

    Джейми МакГоуэн: Да, у меня есть веб-сайт для моего портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался, и теперь я тоже в Твиттере.

    Вопрос: Пишете ли вы статьи для собственного блога или для других блогов и публикаций? Считаете ли вы какой-либо из них эффективным способом заявить о себе?

    Боб Флинн: Я регулярно публикую художественные работы в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию во Flash.Простое присутствие в Интернете — хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы можете оказать, поделившись информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию в процессе работы, и это сделает публикации более интересными.

    Но я бы не стал участвовать в этом только для того, чтобы раскрыть свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отпугнуть людей. Ключевое значение имеет участие: мне нравится читать то, что говорят все остальные. На самом деле в этом есть большая ценность.

    Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Gray Matter, старый инструмент для ведения блогов. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, разделил свое портфолио и блог (теперь в Blogger) для удобства. В блоге время от времени я буду писать статьи или учебники. Судя по полученным отзывам, я считаю это эффективным методом продвижения.

    Джейми МакГоуэн: У меня есть блог, в котором я размещаю изображения своей незавершенной работы и обновления текущих проектов, в которых я участвую.Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта портфолио были направлены туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто написал в своем блоге о моей работе. Я думаю, если вы будете обновлять свой блог и регулярно публиковать сообщения, это станет бесценным инструментом для популяризации вашего имени.

    Вопрос: Какие проблемы возникают при создании стратегии саморекламы? Вы реализовали для себя стратегию саморекламы? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени нужно, чтобы стратегия начала работать в его пользу?

    Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо создавал настоящую стратегию.Вы разговариваете с парнем, который даже не рассылал промо-карту. Мой подход заключался в том, чтобы выставить себя и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой пословицы: «Просто будь собой» — вот чем ты выделяешься из остальной стаи. Я стараюсь обновлять свой блог хотя бы раз в неделю, чтобы люди возвращались. Следить за статистикой вашего сайта — это хороший способ узнать, что остается неизменным (т. Е. Откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные сообщения).

    Alex Dukal: Да, конечно, для художника-фрилансера самореклама абсолютно необходима.Я думаю, что первая задача — иметь что сказать, что показать, надежное портфолио для поддержки этого продвижения.

    Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс веб-сайта, что делает его доступным и простым. А еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, базы данных контактов и т. Д. Это большой сад; нужно поливать и ухаживать за ним каждый день.

    Я думаю, что такую ​​стратегию следует продумывать на разных этапах. И нельзя ожидать чуда раньше, чем через полгода (хотя чудеса случаются).

    Alex Dukal

    Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, глядя на сети, в которые были вовлечены успешные артисты, которыми я восхищался, и я попытался сделать что-то подобное.Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают мне работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.

    Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно же, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть действительно заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и иметь деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время, ничего не отдавая.Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: время от времени сообщайте людям, чем вы занимаетесь, и верьте, что они будут следовать за вами, если им понравится то, что они видят.

    Вопрос: Регулярно ли вы размещаете свои работы в онлайн-галереях? Это полезно для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?

    Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на замечательном веб-сайте Нейта Уильямса под названием Illustration Mundo, но я никогда не помещал свои работы в онлайн-галерею (и не платил за что-либо подобное).Думаю, я считаю, что мой блог преследует именно эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.

    Пино Ламанна, также известная как SchakalWal, — иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.

    Вопрос: Представьтесь, пожалуйста, и о своей работе. Как вы начали работать в этой области?

    Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко. Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы.Я занимаюсь иллюстрациями около года. Раньше я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.

    Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немец, цифровой художник, живущий и работающий в городе Вупперталь, Германия.

    В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализируясь на уникальном брендинге, ручной типографике и дизайне персонажей. На большую часть моей работы сильно повлияли граффити и стрит-арт, олдскульные мультфильмы и музыка, которую я слушаю.Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в урбанистическом стиле.

    Я сделал первые шаги в качестве дизайнера, когда был маленьким ребенком, рисовал комиксы с собственными супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я заинтересовался движением граффити и уличного искусства.

    Первое, что меня привлекло в цифровом искусстве, — это фотоманипуляции. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства. Позже я переключил свое внимание на иллюстрацию, брендинг и типографику, что, на мой взгляд, мне больше всего подходит.

    Вопрос: Расскажите немного о своих работах. Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?

    Макс Костенко: В своей работе я использую только фотошоп. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем я действительно хочу работать, потому что работа дизайнера казалась мне скучной, и поэтому я начал рисовать несколько глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, нарисовав их.В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю обычную круглую кисть и начинаю рисовать.

    Макс Костенко

    Пино Ламанна: Несмотря на то, что работа в Illustrator или других векторных инструментах является обычным делом для моей работы, я создаю большую часть своих работ в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу с собой поделать. Вообще нет большой разницы, потому что Photoshop также имеет возможности векторного редактирования.

    Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.

    Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело. Однако первые шаги были довольно трудными. Я помню, как меня поразило множество вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоить различные техники и методы.

    Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и много знал о редактировании векторных изображений в Photoshop.И, конечно же, повсюду есть учебники по Illustrator.

    Вопрос: Что является основным источником вдохновения для ваших работ? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?

    Макс Костенко: Мое вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте. Я всегда ищу работы известных художников: они стимулируют меня расти и совершенствоваться. Я познакомился с цифровым искусством через Общество цифровых художников, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать.«Но потом я постепенно начал рисовать такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому нужно научиться.

    Pino Lamanna: Вдохновение может прийти от чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши. На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. Д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и в конце концов эти сообщества помогли мне определить меня как художника.

    Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?

    Макс Костенко: Самое главное — это базовая идея, я думаю, план. Если он у вас есть, можете приступать к рисованию. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, поэтому я начинаю с больших фигур, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это для меня самое сложное. В конце завершаю окончательные детали.

    Pino Lamanna: У меня всегда под рукой ручка и бумага, даже в спальне. Никогда не знаешь, когда идеи придут тебе в голову, и тебе лучше сэкономить, прежде чем забыть.

    Мозговой штурм и наброски очень важны для меня. Если идеи возникают во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все, чем занимаюсь, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.

    Пино Ламанна

    При работе с клиентами очень важны исследования. Без подробного брифинга найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть непросто.Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.

    Еще один важный аспект моего творческого процесса — терпение. Часто я нахожу хороший ход и не могу перестать работать над конкретным дизайном, пока не стану счастливым (и не измотанным). Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до следующего дня. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда смотрю на свою работу с небольшого расстояния.

    Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.

    Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом. После школы я пытался поступить в колледж автомобильного дизайна, но получил отказ… даже сдав экзамены по рисованию на удивление хорошо.

    Pino Lamanna: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и упорно тренировался, чтобы создавать самых могущественных супергероев и злодеев в мире.Я могу вспомнить только одного персонажа из тех дней: Супер-лягушка. (Я знаю, что это отстой, так что не будь злым!)

    Позже у меня появился опыт работы с граффити и стрит-артом. Однако так и не попал в All City Kings.

    Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что в последние пару лет я уделял основное внимание цифровым технологиям.

    Вопрос: Как бы вы охарактеризовали свое отношение к традиционному искусству? Кто твой любимый художник?

    Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковской галерее и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте столетия назад.Каждый раз удивляюсь таланту классических художников.

    Мне нравятся русские художники-пейзажисты. Василий Поленов и Иван Шишкин для меня лучшие в мастерстве.

    Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому важно саморекламы.

    Я спросил Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейме Макгоуэна, Криса Пьяшика и Ирму Грюнхольц, чтобы узнать их мнение об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.

    Боб Флинн — карикатурист, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией. В настоящее время он живет в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы появлялись в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.

    Алекс Дукал — иллюстратор, родился и вырос в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.

    Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстрации и комиксов. Проработав некоторое время в основном в области веб-дизайна, Алекс решил вернуться к иллюстрации. Сейчас он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.

    Джейми Макгоуэн — художник-фрилансер и трехмерный иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.

    Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?

    Боб Флинн: У меня есть веб-сайт, но мне очень лень его обновлять.И я обнаружил, что у меня там меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, в который гораздо проще добавить. Веб-сайт-портфолио — это больше структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, которые хотят профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и практически не предлагает возможности для двустороннего общения. Вы практически не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением одного-двух дружеских писем в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.

    Помимо ведения блога (моя основная точка общения), в настоящее время я использую Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, Google Buzz. Стоит ли участвовать во всех из них? Наверное. Я обнаружил, что на самом деле нельзя находиться в слишком многих местах, хотя порог рассудка определенно существует. Разная аудитория посещает каждое социальное пространство (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить наибольшее количество людей — быть повсюду.

    Twitter в настоящее время является лучшим местом для отслеживания людей в отрасли и общения с коллегами, но не все там.Facebook — это то место, где находятся все остальные, хотя совмещение друзей, семьи и бизнеса, по общему признанию, обременительно. Вы должны избавиться от беспорядка (я меньше фанат его все более и более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr самый простой: загружайте иллюстрации, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и он до сих пор не разработал собственной индивидуальности. Но вам, вероятно, следует быть в другом месте.

    Я могу отслеживать большинство потенциальных клиентов и связей с помощью твита здесь или комментария там.Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивном ключе, вы действительно не ошибетесь.

    Движимый одержимостью оригинальными мультфильмами, основанными на оптимизме и окрашенными в гротеск, Боб Флинн продолжает превращать бессмысленных существ в комиксы, иллюстрации и анимацию.

    Alex Dukal: Да, у меня есть портфолио в Интернете с 1998 года, и в настоящее время я много пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Flickr.Когда он только вышел, я использовал Orkut. Я попробовал Живую ленту Google, и она мне не понравилась. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы узнать, превратится ли он когда-нибудь во что-нибудь интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.

    Джейми МакГоуэн: Да, у меня есть веб-сайт для моего портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался, и теперь я тоже в Твиттере.

    Вопрос: Пишете ли вы статьи для собственного блога или для других блогов и публикаций? Считаете ли вы какой-либо из них эффективным способом заявить о себе?

    Боб Флинн: Я регулярно публикую художественные работы в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию во Flash.Простое присутствие в Интернете — хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы можете оказать, поделившись информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию в процессе работы, и это сделает публикации более интересными.

    Но я бы не стал участвовать в этом только для того, чтобы раскрыть свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отпугнуть людей. Ключевое значение имеет участие: мне нравится читать то, что говорят все остальные. На самом деле в этом есть большая ценность.

    Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Gray Matter, старый инструмент для ведения блогов. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, разделил свое портфолио и блог (теперь в Blogger) для удобства. В блоге время от времени я буду писать статьи или учебники. Судя по полученным отзывам, я считаю это эффективным методом продвижения.

    Джейми МакГоуэн: У меня есть блог, в котором я размещаю изображения своей незавершенной работы и обновления текущих проектов, в которых я участвую.Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта портфолио были направлены туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто написал в своем блоге о моей работе. Я думаю, если вы будете обновлять свой блог и регулярно публиковать сообщения, это станет бесценным инструментом для популяризации вашего имени.

    Вопрос: Какие проблемы возникают при создании стратегии саморекламы? Вы реализовали для себя стратегию саморекламы? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени нужно, чтобы стратегия начала работать в его пользу?

    Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо создавал настоящую стратегию.Вы разговариваете с парнем, который даже не рассылал промо-карту. Мой подход заключался в том, чтобы выставить себя и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой пословицы: «Просто будь собой» — вот чем ты выделяешься из остальной стаи. Я стараюсь обновлять свой блог хотя бы раз в неделю, чтобы люди возвращались. Следить за статистикой вашего сайта — это хороший способ узнать, что остается неизменным (т. Е. Откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные сообщения).

    Alex Dukal: Да, конечно, для художника-фрилансера самореклама абсолютно необходима.Я думаю, что первая задача — иметь что сказать, что показать, надежное портфолио для поддержки этого продвижения.

    Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс веб-сайта, что делает его доступным и простым. А еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, базы данных контактов и т. Д. Это большой сад; нужно поливать и ухаживать за ним каждый день.

    Я думаю, что такую ​​стратегию следует продумывать на разных этапах. И нельзя ожидать чуда раньше, чем через полгода (хотя чудеса случаются).

    Alex Dukal

    Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, глядя на сети, в которые были вовлечены успешные артисты, которыми я восхищался, и я попытался сделать что-то подобное.Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают мне работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.

    Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно же, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть действительно заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и иметь деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время, ничего не отдавая.Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: время от времени сообщайте людям, чем вы занимаетесь, и верьте, что они будут следовать за вами, если им понравится то, что они видят.

    Вопрос: Регулярно ли вы размещаете свои работы в онлайн-галереях? Это полезно для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?

    Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на замечательном веб-сайте Нейта Уильямса под названием Illustration Mundo, но я никогда не помещал свои работы в онлайн-галерею (и не платил за что-либо подобное).Думаю, я считаю, что мой блог преследует именно эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.

    Алекс Дукал: Вовсе не на оба вопроса. Десять лет назад, если кто-то предлагал вам показать некоторые из ваших работ в онлайн-галерее, это было мило и лестно. Сегодня я думаю, что нам нужно быть осторожными, потому что критерии отбора часто не так хороши, и на эти детали также нужно обращать внимание. Если вы разместите свою работу не в том месте, это может иметь отрицательный результат. В принципе, доверие должно исходить от самой работы.

    Jayme McGowan: У меня есть профиль на Illustration Mundo, отличном веб-сайте, который функционирует в основном как каталог иллюстраторов, а не как галерея как таковая. Честно говоря, я не участвую ни в каких онлайн-галереях. Я уверен, что это отличный способ получить обратную связь от коллег, но я не уверен, что это повысит доверие к вам как к профессионалу. Я сам могу поддерживать только определенное количество веб-страниц, поэтому стараюсь ограничить их теми, от которых я получаю наибольшую выгоду, теми, где, как мне кажется, меня могут найти арт-директора и покупатели.

    Джейми МакГоуэн

    Крис Пьяскик — внештатный дизайнер и иллюстратор, который активно участвует в дизайнерском сообществе. Обладая шестилетним профессиональным опытом в отмеченных наградами фирмах Новой Англии, он опубликовал работы в многочисленных книгах и публикациях, включая серию Logo Lounge , Typography Essentials и Lettering: Beyond Computer Graphics . В настоящее время он ежедневно размещает рисунки на своем веб-сайте.

    Ирма Грюнхольц — испанский иллюстратор, специализирующаяся на глине и других материалах, что позволяет ей работать с объемами.Ее работы используются в книгах, журналах, рекламе и интернет-маркетинге.

    Вопрос: Принимаете ли вы активное участие во всех социальных сообществах, к которым вы присоединились? Сколько времени вы выделяете для общения в социальных сетях? Обязуетесь ли вы регулярно публиковать новые работы и личные обновления?

    Chris Piascik: Я остаюсь активным во многих социальных сообществах. Признаюсь, я присоединился к некоторым, но не успевал за ними! Я не особо выделяю время для общения в социальных сетях, хотя, вероятно, это хорошая идея.Вместо этого я разбрасываю его в течение дня, будь то просмотр Twitter на моем iPhone при экспорте большого файла на моем компьютере или откладывание начала нового проекта. Все дело в многозадачности! Я думаю, что самое большое, что помогло мне в социальных сетях, — это мои ежедневные рисунки. Я размещаю новый рисунок с понедельника по пятницу на Flickr, а затем размещаю его на своем личном веб-сайте, и эти обновления поступают в мои учетные записи Twitter и Facebook.

    Крис Пиаскик

    Ирма Грюнхольц: Да, у меня есть блог, и я участвую в некоторых социальных сообществах, таких как Flickr и Behance.К сожалению, у меня не так много времени для очень активного присутствия. Я хотел бы посвятить больше времени, потому что это хороший способ не отставать и видеть работы других художников.

    Вопрос: В настоящее время какое сообщество является наиболее ценным для поиска работы?

    Chris Piascik: Я думаю, что большинство существующих сетей имеют ценность. Я действительно думаю, что Flickr работает действительно хорошо. Моя страница Flickr, похоже, привлекает больше всего трафика из всех моих веб-сайтов.Flickr настолько обширен, что многие люди используют его для исследования изображений. Я думаю, что мои ежедневные обновления помогают мне не потеряться в работе.

    Irma Gruenholz: Основываясь на личном опыте, Behance является хорошей платформой для демонстрации ваших работ арт-директорам и покупателям произведений искусства. Я немного поработал над этим.

    Вопрос: Насколько важно создавать сообщения, которые вы отправляете, и поддерживать профессиональный вид вашего веб-сайта?

    Chris Piascik: Я не подвергаю себя цензуре.Я считаю, что сохранять честность — это хорошо. Моя работа имеет некоторую индивидуальность; многое из этого имеет нечеткое качество — сочетание этого с холодным или профессиональным присутствием в сети могло бы показаться странным. Расширение ваших социальных сетей требует, чтобы вы были собой… до тех пор, пока «самим собой» интересно!

    Ирма Грюнхольц: Для художника очень важно присутствие в Интернете. Это лучший способ показать свою работу остальному миру. Так что обновляйте свой веб-сайт и упростите общение с людьми, которые хотят следить за вашей работой.

    Ирма Грюнхольц

    Вопрос: Как вы находите время для социальных сетей? Вы привержены только тем веб-сайтам, от которых вы можете получить какую-то профессиональную выгоду?

    Крис Пяскик: Я полностью перестал спать. Я просто поливаю его в течение дня. Это хороший способ начать свой день за чашкой кофе или за обедом. Я бы не сказал, что ограничиваю себя только веб-сайтами, которые приносят мне пользу, хотя я считаю, что все сети помогают. Видимость — это видимость.Я использую социальные сети, чтобы оставаться на связи с друзьями, так что это не совсем мое дело.

    Ирма Грюнхольц: У меня мало времени для социальных сетей, поэтому я предпочитаю сосредоточиться на сообществах, связанных с моей профессией.

    Избранные художники

    Чтобы понять значение искусства и его развитие с течением времени, я взял интервью у Александра Данилова и Джонатана Болла. Чтобы изучить эстетику цифрового искусства, я поговорил с Яном Виллемом Веннекесом, который затронул некоторые важные моменты, связанные с различиями между цифровыми художниками и другими художниками, а также с природой самого цифрового искусства.

    Я также представляю Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы узнать больше об их работе и их отношении к технологиям, включая инструменты цифрового искусства и социальные сети, а также изучить, как Интернет влияет на развитие искусства.

    Чтобы лучше понять взаимосвязь между современными художниками и новыми методами и инструментами для создания искусства, я взял интервью у Макса Костенко и Пино Ламанны. Я сосредоточился на их творческом процессе и профессиональном опыте, от их начала работы до их нынешних источников вдохновения.

    Наконец, я взял интервью у Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейме Макгоуэна, Криса Пьяскика и Ирмы Грюнхольц, спросив их мнение о проблемах, с которыми сталкиваются художники при продвижении себя и своей работы в новой сети, пытаясь запечатлеть свой опыт в социальных сетях и в Интернете. арт-сообщества.

    Каждый из этих художников обладает особым стилем и является активным членом художественного сообщества. Таким образом, они могут стать источником вдохновения для многих. Я надеюсь, что их идеи будут полезны.

    А ты? Что для тебя искусство?

    (al) .

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.