Актёрство это: это … значение слова АКТЕРСТВО

Можно ли стать актером без актерского образования в Москве

Если вы твердо решили стать актером и уверены в наличии у вас необходимых навыков, то вам пора начинать ходить на кастинги. Кастинг — это волнительное даже для профессионального артиста испытание, ведь от его результата зависит, получит ли актер работу. Мы собрали основные советы для успешного прохождения кастингов:

  • Соберите как можно больше доступной информации о кастинге и режиссере, если вы знаете кого-то, кто уже проходил этот кастинг, поинтересуйтесь у них о требованиях и критериях отбора.
  • Сделайте себе актерское портфолио у профессионального фотографа. Хорошие снимки с выгодной стороны продемонстрируют ваше умение работать в кадре. 
  • Если для прослушивания необходимо подготовить какой-то материал, не игнорируйте это требование. 
  • Не забудьте отключить звук на мобильном телефоне до начала отборочных испытаний. 
  • Приезжайте на кастинг заранее, чтобы у вас было время подготовиться в спокойной обстановке.
  • Прислушивайтесь к требованиям, комментариям и критике, они помогут сделать вашу игру более профессиональной и увеличат шансы быть замеченными.

Самостоятельное освоение актерской профессии  — дело длительное, требующее упорства и целеустремленности. Чтобы овладеть теоретическими и практическими навыками и стать актером без образования как можно быстрее, приходите в творческую театральную студию в Москве «Актер и Ко». 

У нас вы найдете:

  • Профессиональных педагогов — преподавателей московских театральных ВУЗов.
  • Регулярную сценическую практику на городских мероприятиях и конкурсах.
  • Мастер-классы от педагогов New York Film Academy.
  • Занятия по основам работы с камерой.
  • Кастинги кинокомпаний, проходящие в нашем творческом центре.

Чтобы записаться на пробное занятие в театральную студию «Актер и Ко» в Москве, позвоните по номеру 8 (499) 877-51-81 или заполните форму обратной связи на сайте.

Профессия актера: плюсы и минусы

Прежде, чем пойти учиться на курсы театрального искусства, вы должны полностью ознакомиться с характером данной профессии.  Большинство подростков, которые хотят стать артистами и мечтают поступить в театр, уверены, что это очень простая профессия, которая не требует определенных умственных и физических затрат, а приносит только славу и известность. А кому не хочется быть знаменитым, и при этом практически ничего не делать? Сегодня мы поговорим о профессии актера и более подробно остановимся на плюсах и минусах данного рода занятия.

Плюсы актерской профессии

Во-первых, это очень интересная профессия. Окончив школу ораторского искусства и став артистом, вы сможете постоянно вращаться в кругах творческих людей, каждый из которых является уникальной и неповторимой личностью. Ваша жизнь будет постоянно окрашена только самыми яркими красками. Театральное и киноискусство – это необыкновенно сказочный и увлекательный мир. Вы будете одним из первых, кто будет узнавать обо всем новом, что происходит в кино и театре. Кроме того, вы самостоятельно сможете внести что-то стоящее в искусство нашей страны.

Во-вторых, став актером, вы завоюете славу и народную любовь. Вас будут узнавать на улице. У вас появятся собственные поклонники и возможно даже фан-клуб.

В-третьих, работая актером, вы сможете увидеть новые страны. Театры всегда выезжают на гастроли в разные города. Иногда артисты гастролируют по другим странам. Если вы планируете стать артистом кино, то это не менее увлекательная профессия. Большинство фильмов снимаются не только на территории нашей страны, но и в других странах.

В-четвертых, только в актерской профессии возможно все. Будучи артистом, вы сможете побыть в роли абсолютно разных людей, в том числе, разбойников и бандитов. И за это вас никто не накажет. Также вы сможете попробовать себя в разных профессиях и в амплуа людей с разными характерами, ведение деловых переговоров больше не будет для вас проблемой. На сцене вы можете быть глупым и смешным человеком, и никто о вас плохо не подумает. Артисты могут играть людей противоположного пола. Например, если вы мужчина, то возможно вам придется сыграть роль женщины на сцене. Чем не увлекательный и познавательный опыт? Чтобы убедиться в этом и решить, нужна ли вам такая профессия, можно для начала записаться на курсы “Основы актерского мастерства” Театральной школы Бенефис.

В-пятых, профессия актера является одной из самых социально-значимых. Со сцены театры вы сможете донести до разума и души зрителей свои взгляды на жизнь, философскую позицию. Особенное значение профессия актера играет в формировании будущего поколения, его воспитания и развития.

Кроме всех этих плюсов профессии актера у нее есть и свои минусы.
  1. Во-первых, актерская профессия часто связана с риском получения физических травм. Актеры  на сцене театра и в кино выполняют самые невероятные трюки. Иногда это делают каскадеры, но только в том случае, если трюк связан с риском для жизни.
  2. Во-вторых, актер – это не только профессия, но и стиль жизни человека. Артисты полностью посвящают себя искусству и творчеству. Актеров часто сравнивают с монахами. У людей данной профессии часто не бывает свободного времени, которое  они бы могли посвятить личной жизни, своей семье. Вот почему мы часто слышим из средств массовой информации о неудачных браках артистов. Некоторые вообще не выходят замуж или не женятся.
  3. В-третьих, став актером, вы должны сразу настроиться на то, что на вашем творческом пути вас будут ждать не только слава и успех, но и черные полосы, связанные с затишьем в карьере и популярности. Чтобы избежать этого, вам придется постоянно много работать над собой, над своим талантом. Вы должны постоянно чему-то обучаться, узнавать что-то новое. Например, посещать тренинг развития креативности. Рекомендуется заниматься актерством с раннего возраста, например, посещать театральную студию для детей. Только так вы сможете постоянно быть на модной волне в числе самых популярных актеров нашей страны.

Взрослый человек, который определился с профессией, все равно не должен расслабляться относительно дальнейшей своей жизни и постоянно стремиться к изучению новых областей. Открыть новые горизонты, расширить сознание поможет актерская школа для взрослых от театральной школы Бенефис, где можно раскрыть свой творческий потенциал.

Выберете для себя наиболее подходящий курс. Мы проводим занятия для взрослых и детей в центре Москвы.

Посмотрите видео “Плюсы и минусы профессии актера”:

Записаться на курс

«Актёрство – это божий дар, искусству не научить…» | Новости Кургана и Курганской области

 

Сегодня актёр Курганского театра драмы Анатолий Иванович Кононов отмечает свое 80-летие

В одном из интервью Анатолий Иванович отметил, что «актёрство – это божий дар, искусству не научить, если в душе ничего такого нет…». В его душе есть этот дар, он прекрасен на сцене и в свои 80 лет! Как и его комиссар в мюзикле «В джазе только девушки», поставленном в декабре 2017 года, ярок и выразителен.

Анатолий Иванович начал свою актёрскую деятельность в 1963 году, после окончания Высшего театрального училища имени В. В. Щукина. 55 лет он служит искусству! Его роли на сцене самые разные, но все они дороги артисту.

Родился Анатолий Иванович 8 февраля 1938 года в Барнауле в семье служащего. Впервые попал в наш город младенцем, потом отца перевели в Харьков, затем снова семья переехала в Курган. Театром, по признанию артиста, «болел» с детства, но после окончания школы № 12 пошел учиться в железнодорожное училище. Все два года учёбы мечта о сцене не покидала юношу, и вот, благодаря льготе на бесплатный проезд, помощник машиниста мчится в столицу. В Щукинское он поступил с первого раза, учился вместе с Андреем Мироновым, Валентиной Шарыкиной, Николаем Волковым и другими талантливыми актёрами российской сцены.

Театральные просторы манили молодого актера, он работал на сценах драматических театров Свердловска, Саратова, Ставрополя, Магнитогорска и Калининграда. В памяти актера незабываемые образы, созданные им на сценах театров России в спектаклях великих русских и зарубежных авторов: Гаев в пьесе А. Чехова «Вишневый сад», Григорий Мелехов в спектакле «Тихий Дон» по роману М. Шолохова, Мэкки-Нож в драме Б. Брехта «Трехгрошовая опера», Роберт Джордан по роману Э. Хемингуэя «По ком звонит колокол».

Сцена из спектакля «Соло для часов с боем». Конти — Татьяна Терехова, Абель — Анатолий Кононов.

Но родной для артиста Анатолия Кононова стала сцена Курганского театра драмы. С ноября 1990 года он сыграл на нашей сцене более 40 ролей. Обладая яркой внешностью и одарённостью, импозантный актёр играл и играет самые различные роли: Стародум в комедии Д. Фонвизина «Недоросль», Родион Николаевич в пьесе А. Арбузова «Старомодная комедия», Виктор в драме В. Зорина «Варшавская мелодия», Абель в лирической комедии О. Заградника «Соло для часов с боем». На своем бенефисе в 2013 году Анатолий Иванович блистательно сыграл роль второго плана в комедии С. Белова «Мамуля».

В репертуаре актёра немало замечательных сказочных образов в спектаклях для детей: «Волшебная лампа Аладдина» Д. Краснова – джинн, «Снежная королева» Е. Шварца — советник, в сказке «Буратино» по мотивам А. Толстого — Папа Карло и многие другие роли.

Вместе с коллективом театра он принимает активное участие в театральных гастролях и фестивалях. В Екатеринбурге на IV Международном фестивале драматургии «Коляда-PLAYS» в 2010 году Гран-при получил спектакль «Леди Макбет Мценского уезда» по повести Н. Лескова, Анатолий Иванович исполнял в этой драме роль Бориса Тимофеевича. В 2014 году он участвовал со спектаклем «Очи черные» по повести А. Куприна «Яма» на III Межрегиональном театральном фестивале «Ново-Сибирский транзит» в Новосибирске и на Международном фестивале современной драматургии «Коляда-PLAYS» в Екатеринбурге, исполняя роль Симеона. В 2015 году во внеконкурсном проекте «Маска Плюс» Российского национального фестиваля «Золотая маска» со спектаклем «WASSA» по пьесе М. Горького артист блистательно исполняет роль Прохора Железнова.

Сцена из спектакля «Леди Макбет Мценского уезда». Анатолий Кононов в роли Бориса Тимофеевича.

На областных смотрах-конкурсах актерского мастерства профессиональных театров «Котурны» и «Дары Мельпомены», учрежденных Курганским областным отделением Союза театральных деятелей РФ (ВТО) и областным управлением культуры, Анатолий Иванович неоднократно являлся участником в различных конкурсах и номинациях. За роль Игоря в пьесе Н. Птушкиной «Пока она умирала» в 2001 году он стал победителем в номинации «Лучшая мужская роль первого плана».

Честный и принципиальный актер занимался и общественной деятельностью, три года возглавлял Курганское областное отделение Союза театральных деятелей РФ (ВТО). За мастерство и плодотворный труд он неоднократно награждался благодарственными письмами, Почетными грамотами Министерства культуры РФ и профсоюза работников культуры.

Актёр Курганского театра драмы Анатолий Иванович Кононов.

Анатолий Иванович пользуется заслуженным авторитетом у коллег, для молодого поколения артистов театра является примером интеллигентности и трудолюбия. Заслуженный артист РФ Сергей Сергеевич Радьков, игравший с ним во многих спектаклях, в канун юбилея старшего коллеги отмечает самые главные профессиональные и человеческие качества Анатолия Ивановича: «Он играет роли, не изменяя себе, соответствуя своему внутреннему состоянию. Незабываемы его блистательные образы: истинный англичанин Генри Джеймс в спектакле «Когда лошадь теряет сознание» Ф. Саган, великолепный Бек в «Свадьбе Кречинского» А. Колкера. В нем подкупают доброта, доверчивость, любовь к жизни. Находясь с ним долгие годы в одной гримерке, я никогда не слышал от него каких-либо жалоб, он никому не навязывает своих проблем, ведь Анатолий Иванович — оптимист по натуре».

Татьяна Масленникова, руководитель литературно-драматургической части Курганского театра драмы

Газета Курган и Курганцы Новости Кургана не пропустите важные новости

Владимир Жириновский: И для актёра и для политика публика — это всё

Лидер фракции ЛДПР Владимир Жириновский сыграл одну из ролей на сцене московского театра «Школа современной пьесы».

В спектакле «Подслушанное, подсмотренное, незаписанное» разворачивается несколько историй, каждая из них основана на импровизации. Герой Владимира Вольфовича стал свидетелем знакомства матери молодого человека с его девушкой. Та оказалась старше родительницы жениха. Парламентарий на сцене искромётно шутил и очень понравился зрителям. Владимир Жириновский рассказал «Парламентской газете» о том, что играть на сцене ему не впервой.

— Почему-то сомнений не вызывает то, что вас не пришлось долго уговаривать сыграть роль в этом спектакле.

— Да, это не в первый раз. В 2014 году, в том же театре „Школа современной пьесы“ я участвовал в импровизационном спектакле, где исполнил роль друга знаменитого актёра на праздновании его юбилея. Я должен был показать, что не горю желанием поздравлять товарища и вообще ищу любой повод, чтобы поскорее уехать. Уже тогда мне понравился такой подход к актерской работе, когда действо разворачивается не по жесткому сценарию, а рождается прямо на сцене. Это и мне интересно и зрителям. Поэтому, я сразу согласился поучаствовать и в новом спектакле театра.

— Есть мнение, что каждый политик — это актёр. На ваш взгляд, какие качества актёра нужны политику, зачем?

— И для актёра и для политика публика — это всё. И если работа актёра оценивается по аншлагам в театре или кино, то работа политика — по результатам выборов, долговечности на политической арене, иными словами, по тому, нравится ли он людям. Политик не может существовать без поддержки народа. Но всё же политика сложнее, чем театр. Ведь актер может участвовать в одном спектакле годами, и в итоге он так «зазубривает» свою роль, что играет ее на автомате. А политик каждый день должен импровизировать, потому что жизнь постоянно бросает новые вызовы, а избиратели ждут предложений, как на них реагировать. И ведь нужно не только выдать полезную для общества идею, но и привлечь к ней внимание, увлечь ею людей — это очень сложное, деликатное искусство. Это удается далеко не каждому.

— Вам трудно импровизировать на сцене? Если бы это была работа — можно было в таком режиме играть несколько спектаклей в день?

— Мне вообще не трудно на сцене, потому что я всегда остаюсь самим собой. Мне не приходится имитировать чужие интонации или манеру поведения, я веду себя сообразно обстоятельствам, в которых оказался. Я таков и в политике: никого не изображаю, всегда верен себе.

выпить 50 граммов – это нормально

Ранее художественный руководитель театра Эдуард Бояков отстранил от работы своего подчинённого, от которого пахло спиртным.

Как сообщил радиостанции «Говорит Москва» актёр Антон Хомятов, после случившегося он попал в реанимацию. По его словам, он сам написал заявление об уходе из МХАТ им. Горького два дня назад. Хомятов объяснил своё решение тем, что не хотел вступать в полемику с Бояковым.

«Отыграл спектакль. Мне позвонил завтруппой после этого случая и сказал, что я следующий спектакль играть не буду. Вместо меня придёт актёр из Малого театра, будет меня заменять. На этой почве у меня скакануло давление – 215 на 140 – и я попал в реанимацию. Пролежав в реанимации, я вышел оттуда и через день сыграл спектакль “Отцы и дети”. Я 22 года проработал в Малом театре. Ничего зазорного в этом нет, если человек позволяет себе выпить 50 грамм коньяка. Новый человек диктует свои условия. Мне это непонятно. Отработав три очень серьёзных картины в “Отцах и детях” (я играю Николая Петровича Кирсанова), я позволил себе выпить сто грамм коньяка, не более того. У меня горло болело – для связок».

Хомятов рассказал о диалоге с худруком театра, после которого был уволен.

«С Бояковым произошла встреча в лифте. Он меня спросил: “Как вы живёте?”. Я говорю – воюем, как положено христианину. Он спросил: “Вы не пробовали жить в удовольствие?” Я ответил: “Ну, это кому как господь даёт”. Далее пошёл работать следующую картину второго акта».

Актёр также добавил, что Бояков пригрозил отменять спектакли, если почувствует от артистов хотя бы запах спиртного.

«Эдуард Владиславович сказал: “Если от кого-нибудь во время спектакля я почувствую запах алкоголя, я выйду на сцену, прекращу спектакль, извинюсь перед зрителями и скажу приходить в другой раз”. Для многих это считается просто перебор. А если у человека с сердцем плохо, нужно расширить давление?

Скорее всего, у Боякова трагедия была какая-то связана с этим делом. Я не знаю, в связи с чем он такие радикальные меры принимает».

В театре практически нет непьющих актёров, отметил Антон Хомятов.

«Когда Михаила Ивановича Царёва, художественного руководителя Малого театра, спросили: “Есть хорошие актёры непьющие?” Он ответил: “Ну как… Нет”.

Актёр не имеет права выходить на сцену в пьяном состоянии. Это неуважение к публике. Евгений Валерьянович Самойлов позволял себе выпить за спектакль бутылку коньяка. Но если ты после этого начинал невнятно говорить, то тебя тут же сдавали, потому что ты не держишь удар. Это было нормально. Нас учили так старики. Это наше поколение такое: Высоцкий, Олег Даль, Папанов, Леонов… Выпить 50 грамм – это нормально, мне кажется».

Хомятов рассказал, что сейчас ищет новую работу.

«Вроде как, говорят, что меня оставят на разовых спектаклях за копейки играть. Но для меня важно играть. Я разобрал бы предложения. Может быть, к Женовачу во МХТ им. Чехова пойду».

Новый худрук МХАТ им. Горького Эдуард Бояков также издал приказ о запрете курения на территории театра. Его назначили на эту должность в декабре прошлого года.

 

ИНТЕРВЬЮ | DARIUSZ NOWAK | Танец — это актерство, а актерство — танец

В Санкт-Петербурге с 1 по 6 ноября прошел фестиваль современной хореографии «Сила безмолвия». Польский танцовщик и хореограф Дариуш Новак проводил на фестивале воркшоп. Дариуш миксует хип-хоп и современный танец, и добавляет навыки актерского мастерства. По образованию он «актер танцевального театра», в жизни — он неутомимый исследователь танца, который тренируется с утра до ночи и обучался почти у 40 хореографов. Он считает, что танец и актерство неразделимы, и постоянно на практике это подтверждает.
В мае следующего года в Цюрихе на фестивале израильского искусства Дариуш Новак и Дор Мамалиа представят свой дуэт. Дора в качестве хореографа пригласили выступить на фестивале, а он позвал Дариуша, чтобы вместе с ним создать «что-то особенное и красивое». Работа уже идет полным ходом.
Мы пообщались с  Дариушом Новаком о польском современном танце, связи актерского мастерства и танца, фрилансе и новом дуэте с Дором Мамалиа.

Я вроде как танцманьяк) В Академии я ходил не только на занятия своего курса, но и на классы других курсов.

Ты начинал с хип-хопа,  и потом занялся контемпом. Как это произошло?

 

С 14 лет я занимался хип-хопом на протяжении пяти лет. Даже участвовал в соревнованиях. Потом я поступил в Академию на  современный танец в Польше (National Academy of Theatre Art in Krakow) , и теперь я исполнитель современного танца. Но, конечно, я использую и свой прошлый опыт.

5 лет я учился в Академии на факультете «Современный танец и актерское мастерство». Т.е. помимо танца, нас еще обучали игре на сцене – я еще и актер.

Мое обучение было успешным, поскольку уже на втором курсе меня пригласили поработать ассистентом известного польского хореографа Jacek Luminski. Также я танцевал в его постановке I Love Only and Exclusively In The Whole Heart Incontrovertibly Magdalena. После я работал с разными хореографами и начал ставить свои работы. Одна из них (Three days of snow) имеет успех уже несколько лет, я создавал ее вместе с Anna Mikuła, и мы уже показали ее в нескольких странах – дважды в Италии, в Будапеште, Словакии, Литве и много раз в Польше на разных фестивалях.

«Танец — это актерство, а актерство это танец».

Ты не только танцовщик, но еще и актер?

 

Да, в Академии нас обучали танцу и актерскому мастерству, так что я могу работать в танцевальных компаниях и в драматическом театре.  Я сам считаю себя больше танцовщиком, потому что мне не очень нравится много говорить на сцене. Но в танце я использую некоторые актерские навыки, чтобы улучшить его. Один мой педагог говорил, что танец это актерская игра, и наоборот, т.е. это одно и то же, просто они используют разные «инструменты». Для меня современный танец это не только движения, это скорее твой образ жизни, то как ты понимаешь свое тело и используешь его, как преображаешь свои недостатки в индивидуальную особенность движения. Здесь помогает актерское мастерство, оно помогает создавать характер движения, способ существования на сцене.

 

Какие актерские «инструменты» ты используешь в своих постановках?

 

Для меня важно, чтобы танцовщик существовал в настоящем на сцене. Он должен быть естественным, но органичным, и здесь помогают актерские навыки – ты должен связывать то, что происходит внутри и вне тебя.

 

Связано ли это с актерским методом переживания через тело Ежи Гротовски?

Я не принадлежу ни к какой определенной театральной школе, но я знаком с многими из них. По мне, танец — это актерство, а актерство это танец. Моя специализации в Академии была «актер танцевального театра». Нас учили внимательно относиться к деталям нашей роли на всех ее уровнях. Мне кажется, актерское мастерство помогает танцовщику «жить» на сцене. Танцовщик становится посредником, а его движения — посланием. Важно, каким образом движение происходит.

В своих исследованиях Ежи Гротовский упоминал:

Что бы вы ни делали, надо помнить: нет правил, нет стереотипов. Главное заключается в том, что все должно происходить из тела и через тело. В первую очередь, на все, что происходит вокруг вас, должна быть физическая реакция. Прежде чем отреагировать голосом, вы должны отреагировать телом. Если вы думаете, то думайте телом. Но лучше не думать, а действовать, рисковать. Когда я говорю, что не надо думать, я имею в виду голову. Конечно, вы должны мыслить, но телом, логично, точно и ответственно. Вы должны думать всем телом, телесными действиями. Думайте не о результате и, конечно, не о том, каким прекрасным он может быть. Если он возникает спонтанно и органично, как живые импульсы, он всегда будет прекрасен, гораздо прекраснее, чем любые рассчитанные результаты«.

(Е. Гротовский “Актёрский тренинг” (1959-1962г) записаны Э.Барборой)

 

У тебя было очень много учителей – я насчитала 39. Как ты нашел время на них всех?

 

Я могу пойти на класс к 8 утра, и закончить заниматься в 11 вечера, при этом сделав только часовой перерыв. Я вроде как танцманьяк) В Академии я ходил не только на занятия своего курса, но и на классы других курсов. Мне никто раньше не задавал этого вопроса, я только сейчас задумался об этом.

 

Кто из всех этих учителей больше повлиял на тебя?

 

Сложно сказать. Могу выделить трех-четырех, которые перевернули мое сознание. Первый это Яцек Люмински, основатель моей школы и вообще современного танца в Польше. Он создал первый театр современного танца в Польше, создал технику польского танца. Это особый стиль исполнения, я пока не видел, чтобы где-то в мире танцевали что-то похожее.

Другие мои польские учителя это Sylwia Hefczynska-Lewandowska и Janusz Skubaczkowski. И, конечно, Дор Мамалиа. Он танцевал совершенно другое, противоположное. И мне очень понравилось, что можно танцевать так живо, так нелинейно.

 

Яцек Люмински искал связи с утерянной еврейской культурой в Польше. Свой хореографический стиль он развивал, будучи очарован традициями польского еврейства и и польского фольклора.

 

Anna Kisselgoff пишет в своей рецензии на работу Яцека Straight Into the Eyes (New York Times, 2002):

 

«То, как он адаптировал движения, найденные им в еврейских танцах, объясняет некоторые трудноопределимые аспекты того, как он использует тело. «Туловище очень активное и заимствует полицентрические движения из хасидского танца, — говорит Люмински. — Туловище и ноги разделены «поясом». Верхняя часть тела принадлежит Богу, а нижняя — дьяволу. Верхняя часть вытягивается, а нижняя производит быстрые ритмические паттерны». (…) Зритель остается с чувством неразрешенной драмы и обеспокоенности — в хорошем смысле».

( culture.rl )

Чем техника Дора отличается от польского современного танца?

 

Чем-то они даже похожи – например, нужно использовать свое воображение, чтобы создать движение, у которого есть причина, действие и реакция. Но разница в том, что польская техника очень неравномерная – много ломаных линий. Часто тело делится на две части – одна часть может совершать какие-то мягкие движения, другая – резкие. Много оппозиционных сил, которые приводят тело в движение. Ты толкаешь свои плечи направо, пока прыгаешь влево. На сцене это выглядит так, будто танцовщики не подчиняются законам гравитации. У Дора же танцовщики словно пластилиновые и можно лепить из них что угодно. Движения очень мягкие, глубинные, но в то же время очень мощные. Обе техники не хотят сделать тело идеальным, красивой формой, они делают тело живым. И тоже самое пытаюсь делать я на своих классах — я соединяю эти техники. Я не даю просто движения или связки, я учу танцовщиков управлять своим телом иначе. И конечно я использую хип-хоп — я люблю грув, изоляции, быстрые короткие движения. У меня есть свой собственная партерная техника, которую я тоже буду давать на классах. И также я использую некоторые актерские навыки, которые помогают танцовщику понять, что значит существовать на сцене.

 

Какая дуэтная постановка будет у вас с Дором, которую вы покажете на фестивале еврейской культуры в Цюрихе в мае?

Это первая наша совместная постановка, будут красивые вещи, о которых я сейчас не буду говорить — пока это секрет. Это соединение наших разных опытов. Мы уже провели много часов в зале, это будет что-то особенное. Мы будем выступать на гала-открытии фестиваля. Дор идёт больше от чистого танца, он танцевал во многих компаниях, а у меня есть ещё и актерский опыт и все это мы облединим. Дора пригласили выступить на фестивале в качестве хореографа, а он позвал меня. Мы работали в студии, не замечая время, даже вне студии мы постоянно обсуждаем постановку и делимся своими идеями и вдохновениями.

 

Как вы познакомились с Дором? В Тель-Авиве?

 

Да, у меня был проект в Польше, который отобрали для показа в Тель Авиве, это было более трёх лет назад. Я попал к нему на воркшоп.

 

Three days of snow это твоя постановка совместно с другими польским хореографом?

Да, я делал эту работу с Анной Микулой три года назад. Это очень концептуальная и физическая вещь. Мы показывали ее на многих европейских фестивалях и получили много наград. Сейчас мы только вернулись из Италии, где уже второй раз её показали. Мы ее немного удлинили — до 25 мин. Я сам тоже танцую в этой постановке. Поэтому это вдвойне сложнее — нужно одновременно смотреть изнутри и снаружи.

С Анной мы уже четыре из пяти лет нашего знакомства работаем вместе. Многие думают, что мы близнецы, потому что мы похожи внешне и двигаемся похоже.

«Не тело делает танцовщика хорошим, а его личность. Самое сложное – это работа над собой, над своим сознанием».

Ты позиционируешь себя как «танцовщик-фрилансер». Почему ты выбрал для себя фриланс?

Я работал в танцевальной компании в Германии в течение года, это был прекрасный опыт. Для танцовщика это важно, иметь контракт, регулярно тренироваться. Но я считаю, что не все танцевальные компании воспитывают танцовщика как индивидуума. Часто они используют танцовщиков как материал на сцене. И для меня сложно так кооперировать. Мы все люди, нам есть много чем поделиться. Иногда не очень хорошо просто выполнять чьи-то задания или приказы. Я очень свободолюбивый. Работая фрилансеров, я могу встречать больше людей, танцовщиков, делиться опытом. Ты можешь быть задействован в трёх или четырех совершенно разных проектах одновременно. Это хорошая возможность расти как личность, как танцовщик. Я верю, что танцовщики это не просто тела, у каждого своё сознание, своя душа. Не тело делает танцовщика хорошим, а его личность. Самое сложное – это работа над собой, над своим сознанием.

Когда я работал по контракту, мне все очень нравилось, но в то же время я чувствовал себя как в клетке, потому что я не могу делать те вещи, которые хотел бы. Поэтому я предпочитаю быть свободным.

 

Какие минусы фриланса?

Ты не знаешь когда и будет ли вообще у тебя работа) Ты должен быть суперорганизованным, ты должен сам планировать свое время, потому что никто тебе не говорит, что ты должен делать. Ты должен следить за своими деньгами, чтобы не тратить их на вечеринки и прочее. Фрилансеру противопоказано много вечеринок) Конечно, это тяжело, потому что сегодня у тебя есть деньги, но завтра все может поменяться и ты останешься ни с чем. И это происходит со многими танцовщиками. Чтобы делать то, что им нравится, им приходится где-то подрабатывать – актерами или в ресторане.

 

Ты еще и актер, и играл уже во многих драматических постановках, в том числе и в «Карамазовых». Кого ты там играл?

 

У меня было две роли, секунду, сейчас вспомню.. Мне кажется, я был Алексеем и Иваном. Это было давно, я уже не помню)

 

Ты был уже в России?

 

Нет, ни разу. В ноябре я поеду в Питер на фестиваль «Сила безмолвия», буду преподавать там. Я знаю, что политические отношения у России и Польши были не самые приятные, и у старого поколения еще есть какие-то недовольства. Но для молодого поколение это уже прошлое. Я встречал много танцовщиков из России, и всегда у нас случались прекрасные разговоры. Я думаю, что для танцовщиков не существует политических границ. Поэтому я был очень счастлив, когда узнал, что поеду в Россию.

Беседовала : Нина Кудякова

Фото: предоставлены Дариушем

 

 

 

 

 

Актерство – это такая зараза!

Юрий Яковлев

Кадр из фильма «Иван Васильевич меняет профессию»

Кадр из фильма «Гусарская баллада»

Кадр из фильма «Ирония судьбы, или С лёгким паром!»

Кадр из фильма «Кин-дза-дза!»

Юрий Яковлев

«Любовь земная», «Судьба», «Идиот», «Гусарская баллада», «Иван Васильевич меняет профессию», «Анна Каренина», «Ирония судьбы». Невозможно перечислить все любимые народом фильмы, в которых сыграл Юрий Яковлев…

Молодые годы

Юрий Васильевич родился в 1928 году в Москве в семье юриста и медсестры. Правда, брак родителей был недолгим, они развелись, когда сын был еще совсем маленьким. Однако отец, Василий Васильевич Яковлев, принимал активное участие в воспитании ребенка. Когда началась Великая Отечественная война, вместе с матерью Ольгой Михайловной 13-летний Юрий уехал в Уфу. Там мать и сын вместе работали в госпитале. После возвращения в 1943 году в Москву Яковлев устроился помощником механика в гараж при посольстве США. Родители планировали, что Юрий выберет для себя серьезную профессию — станет юристом или дипломатом, но он неожиданно для всех решил поступать во ВГИК.

Театр

С кино Яковлеву сначала не повезло. Он не прошел вступительные экзамены во ВГИК — приемная комиссия единодушно признала его «некиногеничным». Но Яковлев не отказался от мечты и поступил в Щукинское театральное училище.

Примечательно, что первый несостоявшийся «роман» с кинематографом Яковлев пережил еще в детстве, когда его пригласили на кинопробы — искали детей-актеров в картину «Тимур и его команда». Юрий пробовался на роль хулигана — должен был откусить яблоко и произнести: «Кислятина». Но хулигана тогда сыграл другой.

Однако и в Щукинском училище не сразу рассмотрели его талант. На первом курсе по актерскому мастерству Яковлев не получал ничего, кроме двоек. На втором с трудом перешел на тройки, был поставлен вопрос о его отчислении. Спасла будущего народного артиста актриса Цецилия Мансурова, преподававшая актерское мастерство. Она заявила, что берет Яковлева под личную опеку — опытный педагог разглядела в молодом неудачнике потенциал и не ошиблась в своих прогнозах.

Закончив в 1952 году училище, Юрий Яковлев пришел в труппу театра Вахтангова, в котором и проработал целых 60 лет. Один из последних спектаклей Яковлева — знаменитая «Пристань», в нем играют пожилые актеры, отдавшие театру лучшие годы своей жизни и прославившие его сцену своим талантом.

Всего за свою долгую карьеру Яковлев сыграл на сцене более 60 ролей. Характерная черта образов, которые создавал Яковлев в театре, — яркость, многоплановость и лиричность. В каждой из ролей присутствует знаменитая яковлевская грусть — едва уловимая, но придающая роли особый подтекст. При этом сам актер неоднократно признавался, что очень любит импровизацию, правда, готовится к ней всегда заранее.

Кино

Первой ролью Яковлева в кино стал актер Чахоткин, в водевиле «На подмостках сцены», который вышел на экраны в 1956 году.

Всего через два года после кинодебюта, в 1958 году, Юрий Яковлев сыграл князя Мышкина в фильме режиссера Ивана Пырьева «Идиот» по одноименному роману Федора Достоевского — эта роль принесла ему первую всенародную славу и признание критики.

Она оказалась для Яковлева судьбоносной — открылась его способность к оригинальной, собственной трактовке образа. Чего стоят одни глаза князя Мышкина — не сумасшедшего, а наивного идеалиста, столкнувшегося с миром обывательской жестокости. «Идиот» — экранизация только первой части романа. Должна была сниматься и вторая, но Яковлев отказался снова играть Мышкина, а режиссер не стал брать на его место другого актера. Так продолжения и не было, хотя фильм в 1959 году получил вторую премию на Всесоюзном фестивале в Киеве.

Рязанов, Гайдай, Данелия

Но настоящую любовь зрителей Юрию Яковлеву принесли комедийные роли. В 1962 году Яковлев сыграл лихого поручика Ржевского в музыкальной комедии Эльдара Рязанова «Гусарская баллада». Это был совсем другой образ — залихватский рубака, балагур, герой и хвастун. Советские школьницы видели только положительные черты Ржевского — красоту, молодость, задор. От поклонниц у Яковлева отбоя не было. Казалось бы, вот она, — слава.

Но в 1973 году вышла комедия Леонида Гайдая «Иван Васильевич меняет профессию», где Яковлев сыграл сразу две роли: сурового царя Ивана Васильевича Грозного и глупого управдома-подкаблучника Ивана Васильевича Буншу. Успех комедии был оглушительным. Не случайно, по данным одного из интернет-опросов, самой любимой цитатой Яковлева зрители считают «Я требую продолжения банкета!» из этой картины. Кстати, кроме Яковлева Гайдай предлагал роль Юрию Никулину и Георгию Вицину, с которыми давно уже работал на съемках, но оба актера по разным причнам от нее отказались.

В 1975 году был ревнивый Ипполит из снятой Эльдаром Рязановым картины «Ирония судьбы, или С легким паром!», после которой Яковлев, как он признавался потом в прессе, не мог пешком пройти от дома до театра — настолько он стал узнаваемым, что прохода на улицах не давали. В 1976 году Юрий Яковлев был удостоен звания народного артиста СССР. А ведь изначально Рязанов видел в качестве Ипполита только Андрея Миронова или Олега Басилашвили.

Также одной из заметных ролей Яковлева является пацак Би из картины Георгия Данелии «Кин-дза-дза». Чего стоит только одна фраза «Нет, генацвале. Когда у общества нет цветовой дифференциации штанов, то нет цели!»

Все кинороли Яковлева перечислить сложно — их более семидесяти. Комедии, драмы и даже телесериалы. Яковлева отличала и феноменальная трудоспособность, которая сохранялась у него, несмотря на возраст.

Личная жизнь

Первой любовью 18-летнего Яковлева была девушка Галя, учившаяся с ним в одной школе. Но Яковлев расстался с ней еще до того, как поступил в Щукинское училище.

В 1952 году, учась на последнем курсе, молодой актер познакомился со своей первой женой — Кирой Мачульской. Она не была актрисой, а выбрала для себя профессию врача. Молодые люди поженились сразу после того, как Яковлев закончил училище. Но брак продержался недолго.

Спустя два года в театре Вахтангова Яковлев познакомился с молодой актрисой Екатериной Райкиной (дочерью Аркадия Райкина). Они вместе играли в спектакле «Дамы и гусары». В результате Яковлев оказался в затруднительном положении — жена и возлюбленная практически одновременно забеременели. Узнав об измене, Кира подала на развод. Дочь Алена родилась уже после развода. А спустя недолгое время на свет появился и сын Яковлева от Екатерины — Алексей. Но и второй брак оказался скоротечным — через три года актеры развелись.

Третью свою супругу Яковлев также нашел в театре. Правда, Ирина Сергеева не была актрисой — она тогда работала заведующей музеем при театре и часто посещала репетиции. Этот брак оказался последним в жизни актера — вместе с Ириной они прожили уже более сорока лет. Третий ребенок артиста — сын Антон.

Все трое детей Юрия Яковлева пошли по стопам отца — известна как талантливая актриса дочь Алена, сын Алексей также играл на сцене театра Ермоловой, но потом расстался с профессией, а сын Антон стал режиссером.

Юрий Яковлев: Актерство – это такая зараза! / Газета «Ставропольская правда» / 6 декабря 2013 г.

Заметили опечатку в тексте? Выделите ошибку и нажмите Ctrl+Enter

Acting Magazine Сэнфорд Мейснер: «Действие — это честное поведение в воображаемых обстоятельствах».

Правдивое поведение

Как бы вы определили актерское мастерство?

(Кармайкл Филлипс)

(Фото: Cottonbro | Pexels)

Как бы вы определили термин «актерская игра»?

Мы, как актеры, все это делаем. Но как бы вы выразили это словами? Как бы вы определили ремесло для совершенно незнакомого человека, который мог бы спросить о деталях вашей профессии?



  • Правильный ответ состоит в том, что правильного ответа как такового не существует.Мы все знаем, что это такое, когда мы это видим и когда мы это делаем. Но есть много разных определений, чтобы объяснить это.


    «Действовать — значит вести себя правдиво в воображаемых обстоятельствах».

    (Сэнфорд Мейснер)


    Некоторые словари определяют его следующим образом:

    Dictionar y: «Актерское мастерство — это искусство или занятие по игре в пьесах, фильмах или телевизионных постановках».

    Но это определение упускает из виду много деталей.

    Википедия определяет его следующим образом: wa y:   «Актерское мастерство — это действие, при котором история рассказывается посредством ее разыгрывания актером или актрисой, которая принимает образ — в театре, на телевидении, в кино, на радио или в любом другом месте». среда, использующая миметический режим».



  • Это определение немного более полное, чем словарная версия. Но это все еще кажется общим, в лучшем случае.

    Вы поняли. Неважно, как долго вы являетесь актером, как долго вы выступаете, как долго вы изучаете ремесло, вам, вероятно, будет трудно описать его простыми словами.

    (Сэнфорд Мейснер)

    Но есть одно определение, которое классифицирует ремесло так, как это не делают другие. Оно исходит от человека по прозвищу Сэнди.

    Сэнфорд Мейснер (31 августа 1905 г. — 2 февраля 1997 г.) был легендарным учителем актерского мастерства. Он был одним из первых актеров, сформировавших знаменитый Групповой театр, пожалуй, самую влиятельную театральную труппу в истории страны.

    Мейснер определяет действие таким образом :

    Это простое определение стало одним из его фирменных утверждений по этому вопросу.Он более полно передает ощущение пребывания в теле вымышленного персонажа в выдуманном мире. Он краток и может универсально применяться ко всем формам актерского мастерства, будь то театр, кино или даже озвучка.

    Он также служит простым ориентиром — путеводной звездой — того, как актер должен подходить к актерскому мастерству. Актер должен подходить к ремеслу с осознанием того, что обстоятельства являются воображаемыми, но с исследованием и подготовкой вести себя в этих обстоятельствах таким образом, чтобы зрители поверили в их реальность.

    Это великий дар, который мы, актеры, дарим миру. Мы позволяем зрителям убежать от собственной реальности и жить в фантазиях, делая фантазии реальными.


  • Вам также могут понравиться:
    5 основных фактов о Сэнфорде Мейснере


     

    Почему метод актерского мастерства губит современное кино

    (Кредит: Далеко Алами / Warner Bros / Dreamworks / Джейкоб Оуэнс (

    )

    Пленка

    Ср, 24 ноября 2021 г. 17.00 по Гринвичу

    Вы слышали, что Кристиан Бэйл набрал более 40 фунтов для роли в Vice ? Или как насчет печально известного случая, когда «сумасшедший» Джаред Лето якобы выкладывал использованные презервативы своим коллегам по фильму « Отряд самоубийц »? Термин «походный метод» уже давно определяет такое причудливое поведение, предоставляя оправдание актерам-мужчинам, в частности, действовать на съемочной площадке так, как они хотят, в погоне за более глубокой художественной правдой исполнения.Для таких, как Дэниел Дэй-Льюис, Кристиан Бэйл и Леонардо ДиКаприо, недостаточно воплотить конкретный персонаж, они должны страдать за свое мастерство в соответствии с кучей лишних правил, которые служат только для поддержки их эго.

    Так называемый «метод» возник в Нью-Йорке в 1930-х и 40-х годах ключевыми участниками The Group Theatre, включая Сэнфорда Мейснера, Стеллу Адлер и Ли Страсберга, которые основывали свое мышление на теории «системы» Константина Станиславского. Подобно «методу», «система» была подходом к обучению актеров, который был сосредоточен на «искусстве переживания», с упором на то, чтобы актеры передавали свой жизненный опыт своим персонажам, помогая им более естественно реагировать на определенные ситуации. .

    По мере того, как «система» становилась все более популярной, а актеры поклялись найти более изощренные способы проявить себя как исполнители, «метод» родился благодаря таким людям, как Джеймс Дин, Марлон Брандо и Дастин Хоффман. Хотя методы этих актеров не были теми, что описал Константин Станиславский, вместо этого «метод» мутировал во что-то, что актеры видели как приверженность жизни своего персонажа 24 часа в сутки, 7 дней в неделю. Они не передавали пережитый опыт, они эмоционально «становились» персонажем, которого нужно было извлечь через психологические и физические мучения.

    Долгое время идя рука об руку, понятие измученного художника существовало на протяжении всей истории человечества, от психоза Винсента Ван Гога до проблем с психическим здоровьем бывшего фронтмена Nirvana Курта Кобейна, до такой степени, что некоторые сейчас ошибочно романтизируют такое замученное существование.

    Конечно, не нужно страдать, чтобы раскрыть творческий потенциал выражения или узаконить свою работу, хотя посмотрите кино, и вам будет прощено думать иначе.В погоне за более глубокой правдой о своей игре такие, как Дэниел Дэй-Льюис, требовали, чтобы их кормили с ложечки, когда он играл инвалида в Моя левая нога, Джим Керри мучил весь набор Человек на Луне под предлогом того, что он «одержим» Энди Кауфманом и Шайей Лабафом, отказался принимать душ на съемках Fury .

    В современном кинематографе есть бесчисленное множество таких историй, в том числе о Гэри Олдмане, Леонардо ДиКаприо и Томе Хэнксе, где актеры, похоже, пытаются превзойти друг друга в погоне за обожанием критиков и заветной наградой Академии за лучшую мужскую роль.Независимо от того, насколько хороша какая-либо из этих ролей, такие актеры неизменно получают награды на шоу, которые считают, что боль и страдание приравниваются к значительным актерским достижениям.

    Является ли «методическая игра» триумфом исполнения и мастерства, или это действительно ерунда. Быстро став стандартом, которому мы придерживаемся качественных выступлений в Голливуде, гнилое поведение таких, как Джаред Лето на съемочной площадке Отряд самоубийц , было принято как законная форма доступа к более глубокому представлению.Как актер недавно сказал Entertainment Weekly : «В конце концов, я художник. Если я сделаю что-то рискованное и тебе это не понравится, в принципе, можешь поцеловать меня в зад».

    Вместо этого, как действительно любезно предлагает Лито, кажется, что «метод игры» — это просто практика эгоистического пупка, когда Голливуд увековечивает ложь о том, что «страдание приравнивается к качеству». Таким образом, такие люди, как Гэри Олдман, Кристиан Бэйл и Леонардо ДиКаприо, будут продолжать преследовать физические и психические мучения, препятствуя благополучию членов своей команды, и все во имя «метода».

    Актерское мастерство можно освоить с помощью нескольких различных методов, и популярный кинематограф не должен думать иначе. Как сказал великий Лоуренс Оливье Дастину Хоффману на съемках фильма «Марафонец , »: «Мой дорогой мальчик, почему бы тебе просто не попробовать сыграть? Так намного проще».

    Следите за журналом Far Out в наших социальных сетях, Facebook, Twitter и Instagram.

    Самый популярный

    {{#.}} {{#статьи}} {{#заглавие}} {{/заглавие}} {{/статьи}} {{/.}}

    Что Мерил Стрип говорит об актерской игре

    .

    Многие актеры, с которыми я встречаюсь, ошибочно полагают, что актерство — это быть кем-то другим. Они будут запоминать свои реплики и повторять их так же, как они их выучили, стараясь, чтобы они «звучали естественно». Затем они пытаются представить, как будет чувствовать себя и действовать «их Персонаж», и пытаются «разыграть это».

    Такого рода актерская игра показывает нам, насколько вы опытны в « игре», как кто-то другой , и это оказывает на вас сильное давление, чтобы вы были очень хорошим подражателем.Это также поощряет застенчивость, потому что ваше внимание часто направлено на то, чтобы проверить, как у вас дела и хорошо ли продвигается ваша шарада. Джонни Депп тоже выразился так:

    .

    К сожалению, в школе нас учат, что ваше самочувствие менее важно, чем правильный ответ. В нашей работе знание того, как вы относитесь к тому, что вы говорите , является правильным ответом. «Персонаж» — это слова на странице. Без вы , а как вы лично относитесь ко всему что они говорят и делают, нет характера.Без вашего выражения того, что вы чувствуете и действуете в их обстоятельствах, они не существуют. Без ваших чувств, причуд и уникальной точки зрения они не оживают. Это жизнь , которую вы даете им, заставляет их дышать, и это происходит только тогда, когда вы даете им свой жизненный опыт, свои чувства и свое воображение.

    Вместо «разыгрывания» я предлагаю более простой подход. Просто скажите нам, как вы действительно чувствуете себя в их обстоятельствах.Поделитесь с нами, как вы, человек, актер, искренне, глубоко, лично относитесь ко всему, что вы говорите. Это освобождает вас от необходимости действовать вообще!

    Отвечая, как вы , как если бы сцена происходила с вами прямо сейчас, исключает «игру» из уравнения и освобождает вас, чтобы быть самим собой. Тогда вы можете просто сказать свою личную правду о том, что вы говорите. Люди, наблюдающие за происходящим, увидят, как персонаж говорит, но на самом деле они увидят, что вы честно отвечаете своей уникальной личной точкой зрения на происходящие события.

    Многие из вас нервничают на прослушиваниях, потому что вам кажется, что вас оценивают. Вы думаете, что прослушивание — это проверка того, насколько вы хороши. Просто рассказывая нам, что вы думаете о том, что вы говорите, ваше прослушивание перестает быть тестом того, насколько вы хороши как « актер », потому что вы не играете! Ты просто ты, стоящий там и говорящий правду, какой ты видишь ее в данный момент, без извинений. Просто скажи, как есть. Нет теста и нет оценки. Это просто ты.

    Помните, никто не может быть лучше вас. Отсутствие необходимости действовать освобождает, и давайте посмотрим , кто вы , а не ваше представление о том, как может вести себя кто-то другой. Взяв на себя личную ответственность за то, что вы говорите, их слова могут стать 90 149 вашими 90 150 словами.

    Если вы не найдете вы в письме, это неправда. Вы просто ведете себя как какой-то другой человек, у которого нет реальной истории, воспоминаний, мыслей, страсти или реальной точки зрения на собственный мир.Вы художник. Это ваша работа — дать им это, и вы можете дать только свою.

    Помните, без ВАС нет персонажа. Как говорит Мерил Стрип, «находя сходство» между собой и персонажем, вы «находите там себя», и, как выразился мистер Депп, вы не будете «лгать». Прислушайтесь к их совету, и вскоре вы будете на пути к тому, чтобы бронировать новые прослушивания.

    Если вам интересно найти себя в своей игре, я приглашаю вас скачать мою бесплатную электронную книгу «6 секретов работающего актера» здесь.

    Всего наилучшего,

    Филип Эрнандес — уважаемый преподаватель актерского мастерства и тренер по вокалу в Нью-Йорке. Он также является единственным актером в истории Бродвея, сыгравшим Жана Вальжана и инспектора Жавера в «Отверженных». Он исполнил главные роли в бродвейских постановках «Поцелуй женщины-паука» и «Человек в плаще» Пола Саймона. Вы также можете знать его по многочисленным выступлениям на телевидении: «Черный список», «Готэм», «Голубая кровь», «Путь», «Бык», «Сестра Джеки», «Элементарно», «Подозреваемое лицо», «Закон и порядок», «Заложники и ущерб » и многие другие.Для получения информации об уроках актерского мастерства НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ или уроках пения НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ.

    Следите за его новостями в Twitter @philip24601, Instagram @philip24601 и Facebook @philip24601.

    определение актерского мастерства в The Free Dictionary

    В таком поступке не было и мысли о непочтительности. Напротив, эти пьесы ставились, «чтобы побудить умы простых людей к доброй преданности и полезному учению».

    И вот священники и монахи взялись за разыгрывание библейских историй и рассказов святых, чтобы народ увидел и лучше понял.

    Тогда тоже игроки перестали быть монахами и священниками, а актерством занялись сами люди.

    Верхняя часть была открыта со всех сторон, и при этом происходило действие.

    Отрицать это значило бы утверждать, что заместитель выше своего начальника; что слуга выше своего господина; что представители народа выше самого народа; что люди, действующие в силу власти, могут делать не только то, что их власть не разрешает, но и то, что они запрещают.

    Он пришел на крыльях разочарования и с головой, полной игры, ибо это была театральная вечеринка; и пьеса, в которой он играл роль, была в течение двух дней после представления, когда внезапная смерть одного из ближайших родственников семьи разрушила план и рассеяла исполнителей.

    К счастью для него, любовь к театру настолько всеобща, жажда играть так сильна среди молодежи, что он едва ли мог перекричать интерес своих слушателей.

    Это, хотя мысль момента, не закончилась с моментом; ибо склонность к действию пробудилась, и ни в ком так сильно, как в том, кто теперь был хозяином дома; и которые, имея столько досуга, что почти всякое новшество может принести определенную пользу, также обладали такой степенью живого таланта и комического вкуса, которые были в точности приспособлены к новизне актерского мастерства.Мысль возвращалась снова и снова.

    «Правда, чтобы увидеть настоящую игру, хорошую закаленную настоящую игру; но я вряд ли пройду из этой комнаты в другую, чтобы посмотреть на грубые усилия тех, кто не был приучен к ремеслу: набор джентльменов и дам, у которых есть все недостатки образования и приличия, чтобы бороться».

    Но зрелищность ее игры была невыносима и становилась все хуже по мере того, как она шла.

    Плохое поведение вредно для нравственности. Кроме того, я не думаю, что вы захотите, чтобы ваша жена играла, так что какая разница, если она будет играть Джульетту, как деревянную куклу?

    «Дориан, Дориан, — воскликнула она, — до того, как я узнала тебя, актерство было единственной реальностью моей жизни.

    Лучшая игра — это сопереживание

    Игра — это эмпатия.

    Лучшие выступления достигаются за счет глубокого, иногда врожденного принятия и понимания уникальных реалий индивидуальной роли, персонажа, истории, персонажей или голоса.

    Эмпатия определяет человеческие элементы, присущие индивидуальному голосу постановки, и позволяет создавать самые необычные истории. Это может быть той самой причиной, почему мы чувствуем такую ​​связь с нашими любимыми актерами, почему их роли резонируют с нами так же сильно, как и они сами.Есть общее понимание. И это понимание говорит о человеческом состоянии, к которому ваша аудитория может глубоко относиться или, возможно, никогда не задумывалась раньше, но ценит понимание. Любой опыт — это само определение успешного выступления. Позволить зрителям подумать о том, о чем они никогда раньше не думали, — суть каждого развлекательного представления. То же самое относится к письму, музыке и, откровенно говоря, ко всем видам искусства, что отчасти объясняет, почему так ценен индивидуальный талант.Они общаются для тех, кто не может выразиться так же кратко или хорошо.

    Именно поэтому индивидуальный художник так важен для успеха каждой постановки. Коллективный голос произведения передается через отдельного артиста (голос за кадром) и, в конечном счете, воспринимается публикой как идентифицирующая личность продукта, компании, фильма или проекта, с которым они связаны, отождествляют, желают или восхищаются. Без этого человеческого элемента теряется точка зрения коллектива, и производство не может ни с кем связаться.

    Гудящая роботизированная доставка никогда не является целью, потому что она не может общаться на личном уровне. Тем не менее, многие озвучивающие таланты, особенно те, у кого мало или вообще нет подготовки, имеют привычку ограничивать себя. Именно поэтому «разговорное» чтение уже более 30 лет остается самым востребованным качеством исполнения. И почему всякий раз, когда вы заказываете озвучку, клиент предполагает, что вы актер, который может предложить необходимые варианты, вариации и тонкости, которые идентифицируются как человеческое состояние, независимо от того, насколько жестким или деревянным может быть текст в сценарии.

    На самом деле, чем больше текст написан как печатная реклама, или, что не менее плохо, список предупреждений на флаконе с лекарством, тем больше клиент требует вашего воображения, точки зрения и индивидуальности для передачи разговорного, вдумчивого тона . Собственно, на это и рассчитывает производство. Но тогда это означает, что вы должны звучать так, как будто вы знаете, о чем говорите. Как будто вы знаете и можете относиться к тому, что вы говорите. Вы не можете подделать это. Вы должны относиться. Отношения — это та эмпатия, о которой я говорю.

    Отношения — это действие, чистое и простое. Вы не можете подделать отношения. Вы либо делаете, либо нет. И почему самая лучшая актерская игра, величайшее исполнение сопереживает и понимает на очень глубоком, очень естественном, внутреннем уровне.

    Это требует практики. Это может произойти только через обусловленность. Вы должны тренироваться, как спортсмен, с материалом, который поначалу может восприниматься как исключительно коммерческий или «продающий», овладев искусством создания естественного, но коммерческого голоса за кадром, который в конечном итоге может поднять все, что вы делаете как актер.Даже в тексте, которому не хватает воображения и души, у вас, как у актера озвучивания, есть и то, и другое. Поэтому все на странице должно звучать так, как будто это то, что вы сами для себя знаете, это то, что вы думаете, и вы являетесь голосом опыта, даже если у вас нет опыта в предмете. Во многом поэтому мы тренируемся. Общайтесь, и половина дела сделана.

    Вам платят за пульс. Вам платят за понимание точки зрения вашей роли, которая обычно передает общую точку зрения клиента, историю, продукт или услугу или полностью противоречит этим вещам — по замыслу.

    Точка зрения, которую вы выражаете, обычно является той, которую вы, вероятно, уже приняли сами, возможно, потому, что ваша личность и характер уже сопереживают и принимают ту же самую точку зрения или, по крайней мере, понимают. Цель состоит в том, чтобы полностью принять точку зрения, чтобы рассказать историю или передать голос под рукой.

    Вы либо играете непосредственно с этой точкой зрения, либо иллюстрируете ее на контрасте, предлагая полярно противоположную точку зрения. Но это тема для другого дня: сравните и сопоставьте.

    Copyright © 2022 Кейт МакКланаган. Все права защищены.

    Ди Тревис: Актерство не теоретическое

    Посмотрим правде в глаза. Эссе Мессингкауфа трудно читать. Я работаю над пьесами Брехта, пьесами о Брехте, кабаре песен Брехта и сольными концертами стихов этого великого писателя более сорока лет и, признаюсь, эти теоретические сочинения сбивают меня с толку и расстраивают. Я уверен, что для читателей немецкого языка текст будет живым и увлекательным.В пояснении мне говорят, что они не были закончены и собраны довольно поспешно, а местами неправильно переведены или плохо организованы, но даже в этом случае … Я не ожидал, что группа актеров будет бороться с непрозрачной прозой вместо того, чтобы вставать на пол. и используя свои практические навыки.

    Именно с этой отправной точки я пригласил группу из шести актеров провести несколько дней, изучая некоторые актерские упражнения Брехта. Мы познакомились, как мне нравится, не как ученики и академические эксперты, а с первого захода в круг, в честном диалоге и на уровне.

    Кто такой Брехт за пределами клише и мифов? Какому актерскому мастерству мы можем у него научиться? К чему он призывал?

    Игра — это антитеза теории. Те, кто может больше всего об этом говорить, заведомо плохо умеют это делать. Актеры входят в пространство, принося с собой свои тела, свои эмоции, воображение и биографии. Актерское мастерство — это действие, а не мозговая активность. Но у актеров также есть врожденное чувство окружающего мира и отточенная наблюдательность. Они знают разочарование, безработицу и бедность.Они едут в репетиционную через джунгли городов, перипетии общественного транспорта, способны наблюдать в поезде, автобусе, трамвае и кишащей улицах объекты своего исследования и их потенциальную аудиторию – собратьев мужчин и женщин, пытающихся выжить в Мир. Затем этот мир работы, борьбы и эксплуатации должен просочиться через их тела в их уста и их слова и стать их ремеслом. Это чувственно, и их работа течет, если она идет хорошо, через мышцы, дыхание и голосовые связки.

    Теоретическая болтовня парализует порыв актера, и ни одно теоретическое слово не смущает его больше, чем единственное, о котором они когда-либо слышали, говоря о Брехте… «отчуждение». В этом отношении Modelbooks , с их красноречивым молчанием о Verfremdung , являются освежающей подвеской к Messingkauf . Сколько раз мне приходилось объяснять актерам, что их задача на самом деле не в том, чтобы… «оттолкнуть» публику! Даже более простая фраза «покажи, что ты показываешь» нуждается в пояснении и практических примерах на полу репетиционной.

    … прежде чем показать дорогу

    Человек изменяет кому-то или охвачен ревностью

    Или заключает сделку, первый взгляд

    В аудитории, как будто вы хотели сказать:

    Обратите внимание, этот человек сейчас кого-то предает, и вот как он это делает.

    ( БФА 15, стр. 166; Стихи , стр. 341)

    Итак, мои актеры в то весеннее утро в Сохо, Лондон, ничем не отличались от других, которых я встречал в своей трудовой жизни. Их возраст колебался от шестидесяти пяти до двадцати двух лет.У них было одно общее: они были заинтересованы в улучшении своих навыков. Младший собирался приступить к обучению, а старший был ветераном Королевской шекспировской труппы с сорокалетним стажем за плечами. Между ними были четыре актера, прошедших трехлетнюю подготовку в ведущих британских театральных школах и уже пробившихся в профессии.

    Тогда я сделал свое первое поразительное открытие. За исключением меня и актера-ветерана, никто не участвовал в профессиональной постановке пьесы Брехта, и никто не исследовал театр Брехта сколько-нибудь глубоко в своих учебных заведениях.С падением Стены, распадом советского блока и подъемом к глобальному капитализму, сколько раз за последние пятнадцать лет я видел, как художественные планировщики гримасничали при мысли о постановке Брехта, или молодые режиссеры заявляли, что собираются сделать пьеса Брехта… но не о политике и не о музыке!

    Эти актеры, как и большинство их сверстников, обучаются через погружение в технику Станиславского: они начинают с личного эмоционального отклика, с натурализма. Однако, к счастью, современный актер также тщательно обучен движениям, и при хорошем обучении это не только предназначено для обеспечения физической универсальности актеров в натурализме, но и для того, чтобы привести актера к более выразительному стилю.Таким образом, многим актерам предлагается работать невербально, через изучение животных и использование маски. И влияние Брехта на современную постановку, часто непризнаваемое, таково, что основные составляющие его театра им совершенно знакомы. Взятые в контексте раздутого, сентиментального немецкого театра, против которого выступал Брехт, его взгляды были поразительно новаторскими, но в наши дни убранные декорации, видимая смена сцены, актеры, входящие и выходящие из роли, использование песен и стихов, обращение к зрителю, отсутствие «четвертой стены» — все это ночь за ночью видят и практикуют актеры на наших современных сценах и на самом деле отсылают к театру, из которого Брехт черпал многие идеи, к театру шестнадцатого и семнадцатого века.

    Так какие же упражнения Брехт давал своим актерам?

    Основное требование к любому актеру, берущемуся за Брехта, состоит в том, что он должен быть осведомлен о нюансах социального класса и быть в состоянии выразить это через «жест» или внешние физические характеристики. Полезным начальным упражнением, позволяющим заставить актеров мыслить в правильном направлении, является отправка их на улицу до того, как они прочитают хоть слово теории. Там, как сказал бы Брехт, за дверями театра находится и их аудитория, и материальный мир, и экономические силы, которые они стремятся изобразить.

                Вы артисты, которые ставят пьесы

                В больших домах под электрическим солнцем

                Перед притихшей толпой загляните как-нибудь

                В тот театр, где находится улица.

    ( БФА 12, стр. 319; Стихи , стр. 176)

    Они должны найти на улицах и в магазинах, кафе и ресторанах кого-нибудь на работе и внимательно изучить их, чтобы по возвращении они могли показать нам своими словами и внешними жестами свои особые физические и социальные характеристики.Как их задачи влияют на их тела? Что бесконечное повторение делает с человеком? Как время изнашивает их? Каковы их рабочие инструменты? Как они персонализируют их и обращаются с ними? Что можно сказать об их экономическом положении? Какое место они занимают в непосредственной иерархии? Какую ценность, по их мнению, приписывает им общество? «Я показываю…», — пишет Брехт в стихотворении «Песня драматурга»,

    .

    Что я видел. На рынках мужчин

    Я видел, как торгуют людьми.Это

                Я показываю, я, драматург.

    Как они заходят друг к другу в комнату со схемами

    Или резиновыми дубинками, или наличными

    Как они стоят на улицах и ждут

    Как они расставляют друг другу ловушки

    Полный надежд

    Как они назначают встречи

    Как они вешают друг друга

    Как они занимаются любовью

    Как они защищают свою добычу

    Как они едят

    Я все это показываю.

    ( БФА 14, стр. 298-9, Стихи , стр. 257-8)

    Для актеров важно тщательно имитировать то, что они наблюдают и переживают в реальной жизни, и избегать клише. Особенно это проявлялось в игре класса. Когда, например, я попросил актера Питера С. показать мне английского человека из высшего общества, беседующего с безработным юношей из рабочего класса, он, хотя и умело, вернулся к штампованному протяжному английскому акценту высшего класса, с поднятым носом, почти солдатская поза.Юноша, за которым хорошо наблюдал Джеффри Б., был односложным, разочарованным в своих едва слышных словах, навязчиво ударял кулаком по руке, но демонстрировал ужасный подавленный гнев, без зрительного контакта.

    – Что ты делаешь?

    — Нуффинк

    – А ты не можешь пойти и найти работу?

    – Безработица, внутр.

    Затем я попросил Питера показать нам gestus высшего класса, как он есть в начале двадцать первого века, попытаться показать нам, как мы на самом деле его видим и переживаем.Королевские принцы, члены политического класса Старого Итона, например, в настоящее время говорят на своего рода смягченном кокни, который мы называем «эстуарным», поскольку он, кажется, прошел несколько миль вниз по устью Темзы и слегка смягчился в процессе. Это указывает на усилие, хотя и бессознательное, со стороны высших классов, чтобы казаться уравновешенным до более социально приемлемого положения равенства. Было страшно видеть в действии язык тела и речевые модели современного правящего класса: то, что премьер-министр Старого Итона Дэвид Кэмерон любит называть «консерватизмом с человеческим лицом».Акцент Питера смягчился, и, источая дружелюбие, он сказал:

    Привет! Меня зовут Уилл…

    и позже,

    «Пойдем на выпивку»

    Это был идеально сыгранный королевский принц, которого мы видим за рулем собственной машины и использующим гортанную остановку, в то время как его коллеги в кабинете с точно таким же неформальным стилем и акцентом сокращают льготы и поносят безработных. Таким образом, зрители наблюдают не за знакомым клише, а за тем, какую одежду волк в настоящее время использует, чтобы обмануть их.

    Чтобы развить это чувство gestus или реально наблюдаемого социального поведения, проявляющегося во всем теле, одно из упражнений Брехта предлагает актерам вести себя в соответствии со списком прилагательных, близких по значению, но немного отличающихся:

    Обратите внимание на разницу между сильными и грубой, расслабленной и свободных, быстрых и поспешил, уточняют и , продуманные, продуманные и сложные, глубоко ощущаются и Blissful, противоречивый и бессмысленные, ясные и решительные, полезные и прибыльные, напыщенные и крикливые, церемонные и напыщенные, нежные и слабенькие, страстные и неуправляемые, природные 9007 случайные 0 и 90.

    Предупреждение, однако: упражнение часто хорошо только в руках его автора; при механическом воспроизведении другим режиссером или учителем он может стать банальным и скучным. Подсказка в этом упражнении заключается в том, что эти слова следует понимать наречно — они относятся к действию. Поэтому важно, как это было для Брехта во всей его работе, вложить реквизит в руки актера, чтобы упражнение включало в себя выражение через жест и объект, а не только внутреннее чувство.Иными словами, это не прилагательные, относящиеся к неизменяемым индивидуальным характеристикам, а слова, описывающие действие в определенных обстоятельствах с определенным предметом. Напомню, что костюмы и реквизит всегда присутствовали в репетиционных помещениях Брехта. Актеры Брехта никогда не полагались на пантомиму, а на физическую реакцию на материальный предмет или одежду:

    … Оловянная ложка

    Какая отвага палочки

    В лацкане монгольского пиджака партбилет

    Для сердечной Власовой и рыболовной сети

    Для другой, испанской матери…

    ( БФА 12, стр. 330; Стихи , стр. 427)

    Дайте актерам подержать в руках объект, и в этом упражнении у них будет возможность подробного наблюдения за культурой. Я попросил Анну Т сделать вид, что пользуется зеркалом, и надел шляпу «деликатно», а Клэр — «слабо». Один был полон социальной и сексуальной незащищенности, другой — тщеславия и превосходства. «Быстро» и «торопливо», разыгрываемые при надевании пальто, придавали одному актеру ловкую быстроту, другому — отчаянную неуклюжую поспешность.Это упражнение заставило актеров тщательно сосредоточиться на значении и социальных нюансах, а также на том, как это можно выразить. Я не давал им времени говорить о значении, но импульсивно разыгрывал его. Я также призывал их меньше концентрироваться на внутреннем психологическом ощущении — ведь упражнения с предметами тоже важны в тренинге Станиславского — и больше на внешнем физическом качестве, позволяющем предмету дать полное физическое выражение. Когда Джеймс Х. поспешно надел пальто, мы стали видеть актера, показывающего нам, как человек в отчаянной спешке взаимодействует с пальто, которое он не может контролировать.Брехт уделял огромное внимание тому, как его актеры использовали реквизит, не интересуясь театральным мастерством, а раскрывая человеческую ситуацию. Актер не только управляет реквизитом, объект, в свою очередь, диктует движение актера. Он может стать почти другим персонажем. Он уделял особое внимание изображению рабочего или ремесленника по отношению к инструментам своего ремесла и пошел на многое, чтобы найти правильный реквизит для своих актеров — с учетом материала, мастерства, возраста, износа и патины.В игре «Мамаша Кураж» Хелене Вайгель пришлось научиться ощипывать курицу. Солдаты с неторопливым равнодушием узнавали, как именно собирается орудие, прежде чем сбить Каттрина.

    Эти списки наречий могут быть расширены вдумчивым режиссером, и актера можно попросить найти три наречия, которые могут относиться к действию, и выяснить, какое из них наиболее полезно для повествования. В качестве упражнения по развитию наблюдательности и физической выразительности во всем теле я почувствовал, что мы наткнулись на «гениальное зерно».Больше всего развлекались актеры не потому, что пытались шутить, а часто доводили наречие до крайности, не теряя при этом правдивости. Spass — слово, которое Брехт использовал для обозначения этого наиболее важного ингредиента, и я бы хотел, чтобы это слово сразу ассоциировалось с ним, а не Verfremdung .

    Во второй день актеры работали с режиссером движения Джейн Гибсон. Здесь она хотела попробовать подход к персонажу снаружи внутрь, а не от внутреннего созерцания наружу.Актеры выбирали наряды из множества репетиционной одежды, а затем выясняли, что одежда делала с их телами, сначала когда они стояли на месте, а затем когда шли. Наконец каждый актер взял реквизит и, позволив ему диктовать свои движения, нашел свой голос и социальный тип. Здесь мы увидели безукоризненного кутюрье, отвечающего на телефонный звонок покупателя, толстую смущенную женщину, примеряющую пальто, которое ей не подходило, мальчика из рабочего класса в водительских перчатках, сжимающего в руках воображаемые гири, демонстрируя мачизм.

    Все актеры нашли этот подход к персонажу освобождающим, поскольку он погружал их в свое тело и полагался на импульс вместо того, чтобы парализовать мышление и анализ характера. «Так много моей работы просто запирает меня в голове, — сказал Джефф, — это такое облегчение».

    Все упражнения, которые мы исследовали до сих пор, были вполне доступны для актера, обученного Станиславским, но упражнение «да/нет» заставило их по-настоящему политически осмыслить свою работу. Это упражнение, в котором Брехт просит актеров показать момент решающего решения в развитии персонажа, когда одно решение может привести к бесчеловечности, другое — к человечности, политическим последствиям и, возможно, опасности.Он предполагает, что зрители должны знать, что есть два направления, в которых может двигаться персонаж: к силам реакции или к революции. Это предполагает такой взгляд на историю, при котором не может быть застоя: «Все меняется, — писал Брехт, — вы можете / С последним вздохом начать новую жизнь» ( BFA 15, с. 117; Стихи , с. 400).

    Чтобы прояснить ситуацию, когда обычный «аполитичный» персонаж вынужден двигаться по какой-то политической линии, я использовал момент из убедительных мемуаров Кристабель Биленберг о Берлине во время Второй мировой войны, «Прошлое — это я сам », когда сосед попросил ее принять еврейскую пару, которая бежала от нацистов.Если бы ее поймали, это означало бы смертный приговор. Мне пришлось побудить Анну перейти от мысли «можно/не надо?» к изображению борьбы за принятие решения и конкурирующих чувств, пронизывающих ее тело. Она встала в дверном проеме и отошла назад, слегка покачав головой, затем, посмотрев на пару, беззащитно стоящую на улице, слегка двинулась к ним. Затем ее тело охватил страх, она украдкой огляделась, затем с тоской посмотрела на безопасность своего дома, ее ноги как вкопанные, в конце концов двинулись обратно к своей двери.Тем не менее мы не могли предположить, что она будет делать. В конце концов она позвала пару вперед и втолкнула их в свой дом, несмотря на все ее беспокойство. Это упражнение очаровало актеров, потому что им редко приходилось изображать такого рода принятие решений: в этот конкретный исторический момент нет выхода. Одно маленькое действие безвозвратно поставит вас на ту или иную сторону. Нам всем нравится думать, что мы примем гуманное решение, но многие ли из нас действительно примут такое решение?

    В последующем обсуждении мы решили, что большинство актеров смогут разыграть этот момент, но задачей режиссера будет вытянуть его и придать ему драматическое значение.И именно здесь так много теории становится просто абстрактным, потому что актеры не могут выполнять такую ​​работу в одиночку. Они являются частью совместных усилий, коллективного видения, и большая часть динамики и акцента сцены находится в руках режиссера, а не актера — я снова и снова обращал внимание актеров, когда они спрашивали, есть ли новый вид. актерского мастерства требует Брехт. Большинство современных актеров вполне способны подчеркивать политическое развитие своих персонажей, но, в конце концов, именно режиссер благодаря общему политическому пониманию повествования может выделить пространство и внимание к таким моментам и может призвать к простому четкому их разыгрыванию. со стороны исполнителя.

    Вопрос драматического контекста также находится в руках режиссера. Здесь мы исследовали, каким может быть вклад актера в сцену, где простое действие может быть полностью наполнено смыслом, если его поместить в определенный контекст. Чтобы продемонстрировать это, я придумал сцену с медной чашей с водой на столе, воображаемым зеркалом, грубым полотенцем и листом бумаги с надписью. Я попросил неактёра в комнате медленно подойти к столу, окунуть лицо в воду с открытыми глазами, вытереть лицо полотенцем, а затем попытаться запомнить слова, приколотые на стене рядом с зеркалом.Я специально попросил ее не проявлять эмоций и стараться не создавать эмоционального повествования. То, что танцор Элвин Николай назвал «движением, а не эмоциями». Затем я попросил ее повторить сцену несколько раз, пока время не станет стабильным. Наконец я попросил ее повторить действие, пока я читаю следующее стихотворение:

    Когда много лет назад я показывал тебе

    Как умыться первым делом с утра

    С кусочками льда в воде

    Медной миски

    Погружаешься лицом, открываешь глаза

    Потом, пока ты вытираешься грубым полотенцем

    Чтение сложных строк вашей части

    С листа, приколотого к стене, я сказал:

    Это то, что ты делаешь для себя; сделай

    Образцовый.

     

    Я слышал, что вы в тюрьме.

    Письма, которые я написал от вашего имени

    Остаться без ответа. Друзья, к которым я обратился за тобой

    Молчат. Я ничего не могу сделать для вас. Что

    Принесет ли твое утро? Сделаешь что-нибудь для себя?

    Обнадеживающий и ответственный

    С хорошими движениями, образцово?

    ( БФА 14, стр. 360; Стихи , стр. 290)

    Эффект в комнате был сильным, когда зрители поняли, что смотрят на актрису Каролу Неер, узницу советского ГУЛАГа, для которой Брехт «ничего не мог сделать».В ходе последовавшего обсуждения актеры поняли, что попытка привнести эмоции в этот образ сведет на нет его силу. Его резкость и простота вместе с драматическим раскрытием контекста в лозунге, песне или стихотворении имели неизмеримую силу. Такое же поразительное использование контекстуальной информации произошло, когда Хелен Вайгель в роли Матери Храбрости беззвучно закричала, когда публика услышала барабанную дробь, извещающую о казни ее сына.

    Однако, пожалуй, самая захватывающая часть нашего семинара пришлась на предложенные Брехтом упражнения для классических текстов, Мария Стюарт Шиллера и Гамлета Шекспира, Макбет и Ромео и Джульетта .Они состояли из сцен, которые Брехт написал для актеров для репетиций, скорее в манере своего дизайнера Каспара Неера, который часто составлял моментальные рисунки сцен, которых на самом деле не было в пьесах, но которые помогли Брехту развить видение. мир, который он и актеры пытались создать. Все эти репетиционные сцены были призваны раскрыть скрытую сторону жизни персонажей. В «Макбет » мы исследовали жизнь в домике привратника с прибывающими посыльными и доставкой; в Ромео и Джульетта сцена между Джульеттой и ее няней, которая показывает безапелляционность Джульетты со своей служанкой.В Мария Стюарт сцена между двумя королевами была переписана как драка между двумя рыбаками на пристани.

    Работа над пьесой Шиллера подарила нам один из тех чудесных моментов в репетиционном зале, когда актер переходит от спотыкающегося, ходульного чтения классического языка к страстной беглости в течение четверти часа. Клэр Б. перешла от своих разглагольствований о торговках рыбой к тексту, не колеблясь ни секунды, и эмоциональные вложения обоих монархов были раскрыты, когда они яростно протестовали против своих прав и недовольства с удовольствием рыботорговцев.

    Это использование репетиционных сценариев вызывало наибольший энтузиазм у актеров. Современному актеру или режиссеру не нужны эти выписанные сценарии, как это делает для нас Брехт, но каждую ситуацию в потенциальном спектакле можно тщательно изучить, и сценарии предшествующего действия, скрытого мира слуг или низших, королев как дерущихся соседей или принцы, как мальчишки, затевающие драку, могут быть обрисованы в общих чертах и ​​импровизированы. Актеры могут переходить от сценария к написанной сцене и исследовать открытия одного в формальностях другого.Многое можно почерпнуть из этого трюка с превращением класса, ситуации и характера в скульптуру, чтобы посмотреть на них под другим углом. И это, говоря простым языком, то, что Брехт просит делать театральных деятелей.

     

    Описанные здесь мастер-классы проводились в январе 2013 года и стали предметом короткометражного фильма Мэй Абдаллы, доступного в мастерской Мессингкауфа для актеров.

    Брехт написал большое количество стихов об актерском мастерстве и театре, некоторые из которых упоминаются в этом отчете.Они включают небольшую группу, которую Брехт впоследствии опубликует как «Стихи о покупке латуни» (в Versuche 14, 1955, а теперь в BFA 12, стр. 317–31), хотя они возникли вовсе не в этом контексте. . Первая и последняя из них «О будничном театре» и «Вейгелевский реквизит» цитируются выше, наряду с «Песней драматурга», «Все меняется» и «Стирка». Все они находятся в Bertolt Brecht, Poems 1913-1956 под редакцией Джона Уиллетта и Ральфа Манхейма (Лондон: Метуэн, 1976).

    Мадс Миккельсен говорит, что метод актерского мастерства — это «чушь собачья» и «претенциозная».

    Все серьезные драматурги затыкают уши, потому что датский актер Мадс Миккельсен назвал метод игры «дерьмом».

    В интервью GQ звезда фильма « Фантастические твари: Тайны Дамблдора » назвал других актеров, которые идут на все ради своих ролей; даже называя это «претенциозным».

    «Я бы провел время в моей жизни, просто постоянно ломая характер», сказал он.

    «Я выкуриваю сигарету. Это из 2020 года, а не из 1870 — ты можешь с этим жить?» Это просто претенциозно. Дэниел Дэй-Льюис — отличный актер. Но это не имеет к этому никакого отношения».

    Предоставлено: ZUMA Press, Inc./Alamy

    Датская звезда, заменившая Джонни Деппа в роли темного волшебника Геллерта Гриндельвальда в грядущем спин-оффе фильма « о Гарри Поттере », также говорила об опасностях методичной игры и «безумии» погружение в персонажей за кадром.

    «Подготовка, вы можете впасть в безумие», сказал он.

    «Что, если это дерьмовый фильм — чего, по-твоему, ты добился? Я впечатлен тем, что ты не отказался от персонажа? Ты должен был отказаться от него с самого начала! Как ты готовишься к серийному убийце? потратить два года на проверку?»

    Будем надеяться, что Дэниелу Дэй-Льюису никогда не придется играть Джеффри Дамера.

    Звезда Казино Рояль также осудил СМИ за то, что они восхваляют методы актерского мастерства и создают «ажиотаж вокруг Оскара» для тех, кто проявляет такую ​​приверженность своему персонажу.

    «Средства массовой информации говорят: «Боже мой, он воспринял это так серьезно, поэтому он должен быть фантастическим; давайте дадим ему награду», — сказал он.

    «Тогда об этом говорят, и все об этом знают, и это становится делом.»

    Комментарии Миккельсена прозвучали после того, как в начале этого месяца Джаред Лето попал в заголовки заголовков из-за того, что в его фильме Морбиус Морбиус он играл так жестко, что   это привело к задержкам производства.

    Авторы и права: Alamy

    Режиссер Морбиуса Дэниел Эспиноса сказал, что актер очень старался точно передать физические ограничения своего персонажа, доктора Майкла Морбиуса.

    Согласно Uproxx, он подтвердил, что Лето даже будет использовать костыли, когда камеры не работают, что отодвигает производственный график, поскольку ему потребуется 45 минут, чтобы сходить в туалет.

  • Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.